popticker

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts (2000 - 2010) Folge 18: Dixie Chicks „Not ready to make nice“

Es mag verwunderlich anmuten, diese meine Kategorie fortzusetzen, nachdem das betreffende Jahrzehnt nun mehr schon eineinhalb Jahre vorbei ist, aber nicht zuletzt, weil ich, wie ich durch meine Statistiken weiss, dass diese Reihe der perfekten Hits sich nach wie vor grosser Beliebtheit erfreut, muss ich sie eben durch die Songs, die einfach herein gehören, ergänzen - und bei manchen wird mir das eben erst eineinhalb Jahre später klar: „Not ready to make nice“ ist jedenfalls ein Lied, das ich noch ergänzen muss, und das liegt nun gar nicht daran, dass es ein übermässig grosser Hit gewesen wäre; vielmehr scheint diese Kategorie ja auch mehr und mehr Lieder zu behandeln, die in irgendeiner Form das Popjahrzehnt repräsentieren, und dies kann man definitiv über diesen Song der Dixie Chicks sagen: Der Song handelt rückblickend von dem Skandal, den die Sängerin und Songautorin Natalie Maines bei einem Konzert 2004 in London auslöste, als sie sagte, sie schäme sich, wie Präsident George Bush aus Texas zu kommen. Diese Aussage, von Maines und den anderen Dixie Chicks zunächst relativiert und dann immer mehr unterstrichen, verursachte eine Protestwelle bei der traditionell eher konservativen Country-Hörerschaft: Boykott von Radiostationen, Morddrohungen und Dixie Chicks-CD-Verbrennungen waren die Folge; zwei Radio-DJs, die sich dem Boykott ihres Arbeitgebers widersetzten und Dixie Chicks spielten, verloren ihren Job. 

Dieser hysterischen Situation begegneten Natalie Maines, Emily Robinson und Martie Maguire 2006 mit dem wutentbrannten und daher ungemein politischen Album „Taking The Long Way“, eine stimmige Sammlung voller musikalischer Perlen amerikanischer Songwriterkunst - der tolle Dokumentarfilm „Shut up and sing“ erzählt nicht zuletzt die Entstehung dieses wunderbaren Albums; und „Not ready to make nice“ bildete sozusagen das thematische Zentrum dieser Platte: „Forgive sounds good, forget - I don‘t think I could“ singt Maines da, und der B-Teil zitiert aus einer Morddrohung, den sie per Post erhalten hatte: „it’s a sad, sad story that a mother will teach her daughter that she ought to hate a perfect stranger; and how in the world can the words that I said send somebody so over the edge that they write me a letter, [and] say that I better shut up and sing or my life will be over?“ - der Song kommt als Ballade daher und ist doch so voller Wut und Empörung: Mit stillem Riff steigt er ein, kommt im zweiten Teil der zweiten Strophe zu einem seichten Beat und bäumt sich dann zum ersten Refrain auf, bevor er sich dann rasch in erwähnten B-Teil aufmacht, bei dem man meint, Maines könne nicht aufhören zu reden, zu singen, weshalb dann erst einmal ein Refrain ohne Gesang folgt, Atempause mit Fiddle und E-Gitarre, nach dem dritten Refrain dann werden wieder Beat und Instrumente heraus genommen, und der Song fadet in ein offenes Ende: Einfache Mittel, grosse Wirkung, ein Meisterwerk, gekonnt ausproduziert von Rick Rubin, Grandios.

LISTEN! LISTEN! LISTEN! (13)

3 Lieder, die ich faktisch nicht hören kann, ohne eine Träne zu verdrücken, und die alle drei eine Liebeserklärung ihrer SängerInnen an deren Kinder sind

Dixie Chicks "Easy Silence"

Als ich Dixie Chicks' "Taking a long way" 2006 zur Platte des Jahres ernannte, habe ich eine grosse Menge an Spott-Emails bekommen. Die Dixie Chicks sind sicher kein Feuerwerk an Innovation, aber das überlieferte Kulturformat "Song" braucht keinerlei Innovation, wenn man einen von Natalie Maines hört - die beste amerikanische Songwriterin unserer Zeit. Das 2006er Album ist voller unvergleichlich wunderbarer Lieder, bei denen "Easy Silence" noch einmal heraus ragt: Ein schöneres Liebeslied ist in diesem Jahrtausend meiner Ansicht nach noch nicht geschrieben worden.

Paul Simon "Beautiful"

Der schlichte Bericht Simons über die Kinder, die er zusammen mit Edie Brickell adoptiert hat, ist in seiner emotionalem Unverstelltheit wohl nur von solch einem alten Haudegen wie Paul Simon schreib- und singbar. Dabei weiss ich noch nicht mal, ob die Geschichten stimmen, was letztlich eben auch nicht von Belang ist: Spätestens bei der dritten Strophe bricht mir selbst beim 50sten Hören das Herz.

