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Uncool ...

... ist das neue Cool?

Norah Jones gilt als so uncool, dass der Spiegel-Rezensent ihres neuen Albums sich einer List bediente, um die neue Platte gut zu finden, und trotzdem vor sich selber bestehen zu können: Das Album „little broken hearts“ sei in Wirklichkeit eine Danger Mouse-Platte, auf der Norah Jones zu Gast sei. Das ist natürlich purer Selbstbetrug und in seiner dogmatischen Norah-Jones-Ablehnung völlig peinlich - Tatsache ist, dass Danger Mouse als Produzent durchaus seine Spuren in der Musik von Jones hinterlassen hat; aber natürlich ist das ihre Platte, ihre Musik und der recht neue Sound vor allem ihr Werk. In den soften Jazzfolk der unfassbar erfolgreichen Sängerin, Songschreiberin und Keyboarderin mischten sich schon auf den letzten beiden Platten, in deren Verlauf sie auch ihre Band komplett auswechselte, Flowerpower Harmonien und -Effekte, die Danger Mouse nun noch mit einigem elektronischen Spirenzchen, Beats und Gitarren unterstreicht. Zudem schiesst er Jones‘ Stimme hin und wieder durch leicht verfremdende Effekte, wodurch das Album hier und da ein wenig moderner klingt - aber das ist bei allem Respekt für Danger Mouse in Wirklichkeit Pipifax. 

„Little Broken Hearts“ lässt den Pop deutlicher durch die Hintertüren, die bei Norah Jones schon immer offen standen, andererseits wirkt die Musik aufgeladener, nachdenklicher, trauriger. Aus diesen beiden scheinbar widersprüchlichen Tendenzen, deren Ursprung im Songwriting zu suchen ist, schichtet sich das Album zu einem sehr homogenen Ganzen, ohne die einzelnen Lieder nur als Teil eines Albums zuzulassen. In den besten Momenten erinnern die Stücke auf ähnliche Weise an trockene Soundtrack-Perlen eines Roadmovies, wie das auch schon bei der Pseduo-Filmmusik und von „Rome“ der Fall war (- auch eine Norah Jones / Danger Mouse -Kollaboration zusammen mit Jack White und Daniele Lupi, bei dessen fiktivem Filmgenre weniger ein Roadmovie denn ein Spaghettiwestern Pate stand). "Little broken hearts" ist eine Norah-Jones-Platte über gebrochene Herzen - nicht mehr und nicht weniger. 

Popticker-Lexikon: Popthentizität

Popthentizität // Ob zerstörte Ehen, von denen der Hörer weiss, oder street credibility: Pop braucht Ehrlichkeit; und Pop und Authentizität, das ist erst einmal ein Gegensatzpaar. Die Künstlichkeit von Popmusik, jenes ganz und gar irreal oberflächliche Medium, ist so evident, dass man die InterpretIn ja eben gerade als Popstar verehren will - unabgelenkt ob deren störender Privatheit. Trotzdem versucht der Popinterpret als Künstler, sich in irgendeiner Form in der Musik wieder zu finden, und der Hörer verlangt nach einem irgendwie gearteten Konzept, dass dies geschieht - rein maschinierte Musik, wie im Techno teils versucht, hat sich als Irrweg erwiesen. Da sie also zunächst ein Widerspruch zu sein scheint, liegt es nahe, der Authentizität im Pop einen eigenen Begriff zuzuweisen. Hier ist er: Die Popthentizität.