Lauryn Hill " To Zion"

Lauryns gesungenes Bekenntnis zu ihrem ersten Kind und die im Refrain zum Ausdruck gebrachte Liebeserklärung - da muss man schon ein Stein sein, wenn einen dieses Lied kalt lässt.

Die Erhu summen kann

Camilles „Ilo Veyou“ ist eine Liebeserklärung an die Musik

Nicht ganz zu unrecht wurden oft drei Neuveröffentlichungen dieses Monats in einem Atemzug gennant: Björk,  Feist und Camille - ich tat dies auch, bin ich doch auch Fan von den Dreien, und sind doch alle drei Sängerinnen letztlich nur ihrem eigenen Referenzsystem verpflichtet und geniessen in diesem Sinne eine im Popmarkt höchst seltene künstlerische Freiheit. Camille, hierzulande die Unbekannteste der drei, in Frankreich die mit Abstand Bekannteste, hat nun also „Ilo Veyou“ veröffentlicht, ihr viertes Studioalbum, ihr drittes Meisterwerk. Was jenseits von jeder nicht ausgestellter musikalischer Virtuosität das Schaffen dieser einzigartigen Sängerin auszeichnet, ist, seit sie singt und musiziert, die merkwürdige Schwebe von flirrendem Kitsch und kompletten Blödsinn, der scheinbare innere Widerspruch zwischen Ernst und Quatsch oder, noch allgemeiner gesprochen, von Ordnung und Chaos. Das kann man schon am Beginn dieser Platte ablesen: Das erste Lied ist nicht mehr als eine in einem Park rhythmisch gesprochene Litanei, heute sei der schönste Tag im schönsten Leben auf dem schönsten Planeten, und offensichtlich ist hier der Tag der Geburt ihres Kindes gemeint; das hört man aber nur aus den Wortfetzen des schnellen Französisch heraus: Der Tonfall ist eher hektisch denn kitschig; und als zweiten Song hört man dann die Petitesse „l‘étourderie“, welches den hektischen Kitsch leicht bremst, und dann kommt ein Streichquartett mit Standbass und betrunkener Gesang, durcheinander gesprochene Kakophonie, Uptempo, trockener Beat, französischer Tom Waits, staccato, ja was kommt denn hier eigentlich als drittes Lied? „Allez, allez, allez“ ist pure Lebensfreude in Musik gegossen, auf der die beiden englisch gesungenen Balladen „Wet Boy“ und „She was“ (die irgendwie an Feist erinnern) folgen, bis es dann wieder jazziger wird und Camille sich beschwert, auf dem Mars gäbe es keinen Strand, es sei öde, und aufgrund der unfassbaren Gravitation könne man auch keinen Sex haben, und das alles hätte nicht im Katalog gestanden: „Mars is no fun“.

Musikalisch ist dieses Album die Quintessenz aus dem Potpourri ihrer ganzen bisherigen Musik: Dem französischen Flair des puren Chansons von „le sac des filles“ (2002), der Sample- und Vokalakrobatik eines der besten Pop-Alben aller Zeiten „le fil“ (2005) und dem Gospelbeatboxing von „Music Hole“ (2008). Auf „Ilo Veyou“ finden sich wieder deutlich mehr Instrumente als auf dem Vorgänger, Camille flirtet zeitweise mit jazziger und kammerorchestraler Instrumentierung, schichtet aber auch wieder merkwürdige Vokal-Effekte und Bodypercussion (wie in dem B-Stabreimexzess „Bubble Lady“ und dem Titellied). Und wenn man sich schon längst in dieses Album verliebt hat, holt Camille noch das ein oder andere Ass auf dem Ärmel - wenn sie in „Le berger“ auf einmal eine chineische Geige, eine Erhu mit dem Mund imitiert und der Klang ihres Summens kurz darauf auch eine afrikanische Flöte sein könnte, oder wenn sie in dem Lied „La France“ behauptet, die Franzosen hätten vor allen Dingen die Fotokopie hervor gebracht, dann fragt man sich, wie um alles in der Welt sie es schafft, diesem Stilmischmaschernstunsinn eine Form zu geben, welcher sich zum Album verdichtet - das kann eben nur sie, das ist einfach eine eigene Liga. Lange Rede, kurzer Sinn: Wer Camille nicht kennt, der gehe bitte jetzt auf der Stelle in den Schallplattenladen und kaufe sich alle ihre Alben. Man muss die haben - Camille! Ilo Veyou, mit anderer Worttrennung!

Camille "Ilo Veyou"

... erscheint heute, wohl die Platte des Jahres für den Popticker ...

 

Camille!

Anlässlich des Erscheinens der neuen Platte "Ilo Veyou" von Camille am 17.10.11 reaktiviert der Popticker seine Mission, die Welt - oder zumindest seine Leser - davon zu überzeugen, dass eben diese Camille die beste Popsängerin der Welt ist: Hier sind geballt (fast) alle Texte, die ich über Camille geschrieben habe:

 

 

 

 

 

 

 

Der Popticker hat sich in diese Platte verliebt

Camille - le fil (2005)

Hierzulande völlig unbeachtet hat die heute 27jährige Camille 2002 ein gewissermaßen traditionelle Chansonplatte veröffentlicht, "le sac des filles", die stilsicher auf unausgetretenen, ziemlich französischen Pfaden wanderte, und auf der in manchen Momenten die dreiste Genialität dieser ganz und gar großartigen Sängerin hervor blitzt ­ etwa wenn sie ein Lied "Paris" nennt, und es singt, als wäre es das erste Lied über die französische Hauptstadt, das je geschrieben wurde. Daß ihrem neuen Album "le fil" nun auch hier mehr Aufmerksamkeit zuteil wird, liegt nicht nur an dem Boom der französischen Popmusik als solcher, wahlweise "le pop" oder "la nouvelle chansons" genannt, es liegt auch an dem überraschenden Erfolg einer Band, die sich "nouvel vague" nennt, und die auf ihrem gleichnamigen Album Wave- und Synthiepopklassiker der 80er Jahre als Easy Listening ­ Songs coverten, und Camille singt eben bei nouvel vague. Eine nette Platte, aber gegen "le fil" verblasst sie.

"le fil" ("der Faden") ist die schönste und souveränste Platte des letzten Jahre, in diesem Jahrtausend ist bislang keine bessere erschienen. Der rote Faden der Platte, die "Faden" heißt, ist ein Moll ­ Dreiklang mit Obertönen, geschichtet einzig und allein aus Camilles Stimme, und dieser Akkord bildet die Basis sämtlicher 13 Songs, von denen sich einer in drei Teilen auf der Platte verteilt. Überhaupt ist das Klangmaterial, aus dem Camille ihre Musik baut, vornehmlich ihre Stimme, hin und wieder also erinnert "le fil" an das reine Vokalalbum "Medulla" von Björk, (das sie, ich muß das auch als Björkfan so sagen, aber locker in die Tasche steckt), aber anders als die Isländerin nimmt Camille die Sache nicht so dogmatisch und benutzt ebenso Instrumente: Bass, Orgel, Gitarre, Klavier, Percussion. Ihre Stimme aber formt ebenso Melodielinien wie kleine Solos, geloopt geschichtet oft auch den Beat der Lieder, - manches grroovt so relaxed daher, daß man mitwippt ("la douleur") ­ und Camille formt mehrstimmige Chöre, deren Sätze allerlei augenzwinkernde Zitate bilden, Chöre, die die verschiedensten Funktionen innerhalb der Lieder einnehmen ­ mal hört man die Beach Boys, dann wird es afrikanisch, plötzlich arabisch, mal türmen sich Stimmen wie in einer Oper, dann bleibt es trocken wie bei den Pet Shop Boys.

Daß Camille aus Genannten eine derartig große Platte gemacht hat, liegt nun aber vor allem auch daran, daß sie eine phantastische Produzentin der eigenen Musik ist. Sie variiert innerhalb eines Liedes nicht nur Instrumentierung und Chorsatz, auch den Sound, die räumlichen Effekte. In "assise" beispielsweise braucht sie nichts weiter als eine Strophe, eine hinreißend schöne Melodie ohne Refrain, die sie zweistimmig und fern klingen läßt, während rechts vorne ein dreister, leiser Beat vor sich hin dotzt, in der dritten Strophe klingt ihre Stimme auf einmal warm und nah, zu ihr gesellt sich ein Kontrabass, und ihre Intonation passt sich der temporären Jazzatmosphäre an, bevor das Ganze dann wieder explodiert und in meines Erachtens sieben Stimmen gen Ende strebt ­ Generalpause, Schlußakkord: 2 Minuten und 16 Sekunden braucht sie für dieses Meisterwerk. In "au port" erklingt auf einmal für genau eine Bridge eine Steeldrum, völlig absurd, passt da gar nicht hin, muß da aber genau sein, im selben Stück groovt mit mal ein entspannter Bläsersatz ­ gibt es vorher nicht, muß da aber hin.