Die Popthentizität ist ein relativ zentraler Bestandteil der heutigen Popmusik. In Zeiten, in denen die Popkultur sich durch uniformierte Träger definiert, deren Inhalte den Träger individualisieren (Klingeltöne auf Handys, mp3s auf iPods, Handyschmuck an Handys), bedarf es einer Absicherung, dass ein Popstar als solcher auch noch eine private Identität hat. So leben Castigshows ja gerade aufgrund des Reizes, dass die Kandidaten zu Beginn der Behauptung, sie könnten es zum Popstar schaffen, es eben nicht sind, und dass sie ein Teil dieser Verheissung im Normalen in ihr Popstardasein mitnehmen - wie das zum Beispiel allen Unkenrufen, sie sei überheblich geworden, zum Trotz, Lena Meyer-Landrut gelungen ist.  Andere Stars wie zum Beispiel Robbie Williams leben unter auch davon, dass man weiss, dass der da oben stellvertretend für mich und Millionen anderer durch Himmel und Hölle gegangen ist und nun - unabhängig von der Banalität seines Singmaterials - davon berichten kann. Dem popthentischen Popstar steht einerseits das Heer gänzlich virtueller Klingeltonperformer wie dem bekloppten Frosch, Schnuffel oder dem ruppigen Schaf entgegen - und andererseits anonymisierte US-Popstars, die sich in reiner und realitätsferner Lifestyle-Inszenierung ergehen (beispielsweise Lil Wayne oder Rihanna). Die Popthentizität erscheint hierbei als Definitionsrahmen zweier völlig gegenläufiger Tendenzen im Pop: Ihr vollständiges Verschwinden und ihr Triumph. Der Moment, wo sich diese beide Kulturen von Pop diametral gegenüberstanden war im Mai 2005, als der bekloppte Frosch Coldplay von der Spitze der britischen Charts vertrieb. Die nach Popthentizität sehnsüchtigen Hörer verstanden die Welt nicht mehr.

Dass man für heutigen Pop ein Mass an Popthentizität benötigt, beweist nicht zuletzt das Scheitern des aktuellen Madonna Albums: Die auf den Oberflächen des Pop inszenierte Super-Woman ohne Alter und mit erotischer Verheissung nervt selbst Hardcorefans - hätte Madonna doch als berühmteste Frau des Planeten und alleinerziehende Mutter sicherlich Interessanteres zu erzählen als von Teenagerinnen, die sich vornehmen, crazy durch die Nacht zu tanzen.

Wir Helden sind dann mal weg

Auf ihrer Website, über Facebook verbreitet, hat die Band „Wir sind Helden“ eine Pause ihres Schaffens angekündigt. Ausformuliert ist dies in einer Weise, die sowohl die Interpretation zulässt, die Entscheidung sei definitiv, es bleibt aber eine Hintertür für eine Reunion auf, als auch, es ist eine temporäre Pause gemeint, die vielleicht auch für immer sein könnte. Die Band hinterlässt vier Alben und eine getreue Fangemeinde, die vor allem der Tatsache nachtrauert, keine Konzerte mehr ihrer Helden besuchen zu können - das übrigens zeichnet oder zeichnete diese Band vielleicht vor allem aus: Entgegen dem Trend im Indie- wie im Mainstream-Pop verliessen sie sich nicht nur auf ihre Live-Präsenz, ihre Alben waren mehr als nun Anlass aufzutreten. Jede Platte pflegte gleichzeitig den Klang der Band als solcher und entwickelte doch einen Alben-eigenen Sound. Man kann nun darüber streiten, wo das am Besten gelang - für mich krankte vor allem das dritte Album an einigen Symptomen einer typischer Weise zweiten Platte, weshalb ich viel zu spät erkannte, dass ihr vorerst letztes, viertes Album „Bring mich nach hause“ ihr bislang bestes war, während ich die ersten beiden abgöttisch und unkritisch liebte -, Tatsache ist und bleibt: Mit „Wir sind Helden“ verliert die deutschsprachige Pop-Szene eine vielfach schlecht kopierte, wunderbare Stimme, und man kann nur hoffen, dass diese vier Pop-Chaosforscher, die auf drei Städte verteilt leben, wahlweise ihre Entscheidung revidieren und irgendwann wieder zusammen musizieren oder eben ihren Plan verwirklichen und wieder zusammen finden. Wir sind Helden liefern den Stoff, aus dem wir, wenn wir Helden sein wollen, hören können, dass wir es nicht müssen.

Post-Blitz

Eine kurze Debatte ohne Tabelle von David Gieselmann und Dietmar Poppeling zur gestrigen dritten Show von „Unser Star für Baku“

Herr Poppeling, wir haben gestern zusammen „Unser Star für Baku“ gesehen, insofern haben wir schon ein paar Ideen ausgetauscht, aber für unsere Leser müssen wir nun ja irgendwo anfangen - daher also meine ganz banale Frage: Wir hat Ihnen die Show gestern gefallen?