Das Große, das Kühne an dieser Platte ist, daß sie gedacht ist, es ist keine Ansammlung von Liedern, sondern man merkt: So wie diese Platte ist, wie sie klingt, wie sie gebaut ist, so wollte Camille sie, sie hatte sie im Blick, im Ohr, im Herz, und sie hatte die Mittel, sie so klingen zu lassen. Nach 32 Minuten kommt es zu einer derrtig sympathisch kitschigen Explosion ins ironisch ­ sphärisch Ungefähre, daß einem Angst und bange wird, nach 35 Minuten, und ich habe selten solch aufregende 35 Minuten am Stück gehört, läßt sie das Album ausklingen, läßt den Dreiklang, den roten Faden stehen, um uns nach genau derselben Zeit, nach 35 Minuten mit einem recht unversteckten hidden track zu beschenken ­ was für ein Glück! Was für eine Platte! Mehr als die Platte des Jahres, eine der besten Popplatten überhaupt.

 

Die Sirene

Camilles „Live au trianon“ (2006)

Musiker, die ihrem Beruf nicht nur im Tonstudio nachgehen und auch Konzerte geben, die ihr Schaffen aber schon in einem Rhythmus von Alben organisieren, können nach jedem ihrer Alben vor der Frage stehen, ob es von der entsprechenden Tour auch eine Live- Veröffentlichung geben soll – eine CD oder DVD eben. Im Falle der Konzerttournee von Camille zu ihrem Meisterwerk „le fil“ wird es diese Frage vermutlich irgendwann nicht mehr gegeben haben, denn diese ihre Konzertreihe war künstlerisch wie kommerziell ein gigantischer Erfolg. Nun ist ohne große Vorankündigung und also recht plötzlich „Camille –live au trianon“ erschienen, und es ist, wie der Leser des Poptickers unschwer erraten wird, eine CD, die ihn –den Popticker- höchst glücklich stimmt. 

Obgleich die Aufnahmen für die CD von zwei verschiedenen Konzerten stammen, ist das Material, das es hier zu hören gibt höchst unverstellt und in keinster Weise nachbearbeitet –will heißen: Sämtliche Lieder sind so zu hören, wie sie an einem der beide Abende des 17. und 18. Oktober in Paris musiziert wurden. Das gibt Einblick in eine Formation von höchst virtuosen Musikern, die sich ständig gegenseitig überraschen und aus dem Konzept bringen, das heißt, daß manches Lied auch im Chaos oder schlicht im Lachen endet, das heißt aber auch, daß man einer Musik lauscht, die einzigartig ist, und deren Einzigartigkeit vom 17. und 18. Oktober auf eine Weise die Einzigartigkeit repräsentiert, die Camille für mich in Köln undfür viele andere auf anderen Konterten ausstrahlte. Das führt wiederum zu der Tatsache,daß, wer Camille und insbesondere „le fil“ nicht kennt, „live au trianon“ befremden wird, daß, wer Camille kennt aber sie nicht live gesehen hat, überrascht sein wird, und wer sie gut kennt und im Konzert gesehen hat, den wird diese CD zu Tränen rühren, so schön ist sie. Anders gesagt: Das ist keine CD für Camille-Einsteiger, das ist schon eher eine CD für Camille-Liebhaber, also für jeden, der einmal „le fil“ gehört hat. 

Camille ist zu allen möglichen Gelegenheiten in verschiedensten Formationen aufgetreten, das Konzert „au trianon“ wurde von ihrer kompletten Band bestritten: MaJiker am präparierten wie unpräparierten Klavier, am Akkordeon und im Chor, Martin Gamet spielt Bass und Percussion und singt ebenso, und Sly „The Mic Buddah“ als einer der besten Human Beat Boxer der Welt ist auch mit von der Partie. Der Sound ist somit ein wenig erdiger als die Studioaufnahmen von „le fil“, jazziger, nicht ganz so vokallastig und versponnen. Da sämtliche auf der Bühne Musizierende Multiinsttrumentalisten sind, können sie sich den Luxus erlauben, für fast jedes Lied wieder ein anderes Detail erklingen zu lassen, die vier sind albern, versponnen, chaotisch und beherrscht virtuos zugleich. Höhepunkt der CD sind für mich die letzten beiden Stücke, das elegisch abwartende „elle s’en va“ und ihr großer Nummer 1-Hit Frankreichs „ta douleur“ als Zugabe. 

 

Huch! Ein Instrument!

zwei Lieder der neuen Camille-Platte „Music hole“ (VÖ 09.04.08) gewähren Einblick in ein mutmaßliches Meisterwerk der französischen Sängerin, der der Popticker verfallen ist (2008)

Camilles dritte Platte ist in gewissem Sinne ihre Zweite; dann wenn man sagt: Die zweite Platte ist immer die Schwerste. Denn die Schwerste Platte ist für Camille die im April erscheinende Dritte. Weil die Erwartungshaltungen an sie so groß sein werden, wie nach einem gigantisch erfolgreichen Debüt. Gigantisch erfolgreich war nämlich Camilles zweite Platte, jenes Meisterwerk „le fil“, das, ich wiederhole das immer wieder gerne, für mich zu den besten Popalben aller Zeiten zählt. Die erste Platte, das entspannte, fast klassische Chansonsalbum „Les sacs des filles“ war in Frankreich nicht mehr als ein Achtungserfolg, es wurde noch ein wenig mehr gekauft, als Camille bei dem Coverprojekt „Nouvelle Vague“ als Sängerin auftrat. Dann aber erschien das Konzeptalbum „le fil“, und Frankreich wie der Popticker lagen Camille zu Füssen: Die auf einem Grundton basierende Musik, die sich Camille erfunden hatte, variierte sich in knapp 40 Minuten in 13 Lieder aus, deren virtuose Ausformung hauptsächlich durch Stimmen geschah, der Einsatz von Instrumenten ist recht spärlich aber präzise. Ein musikalisches Konzeptalbum, das Camille kongenial live umzusetzen imstande war: Unterstützt von einigen Multiinstrumentalisten und Vokalakrobaten sowie einem Sampler, der es ihr erlaubte Chöre und Beats live aus der eigenen Stimme zu schichten, tourte sie unaufhörlich durch Frankreich und ganz Europa. Die Konzerte waren ein musikalisches Wunder, davon zeugt auch die Live-Platte „Camille live au trianon“:

Nun lassen also zwei neue Lieder, außerhalb Frankreichs immerhin auf iTunes zu erwerben, Einblick in ihr neues Album zu: Die Single „gospel without a lord“ ist ein stimmlicher Parforceritt eines camilleschen Gospel, der Extratrack „money note“ ist eine vokalakrobatische Auslotung über den Zustand des amerikanischen RnB einschließlich einer kurzen Mariah Carey-Parodie. Von zwei Dingen hat sich Camille also verabschiedet: Von ihrem Grundton, auf dem bei „le fil“ noch alle Lieder beruhten, sowie von der französischen Sprache - sie singt nunmehr ein babyonisches Camilleisch, einen Mix aus Französisch und Englisch. Und wenn man „le fil“ noch als eine Variation des französischen Chansons interpretieren könnte, so widmet sich Camille mit ihrem Frenglisch oder Englösisch nun auch anderen Musikgenres, die sie mit ihrem Vokalstil assimiliert und in ihr musikalische Welt überführt: Hip Hop, Gospel, Soul, Jazz, Indierock lassen sich als Referenzen bereits in erwähnten zwei Liedern anführen. Von entsprechenden Einflüssen zeugt dann auch die Gästeliste auf „Music hole“: Den Vokalartisten Majiker, die Rapper der Saian Supa Crew oder Jamie Cullum - um nur einige zu nennen.

„Gospel without a lord“ jedenfalls, groovt relaxed und verschachtelt in die Gehörgänge, und Camille zieht einige ihrer virtuos wie panischen Stimmregister. Es ist sicher falsch, von zwei Lieder auf ein ganzes Album zu schliessen, aber objektiv kann man schon jetzt sagen: Camille ist musikalisch frei wie kaum ein anderer Popkünstler auf der Welt, sie schert sich um nichts, als um die Musik, die sie machen will, und diese ihre Musik ist ein großer Glücksfall für die Welt.

 

Die Taucherin

Camille springt in Hamburg in ihr mitgebrachtes Musikloch - ihre Tour ist ein magischer Moment der Popgeschichte (2009)

Zum Ende des Konzertes, ihre Rhythmussektion hält Beat und Bass des auslaufenden Liedes, kündigt Camille an, sie werde nun stagediven; und zum Diven, Tauchen braucht sie natürlich einen Taucheranzug. Mit Hilfe ihrer Backgroundsängerinnen quetscht sie sich in einen hinein, legt sich ins Publikum, lässt sich zum anderen Ende der Halle tragen, wo sie die Empore erklimmt und ihre Musiker zu sich ruft. Von Oben, auf dem Balkon gegenüber der Bühne singt sie das letzte Lied des Abends, unplugged in jedem Sinne: Kein Licht, kein Verstärker, mehrstimmiger Chorgesang. Im Dunklen winkt sie.