Als Show alles in allem: Gut. Ich habe mich unterhalten gefühlt und einige gute Beiträge gesehen. Aber es muss nach all den Blitztabellendebatten nun auch einmal etwas gesagt werden, was hier noch gar nicht zur Sprache kam: Das Moderatorenpaar ist unfassbar öde. Steven Gätjen hat eine emotionale Emphase, die einem seine Arbeit verrichtenden Nadeldrucker gleich kommt, und Sandra Ries‘ Begabung, mit den KandidatInnen nach ihren Auftritten auf dem Weg zum Green Room ein spontanes Gespräch in Gang zu bringen, strebt mit wehenden Fahnen gegen Null Komma Null. Das führt dann dazu, dass jeder, der gerade gesungen hat, unfassbar uncharmant heraus komplimentiert wird - nach dem buchstäblich gestern gefallenen Motto: „Ab mit dir in den Green Room!“. So hat das Gätjen gesagt, und bei allem versuchten ironischen Unterton konnte man zwischen und also auch in den Zeilen hören: Der will die Leute, die nebem ihm stehen, möglichst schnell loswerden. Und das beruht dann wohl auf Gegenseitigkeit. Gätjen hat für Pro 7 auch schon oft am roten Teppich von den Oscars berichtet, da rasen dann immer die Hollywoodstars an ihm vorbei wie Formel1-Boliden, weil der so sackdämliche Fragen stellt. Da zeigt sich dann schon, was man an Mathias Opdenhövel hatte, der auch unfassbar ödes Einerlei zum Event hochmoderieren kann. Ich erinnere mich nur an das „Grosse Knall-, Roll- und Fall-Spektakel“, wo alles daneben ging und Opdenhövel ungerührt seine Witze machte.

Wo wir schon bei Themen sind, die von uns beiden bislang vernachlässigt wurden, sollten wir auch ein paar Worte zur der Jury verlieren.

Die gefällt mir eigentlich zunehmend besser. Letzte Woche ging mir Thomas D ein wenig auf die Nerven, der bei diesen Vorfilmen zu jedem Kandidaten immer wieder sagte, wenn die oder der sänge, sei da eine grosse Tiefe. D war gestern differenzierter, man merkt ihm seine emotionale Beteiligung an, und das finde ich gut. Alina Süggeler dann, deren Musik ich wirklich grottig finde, hat sich in ihrer zurückhaltenden aber dennoch klaren Art, Tips zu geben und das Gesehene und Gehörte zu bewerten, als Gewinn für die Show heraus gestellt, und Stefan Raab macht es auch nach wie vor gut, wenngleich er sich gestern in seinen Ausführungen zu Umut, er möge doch auch mal was Orientalisches und eben Türkisches singen, ein wenig verheddert hat. Wenn er noch 30 Sekunden weiter gequatscht hätte, wäre er womöglich in positivistischem  Rassismus geschlingert. Das muss einem Raab, der fast jeden Tag vor der Kamera steht, nicht passieren. Sie, Herr Gieselmann - oder vielmehr David - haben letzte Woche geäussert, sie fänden wechselnde Jurys wir vor zwei Jahren besser?

Das muss ich nach gestern auch eigentlich revidieren, ich finde Sie haben Recht, die Jury hat sozusagen ihre Mitte gefunden und trifft inzwischen einen guten Ton. Insbesondere Alina Süggeler hat sich gestern als geschickt darin heraus gestellt, die jeweiligen Auftritte mit denen vor ein oder zwei Wochen in Beziehung zu setzen - das könnte den KandidatInnen wirklich helfen, was sie so sagt. Dass ihre eigene Musik ziemlich dämlich ist, finde ich im Übrigen auch, aber darum geht es ja nun nicht. Sie macht das gut.

Dann also zu den gestrigen Auftritten.

Hier, muss ich sagen, war ich gestern eher positiv überrascht: Die meisten waren besser als bei ihren jeweils ersten Auftritten - mit Ausnahme der beiden Sängerinnen, Rachel und Leonie, die später dann auch ausgeschieden sind.

Harte Worte, Rachel ist doch eine tolle Sängerin.