Dies war der spontane Abschluss eines Abends, der kein besseres Ende hätte finden können, denn schon auf der Bühne, dort natürlich beleuchtet und durchaus verstärkt, präsentierte Camille ihre Lieder meist ohne Instrumente. Nur ein Flügel steht auf der Bühne, sonst ist sie übersät von sichtbaren und unsichtbaren Mikrofonen, die von überall her Geräusche aufnehmen, welche in der Summe einen satten, facettenreichen Klang ergeben, ein differenziertes Gebilde aus Bässen, Höhen, Tiefen, und doch hört man ausschliesslich Stimme und Bodypercussion, besser gesagt: Man sieht das. Camille und ihrer Mitstreiter haben einen Höllenspass daran, wie mehrere synchronisierte Uhrwerke in de Luft zu hüpfen und das Stampfen zu einem Beat zu bauen, sich auf die Brust zu hauen und in die Hände zu schlagen, auf komplizierteste „unds“, und optisch wie akustisch ist man nahezu gezwungen auch zu tanzen. An diesem Abend wird klar: Camilles aktuelles Album „Music Hole“ ist ein Meisterwerk ohne Gleichen, es ist aber Musik, die noch mehr wirkt, wenn man die Musizierenden dabei sieht. Diese Musik ist performativ und darin unwiderstehlich.

Camille baut auch Lieder ihrer beiden vorigen Alben ein, „Le fil“ aus dem Jahre 2005, eine der besten Popalben aller Zeiten, es sei auch hier noch einmal erwähnt, ist vielfach vertreten, auch von dem vergleichsweise kommerzielleren „les sacs des filles“ findet sich das ein oder andere Lied, und Camille spielt sogar einen Song, den sie für das Coverprojekt „Nouvelles Vague“ eingesungen hat: „Too drunk to fuck“, im Original von den Dead Kennedys, gerät mit Bodypercussion und Vokalakrobatik zu einer exzessiven Jamsession, bei dem man das Gefühl hat, die Musiker sind von ihrem eigenen Klängen besessen. Zu diesem Zeitpunkt hat sie das Hamburger Publikum längst in die Tasche gesteckt. Mich erfasste bereits im dritten Lied „home is where it hurts“ die komplette Euphorie, als der getanzte Stampfbeat die anfängliche Ballade in ein zitiertes Meisterwerk des Afropos überführt - zudem: die schönste Melodie, die man seit Langem in einem Popsong gehört hat. Camille selber ist irgendwann beseelt, und man sieht ihr das Glück an, welches ihr die eigene Musik bereitet.

Man muss wirklich kein Fan sein, um zur Meinung zu gelangen: Was Camille mit diesen unfassbaren Mitmusikern bereits zum Beginn ihrer Tournee erreicht hat, ist einzigartig, es negiert jegliche Abgebrühtheit von Rock und Pop, es ist von ironiefreier aber nicht humorloser Erhabenheit, ihre Präsenz und Virtuosität macht sie zu einer der grössten lebenden Entertainerinnen, und es ist eine Schande, dass Musikpresse und Feuilleton sie hierzulande ignoriert: Camille ist objektiv grossartig und für mich die Größte.

Bescheidene Maus

Gute Neuigkeiten für Leute, die Isaac Brock lieben

Hin und wieder überkommt mich Sehnsucht nach einer bestimmten Band, die ich liebe; so fragte ich mich gestern: Was machen wohl Modest Mouse? Über eine findige Fan-Seite fand ich faus, äh … raus, dass die immerhin im Studio sind - aber nur zur Richtungssuche für eine neue Platte, gerade haben sie ein paar Tage mit Big Boi von Outkast herum gewerkelt, aha? Und! Johnny Marr, ehemals The Smiths, ist nach einer Platte einer EP und ausgiebigen Tourneen wieder runter vom Schiff, das aber nicht wie der Titel der letzten LP suggeriert, sinkt, während alle an Bord tot sind.

Dann habe ich also auf eine EP zurück gegriffen: „No One‘s First, and You‘re Next“, die mit immerhin acht Stücken schon fast als LP durch geht; die Lieder stammen alle aus den „We were dead before the ship even sank“-Sessions Ende 2008, Anfang 2009 (also noch mit Johnny Marr) - Ende 2009 ist die Zusammenstellung auch erschienen, aber ich bin ja hier nicht an Popmarkt-Tempi gebunden. Zunächst fällt auf, dass die Songs hier einen eigenen Klang haben und nicht so recht in den virtuosen Vaudevill-Punk des „We were dead …“-Albums gepasst hätten. Die Band samt Isaac Brock klingt hier aggressiver, weniger pophaltig, in den schnelleren Lieder mehr nach den ganz frühen Modest Mouse, in den leiseren, langsameren Lieder mehr nach den getragenen, Folk & Country-Modest Mouse des unerreicht grossartigen Albums „Good News For People Who Love Bad News“ (2004). Wer Modest Mouse nicht kennt, sollte mit diesen guten Neuigkeiten für Leute, die schlechte Neuigkeiten lieben, beginnen, und wer sie kennt, sollte, gerade wenn er Sehnsucht nach ihnen hat, seine Sammlung mit der Tatsache ergänzen, dass niemand der Erste ist und du der Nächste.

Subtil viral, variables Substrat

Die beiden grössten lebenden Popsängerinnen, Camille und Björk, streuen Gerüchte über ihre neuen Platten

Offenbar ist es Björk selber, die in einem Auto durch eine recht isländische Landschaft fährt. Sie trägt einen merkwürdiges Outfit und hört Musik - und das ist der Punkt, an dem das rund 30sekündige Video auf Vimeo spannend wird, denn wer immer das Auto fährt, diejenige hört Björk. Und zwar einen hybriden, latinohaften, elektronischen Beat, der fast ohne Melodie-Instrumente von Björk besungen wird. Mehr zu hören gibt es bislang nicht von dem neuen Album von Björk, aber es gibt Andeutungen und Hypothesen: Offenbar wird „Biophilia“ zunächst als App erscheinen, welche verschiedene Möglichkeiten beinhaltet, die neuen Lieder selber zu remixen. Hierzu arbeite Björk mit dem Interaktionskünstler Scott Snibbe und dem Filmregisseur  Michel Gondry zusammen. Zudem wird das Album als solches zunächst live gespielt veröffentlicht werden - und zwar auf dem „Manchester International Festival“. Hier weiss man immerhin, dass diese 7 Konzerte vom 27. Juni stattfinden werden, ansonsten ist nichts über Erscheinungsdatum von Apps, Alben oder sonst irgendwas bekannt. Björk streut gezielt unfassbar wenige Informationen, wodurch sozusagen Angebot und Nachfrage den Preis regeln, und also der Wert der einzelnen Information ins Unermessliche steigt. So beschäftigen sich Hunderte von Fans seit vier Tagen mit der Frage, wie die 30 Sekunden des neuen Albums zu bewerten sind, und welche Rückschlüsse sich somit auf das Gesamtwerk ziehen lassen.

So weit ist Camille noch nicht, doch sie hat ihre Website neu gestaltet und bereits in zwei Newslettern die Formulierung verwandt, sie wolle die Wartezeit auf ihr neues Album verkürzen. Dies allein hat gereicht, mich zu elektrisieren - und ganz Frankreich auch: Camille ist für mich die ungekrönte Königin der künstlerischen Freiheit in der Popmusik; wie keine andere versteht sie es, und hier liegt wohl auch eine formale Parallele zu Björk, sich selbst Regeln für Platten zu setzen, um sich über andere Regeln, die die Popmusik hervor gebracht haben mag, hinwegzusetzen: Während sie 2005 ihre Platte "le fil" auf einem Grundton aufbaute, schuf sie mit „Music Hole“ ein erratisches Meisterwerk, das fast ohne Instrumente und nur mit Gesang und Bodypercussion auskam, und dessen Konzerte von unfassbarer Präzision und Emotion waren. Noch hat Camille nichts dazu verlauten lassen, ob sie sich wieder selber Regeln aufgestellt hat, und welche das wären, oder aber ob sie der Meinung ist, die Regeln für „Music Hole“ würden für ein zweites Album reichen - nichts Genaues weiss man nicht, noch weniger als über „Biophilia“.

Man kann sich also vorstellen, dass der Popticker in den nächsten Wochen fast täglich nach Neuigkeiten zu den neuen Platten von Björk und Camille Ausschau halten wird. Himmel! Ein Jahr mit neuen Alben von Björk UND Camille - was kann es Schöneres im Pop geben?

Auf der Zunge und im Ohr

Nach dem Grossohrwurm ganzer LPs thematisiert der Popticker ein weiteres Tabuthema unser musikberieselten Zeit: Die Mikro- und Makroohrwürmer