Ja, aber Herr Poppeling -

- ihr gestriges Lied war wirklich öde, ohne wirkliche Höhepunkte, der Song von Corinne Bailey Rae “Like a star“ ist so eine Art von Soul-Ballade, die nie  die Intro-Farbe verliert und man irgendwann denkt: Wann geht es denn los? Die einzige Entwicklung, die in dem Lied steckt, ist, dass es dann zur zweiten Strophe eine Quart höher geht. Damit ist es dann schwer, als erste Sängerin etwas Erinnerbares auf die Bühne zu singen. Und Leonie Burgmer hat für meinen Geschmack gestern etwas zu sehr auf verrückte Nudel gesetzt. Ihre merkwürdige Art zu singen, hat vor zwei Wochen besser funktioniert. Da hat der Song auch immer wieder so Inseln gesetzt, in denen man dachte, die kann ja irgendwie auch, neben dem, dass sie merkwürdig singt, wirklich singen. Und Alina Süggeler hatte absolut Recht, als sie sagte, diese Verrückte-Nudel-Nummer hätte gestern inszeniert gewirkt.

Komplett einverstanden. Wer hat denn, werter Herr Poppeling, Ihnen gestern gefallen?

Mir ist aufgefallen, dass Sebastian Dey eigentlich der Einzige war, der wirklich einen bestimmten Popentwurf repräsentiert hat. Ich weiss noch nicht so ganz genau, ob der mir auch vorbehaltlos gefällt, aber er hat eben einen eigenen Song gesungen und war dann mit den Heavy Tones in einer Art deutschem Songwriting-Soul-Pop gelandet, der auf seine Art und Weise prächtig funktioniert. Es ist nicht ganz so meine Wiese, aber er hat keinen Karaoke-Auftritt gezeigt, er hat eine Popmusik vertreten, die er imstande ist, in die Tat umzusetzen. Wie fandest Du ihn?

Mir hat das auch gefallen, und in irgendeiner Form ist das dann auch eine deutsche Popmusik, die man so noch nicht gehört hat. Man fragt sich natürlich unweigerlich: Ist das mit Eurovision Songcontest kompatibel? Und soll man sich diese Frage stellen? Tatsache ist, dass er tatsächlich für eine Idee einsteht, wie man Pop machen kann, völlig richtig. In diesem objektiven Sinne war er der Beste.

Am besten gefallen hat mit dennoch Shelly mit „Fuck You“, weil das auch geformt war und sein Understatement hatte und eben schon auch für eine Musik einstand, die man so oder so finden kann. Man könnte höchstens sagen: Der Pop, der sich hier zeigt, ist dem einer Lena Meyer-Landrut nicht so irrsinnig fremd, aber auch hier stellt sich wieder die Frage, ob man diese Frage überhaupt stellen soll, denn ganz sicher macht Shelly nicht auf Lena, und man würde diesem Mädchen zusammen mit Thomas D durchaus mehr Mut zutrauen, nachher eine Platte zu machen, die dann auch ein wenig Ecken und Kanten hat und nicht so durchlässig schimmert wie der funktionale Easy-Listening-Pop von Lenas beiden Platten. Was sagen Sie zu Yana?

Sie hat mit „Roxanne“ sicherlich eine für eine 20-Jährige mutige Song-Wahl getroffen, zumal sie letzte Woche ja etwas völlig anderes gemacht hat - britischer Autorinnen-Blubberpop mit schmissigem Rap-Part; „Roxanne“, ganz nebenbei bemerkt, hat gestern auch zum ersten mal den „Heavy Tones“ deren Grenzen aufgezeigt: Ihr Versuch, Police zu spielen, hatte trotz gestochener Bläser den Charme einer Abi-Band. Diese Tom-Patterns von Stewart Copeland, dieses griffige Riff von Andy Summers mit diesen gegenläufigen Bass-Halb-Slaps von Sting - das kann einfach niemand so groovig wie die Originalbesetzung. Yana aber hat eine coole Rockröhre, sie hat das Lied spitze gesungen, da kann man wenig meckern.

Und Roman? Zu dem muss man wohl sagen: Da sind wir beiden, die Herren Gieseling und Poppelmann, nicht die potentiellen Kunden eines Jungen, der natürlich gut singen kann und wohl süss ist, der aber irgendwie auch gestern mit „Easy“ ein wenig den Rotz und Schmutz vermissen liess. Ich fand ihn öde, aber er muss wohl als Favorit gelten.

Er, Yana und Shelly.

Sie sagen es, Sie sagen es. Und im Übrigen, Herr Poppeling, ich weiss nicht, wie es Ihnen geht, aber ich habe mich nach einigem Hin und Her dazu entschlossen, das Album von Lana Del Rey heute NICHT zu kaufen.

Ich habe es schon, aber nicht gekauft. Sie brauchen es nicht, Herr Gieselmann, es ist nicht so gut, wie sich viele erhofften.

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Dietmar Poppeling, ehemals Pop-Beauftragter der Bundesregegierung, ist Pop-Produzent und -theoretiker und insbesondere bei Grand-Prix-Fragen gern gesehener Gesprächspartner hier im Popticker. Er ist bei Facebook zu finden und < hier > ist seine Diskografie.

Perlen im Datendschungel: Lianne La Havas "Age"

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich so gemacht habe.

Souljazz irgendwo zwischen britischem Autorinnenpop und Songwriting-Grandezza: Wunderbar! Bitte eine LP dieses Jahr!

Perlen im Datendschungel 24: Lianne La Havas "Age" (live, Later with Jools Holland, Dez 2011)

 

Popticker: Songs des Jahres 2011

 01 Jovanotti „Tutto L‘amore Che Ho“

Das 2011er Jovanotti-Album „Ora“ hat mit seinen Eurodanceanleihen und dem Synthiepop eher verstört, aber in dem Opener ist Jovanotti Pop in Perfektion gelungen: Ein variable Grundmelodie, eine geniale Songdramaturgie und ein spät aber prägnant einsetzender Dancebeat - irre!

 

02 Josh Ottum „Storms in Summertime“

Vielleicht ein verstörend banaler Song, in dessen kaum auffallende Breaks ich mich aber verliebt habe. Klasse zum Mitsingen.

 

 

 

 

03 Camille „Mars is no fun“

Camille bekommt hierfür auch den Preis für die schönste Aussprache eines ungewöhnlichen Songlyrikwortes: Brochure. Und ansonsten ist das hier ein Ohrwurm sondergleichen, der als gute Laune-Reservoir funktioniert.

 

 

04 Útidúr „Let‘s make room“

Der Zweistimmen-Lead-Vocal-Stil und die Bläser, Markenzeichen von Útidúr, sind hier prägnant auf den Punkt gebracht - ich liebe dieses Lied.

05 Lana Del Rey „Video Games“

Noch kann keiner so recht sagen, ob der Popentwurf von Lana Del Rey über den Hype dieses Songs hinaus Bestand hat, aber dem Sog des Binnenretro-Effektes der Videospiele kann man sich nicht entziehen

 

 

 

06 When Saints Go Machine „Add ends“

Ihr Album „Konkylie“ wirkt zeitweise doch etwas gewollt, aber mit „Add ends“ haben sie ihren artifiziellen, elegischen, elektrischen Popentwurf perfekt verdichtet.

 

 

 

07 Kate Bush „Snowed in at wheeler street“

Kate Bush und Elton John wollen sich nicht noch einmal verlieren und singen, als ginge es um ihr Leben.

08 Eleanor Friedberger „Glitter Gold Year“

Ein hochgradig merkwürdiger Beat, auf dem die eigentliche Ballade sitzt, wirft hier beständig die Frage auf, was das überhaupt für ein Lied ist.

 

 

 

09 Björk „Crystalline“

Als ob die Kristalle klirren ...

10 Emmy The Great „Dinosaur Sex“

Wenn man schon ein Lied über Sex schreibt, muss es aber auch um Dinosaurier gehen.

 

Zhivagodamarbletash

… ist eines von Kate Bushs 50 Wörter für Schnee

 Wenn auf einem Album nur sieben Lieder zu hören sind und die ersten drei davon über eine halbe Stunde dauern, stellt sich unweigerlich schon anhand der blanken Zahlen die Frage, ob es sich noch um ein Popalbum handelt. Die Popmusik hat ihre eigenen Normen hervor gebracht, deren Überschreitung wahlweise Genie, Wahnsinn oder eine Mischung aus beiden als Quelle zu haben scheint. Im Falle der neuen Platte von Kate Bush gesellt sich zu diesen beiden noch eine höchst selten Form eines kruden und charmanten Humors, der ebenso wie vieles andere auf dieser Platte immer auch am Kitsch kratzt, die Grenze zu ihm aber im Gegensatz zu der erwähnten der Popmusik nie überschreitet. Heraus kommt dabei ein Album, das in seiner kompletten Ignoranz sämtlicher heutiger Musik und deren Hipness, wie man es dreht und wendet, nur als ein weiteres Meisterwerk bezeichnet werden kann, dass ausser seiner Interpretin kein anderes Genre zu kennen scheint.