Wir wissen alle, wie sehr ein Ohrwurm uns nerven kann. Man wacht morgens auf, und das Ding ist drin, im Ohr, und macht auch keine Anstalten dort wieder zu verschwinden. Nicht immer, um nicht zu sagen fast nie, sind Ohrwürmer Lieder, die wir schätzen, meist sind es Lieder, die man eher schon hasst, und um so dramatischer ist es, wenn so ein Ohrwurm einfach nicht mehr weg geht. Mein schlimmster Ohrwurm war vor etwa einem halben Jahr "schwarzbraun ist die Haselnuss", und wenn der Ohrwurm ein solch entsetzliches Lied ist, steht auch das Hausmittel nicht zur Verfügung, das Lied, das einen nicht mehr aus dem Ohr geht, zu hören, denn wer hat schon eine Heino-CD zur Hand? Die allerschlimmsten Ohrwürmer sind aber die so genannten Mikro- oder gar Makroohrwürmer, zwei Worte übrigens, die sich mit zwei O schreiben. Mikroohrwürmer sind Liedpartikel, die gesondert und ohne ihr Lied im Ohr drin sind und sich da zusammenhangslos fest machen. Man hat dann eine Zeile, einen Melodiebogen, vielleicht nur ein zwei Töne oder einen Soundeffekt im Ohr, und um so weniger abwechslungsreich sind diese Mikroohrwürmer als die klassischen Ohrwürmer. Was diese Mikroplagegeister aber besonders schlimm macht, ist, wenn man das Lied, aus dem das Partikel, das einen nicht mehr losläßt, stammt, unerkannt bleibt; wenn sich also zu dem traumatischen, inneren Wiederholen eines Partikels noch ständig die Frage gesellt, aus welchem Lied der Mikroohrwurm denn stammt. Das kann mich zumindest in den Wahnsinn treiben. Das ist wie ein Name, der einen nicht einfallen will, ein Wort, das einem auf der Zunge liegt, aber trotzdem fehlt. Es ist schlimm. Meine Frau und ich hatten mal den B-Teil von "Can’t take my eyes off of you" im Ohr, und wir kamen auf das Lied nicht. Dann haben wir das den Leuten vorgesungen: "I love you baby, if it is quiet alright ..." und so weiter, und fanden dann schließlich jemanden, der das Lied identifizierte. 

Vor ein paar Tagen aber befiel mich ein Mikroohrwurm, den ich niemandem vorsingen konnte: Es war ein Soundeffekt eines Schlagzeugintros. Ausgelöst wurde dieser Mikroohrwurm durch einen ganz ähnlichen Effekt in dem Lied "Drama Queen" von Vany, die sich heute mit ihrem ganzen Namen Vanessa Petruo nennt, und mitten im Lied löste ein Schlagzeugsoundeffekt in mir die Frage aus, wo ich diesen Sound her kannte. Ich kam dann auf das exakte Klangbild dieses Schlagzeugeffektes aber nicht auf das Lied, aus dem es stammte. Volle drei Tage ging mir dieser etwa 2,5-sekündige Schlagzeugsoundeffekt nicht mehr aus dem Ohr und die Frage, aus welchem Lied es ist, nicht aus dem Kopf - die Stelle ist so kurz gewesen, dass ich gewillt bin, hier von einem Nanoohrwurm zu sprechen. Helfen konnte mir auch niemand, denn man kann diesen Sound nicht vorsingen, und mir fiel auch niemand ein, dem ich es hätte vorspielen können, der sich dann ernsthaft mit der ja doch nicht all zu drängenden Frage beschäftigen würde, aus welchem Lied mir ein Sound ähnlich vorkam. Gestern morgen fiel mir dann endlich wie Schuppen aus den Haaren, welcher Sound mich da drei Tage verfolgte, und es war noch nicht mal aus einem Lied sondern aus dem Remix eines Liedes, genauer: Es war die Maxiversion von "I just died in your arms tonight" der 80er-Band Cutting Crew. Da ich die Maxi besitze schritt ich sogleich zum direkten Soundvergleich und musste feststellen, daß sich die von mir als ähnlich empfundenen Soundeffekte tatsächlich sehr, sehr ähneln. Und seither muß ich mit der Frage leben: Ist hier gesampelt worden? Hat Vanessa mit ihren Kollegen im Studio gesessen, und sie haben sich gesagt: "An dieser Stelle nehmen wir einfach den Schlagzeugsoundeffekt aus der Maxi von „I just died in your arms tonight‘, das merkt doch eh kein Mensch." - nun ja, mag die Wahrscheinlichkeit, daß es so gewesen ist, auch noch so gering sein, ganz klären werde ich es wohl nie, aber wenn sich bei den Aufnahmen von "Drama Queen" doch jemand dachte, daß das kein Mensch merkt, so sei hier angemerkt: Ein Mensch vielleicht nicht, aber der unermüdliche Popticker, der hört so was.

Hinweis: Dieser Text erschien in gänzlich anderer Form schon mal im Popticker, ich habe ihn überarbeitet und noch mal eingestellt

All Time Favourites

Queen / a day at the races

Smiths / the world won‘t listen

Peter Gabriel / So

Youssou N‘Dour / gaiende (the lion)

Jovanotti / l‘albero

Bubba Sparxx / deliverance

M / le bapteme

Camille / le fil

Modest Mouse / good news for people who love bad news

Morrissey / you are the quarry

Dixie Chicks / taking a long way

Darren Hayman / Pram Town

Facebook-Cover-Gallery < HIER >