Die Platte „50 words for snow“ handelt, wie der Titel schon sagt, vom Schnee, versagt sich aber dem sonstigen Winter- und Popkitsch, der alljährlich im Fahrwasser von „Last Christmas“ die Charts verstopft auf so angenehme Weise, dass es einem, wenn man Kate Bush liebt, ein ums andere mal eine Träne in die Augen treiben kann. Das erste Lied handelt dann auch konsequenter Weise vom Herabfallen einer Schneeflocke, die teils selber zu Wort kommt. „I was born in a cloud“, singt diese Flocke, und wer nicht zuerst das Booklet liest, stolpert vielleicht schon über die Stimme der Flocke - es ist nicht die von Kate sondern die ihres Sohnes Albert Macintosh. Das zweite Lied handelt vom Schneien am Ufer eines Sees und der dritte Song von der Liebe zu einem Schneemann - man merkt schon an diesen Beschreibungen: Man kann über dieses Album kaum sprechen, weil man sich, wenn man von diesen Lieder erzählt, gleichzeitig sicher ist, dass diese Lieder entsetzlich bescheuert sein müssen. In Wirklichkeit aber versteckt sich in diesem Paradox die Grösse, die hinter dieser Platte steckt: Diese Lieder bestehen vor allem durch sich selbst und nicht darin, wie man über sie reden kann. Das, was in ihnen, so wie es erzählt wird, erzählt wird, lässt sich eben nur in diesen Songs so erzählen.

Gleiches liesse sich über das Titelstück sagen, indem die angeblich 50 Wörter, die Eskimos für Schnee haben, die aber nicht existieren, grösstenteils gesprochen werden - von Stephen Fry. Kate Bush nennt nur jeweils die Nummer und nach 6, 18 und 28 singt sie im Refrain über die verbleibende Anzahl der 50 Wörter. Getrieben wird das ganze von einem Schlagzeugbeat irgendwo zwischen Afropattern und Uptempo-Folk: Hier trommelt Steve Gadd, und die Tatsache, dass die Zahl 50 in dessen bislang grössten Hit auch schon eine Rolle spielte, wird von vielen nicht als Zufall gedeutet - er spielte nämlich den nicht unähnlich groovenden Beat für Paul Simons „50 ways to leave your lover“. Nun denn. (Es sei hier gleich zugegeben, dass nicht mir dies aufgefallen ist.) 

Dieses Album spannt subtile Fäden und Verbindungen zwischen seinen einzelnen Liedern, und wenn man es gehört hat, weiss man mehr über die Möglichkeiten von Pop und über das Leben, von dem Popmusik erzählen kann.

Den Star, den sie nicht rief, sie wird ihn endlich los

Britney Spears emanzipiert sich in aller Öffentlichkeit zum Menschen.

Hinweis: Heute wird Britney Spears 30 Jahre alt. Als Geburtstagsgruss präsentiert der Popticker, der seinerseits morgen 9 wird, hier den wohl wichtigsten Text über Britney, den er bislang geschrieben hat - aus dem Februar 2007

Rund um den Globus ist in der gelben Presse heute mal wieder ein Foto von Britney Spears zu sehen. Da steht sie offenbar vor den Toren der Entzugsklinik „Paradise“ in Malibu mit frisch kahl rasiertem Schädel, in Trainingsanzug und raucht eine Zigarette. Das Foto und die Ereignisse der letzten Woche wurden ebenso rund um den Globus in amerikanischer Prüderie als der Höhepunkt eines Absturzes von Britney gedeutet, die sich im Laufe von vier Wochen mehrfach betrunken, ihren inzwischen geschassten Freund angekotzt, sich eigenmächtig eine Glatze rasiert hat, und sich zwei Mal in eine Entzugsklinik eingewiesen und nach weniger als 24 Stunden wieder selber entlassen hat. Abgesehen davon, daß es in Amerika unter Stars mittlerweile zum guten schlechten Ton zu gehören scheint, sich in Entzugskliniken zu begeben, ist besagtes Foto von Britney möglicherweise das Erste von ihr, auf dem ein Mensch zu sehen ist: Sie sieht entspannt und befreit aus, nie zuvor hat man Britney so cool gesehen. Vielleicht ist also statt eines Vollabsturzes etwas ganz Anderes zu beobachten: Die Emanzipation und Spätpubertät eines amerikanischen Popstars, der keine Jugend hatte. Zudem muss man doch mal die Kirche im Dorf lassen: Britney geht auf Partys, trinkt, kotzt und rasiert sich den Schädel. Wenn ich ehrlich bin, habe ich all das auch gemacht, als ich 24 war, und ich bin mehr als froh darüber, daß es damals nicht in der Zeitung stand. Da mag nun der ein oder andere einwerfen, daß ich mit 24 auch keine zwei Kinder hatte, aber wer wären wir, wenn wir uns diesbezüglich zu Moralaposteln stilisierten?Britney ist sicher auch nicht die erste junge Mutter, die etwas chaotisch ist, ob sie deswegen auch gleich eine schlechte Mutter ist? – was geht’s uns an? Glaubt der Popticker außerdem nicht. In Wirklichkeit wäre mir als Kind die klinische Lolita-Britney, die antiseptisch lasziv durch mittelmäßige Lieder tanzt, als Mutter alle Mal gespentischer als die, die nun in Malibu abgelichtet wurde. Der Popticker hat nur einen Aufruf an Britney auszusenden: Mach ne neue Platte, Britney. Wahrscheinlich hast du zum ersten Mal wirklich was zu erzählen.

Letzte Woche: „Letzter Sommer“

Eleanor Friedbergers erstes  Solo-Album ist ein einziger Glücksfall

Wenn schon der langjährige Plattenverkäufer, der fast alle Neuerscheinungen des Popmarktes behämmert findet, mit einer Platte wedelt, begeistert ein Meisterwerk ausruft und einem keine andere Möglichkeit lässt, als die Platte ungehört zu kaufen, spricht das nicht nur für grosses Vertrauen in den Fachhändler, es ist in kleinem regionalem Rahmen auch eine kleine Popsensation: Das letzte Album, das erwähnter Händler mir uneingeschränkt empfohlen hatte, Belle & Sebastians „Life Pursuit“, liegt immerhin über fünf Jahre zurück. Letzte Woche also drückte er mir Eleanor Friedbergers „ Last Summer“ in die Hände. Eleanor und ihr Bruder Mathew sind die „Fiery Furnaces“, und dieses Indie-Rock-Duo kurvt seit fast elf Jahren auf ziemlich ungewöhnlichen Pfaden, ihre Songs und (meist Konzept-) Alben sind kryptische Popumwege von ungewöhnlicher Präsenz. Schon hier erweist sich die kaum zu fassende Stimme Eleanor Friedbergers Stimme als Element, das noch die experimentellste Idee zu einer melodischen Einheit bindet. Ihr sprechhafter und immer fast erzählender Tonfall zwingt selbst in der Indie-Disko beim Tanzen zum Zuhören, und wenn sie, wie nun auf dem ersten Solo-Album, auch noch die Songs selber schreibt, entwickelt sich in den weitaus zugänglicheren Stücken ein Sog, dem man sich kaum entziehen kann. Die Kunst, Texte zu schreiben, die beim Lesen keine erkennbaren melodischen oder rhythmischen Strukturen zu haben scheinen, sich aber in der eigenen Singstimme zu Songs formen lassen, erinnert in der erzählenden Virtuosität an die Songwriting-Meisterschaft von Paul Simon. In Kombination mit dem sich aus allen möglichen Musikrichtungen Einzelteile zusammen sammelnden Bandpop ergeben die genau 10 Songs in 40 Minuten ein grossartiges Album von berückender Präsenz und einzigartigem Zuhörerlebnis.

 

"January Songs" ...

... das Album, das höchstwahrscheinlich Platte des Jahres im Popticker wird, ist an für sich noch gar nicht "physikalisch" erschienen - das wird sich jetzt ändern:  Was für ein Glück!

Film about January Songs Cover Art from Darren Hayman on Vimeo.