popticker

You keep singing it

Esperanza Spalding versöhnt zwei Stile, die sonst nicht oft zueinander finden

Irgendwie haben Pop und Jazz Probleme miteinander. Es gibt zwar den Genrebegriff des Jazzpop, aber es dürfte mehr Menschen geben, die diese Bezeichnung eher als Beleidigung ansehen - als einen ernstzunehmenden Musikstil. Selbst der begnadete Pianist und Entertainer Jamie Cullum hat Probleme von Jazz-Puristen anerkannt zu werden, (und die wahrscheinlich als Verrat ansehen dürften, wenn Cullums Komposition „Standing Still“ nun mit Roman Lob als Interpreten zum Eurovision Songcontest antritt), und Norah Jones, die, das sei des thematischen Doppel-Links wegen erwähnt, gestern einen recht lustigen Auftritt bei Stefan Raabs „TV total“ hatte, diese Norah also gilt unter Pop-Fans wie Jazzern eher als Warmduscherin - auch wenn sie 30 Millionen Platten verkauft hat.

Nun hat die Komponistin, Vokalistin und Bassistin Esperanza Spalding ein Album eingespielt, das mit seinem programmatischen Titel „Radio Music Society“ fast schon als Vermittlungsausschuss zwischen Pop und Jazz in Albumform gelten kann und auch Hörer aus beiden Lagern finden dürfte. Man könnte fast sagen, Spalding benutzt die musikalischen Strukturen des Jazz, um auf den Oberflächen eines funktionalen Popsongs subtile Komplexität zu erzeugen. Ihre Lieder gleiten zunächst widerstandslos durch die Boxen, evozieren dann aber immer wieder den Effekt der staunenden Nachfrage, wie um alles in der Welt sie singt, um im selben Moment auf dem Bass komplett gegenläufige Rhythmen und Melodien zu zupfen - ihre Musik spielt sie offenbar grundsätzlich so ein, dass sie Bass und Stimme in einem Take aufnimmt. (Ein ähnlichen Effekt habe ich übrigens, wenn ich Lianne La Havas höre, die freilich nicht Bass spielt - sondern Gitarre) - in jedem Falle erzeugen Esperanza Spaldings neue Lieder einen inneren Sog der Unwiderstehlichkeit, den sie im gewissen Sinne im Fast-Titel-Lied „Radio Song“ selber besingt: „This song‘s the one - even though you never heard it you keep singing it along“ beschreibt den Pop-Effekt des Wieder-Erkennens vom etwas, das man noch gar nicht kennt fast schon wortwörtlich. Der Song stolpert mit seinem verschleppten Pattern-Beat durch zwei B-Teile, dezent variierten Refrains und Strophen, und erzeugt einen Lächeln auf des Hörers Lippen - worauf auch das Video beruht, das man neben 11 weiteren Kurzfilmen mit der Deluxe-Version dieses Album auf DVD bekommen kann.

Die Stilsicherheit des Spaldingschen Soul-Jazz-Pop-Funks ist unerreicht, ihr Bass-Spiel ist von zieseliger Virtuosität, ihre Stimme ist von drängender Wärme und Schönheit, bekannte Songstrukturen treffen auf plötzliche 7/4-Takte, merkwürdige Posaunen-Soli oder treffsichere Hammond-Flächen - das Album ist ein Glücksfall, und es adelt den Musikgeschmack des amerikanischen Präsidenten: Barack Obama ist wie ich Fan von dieser Dame mit der gigantischen Kugel-Frisur.

------------------------------------

Auf Esperaza Spaldings Website kann man in das aktuelle Album mehr als reinhören, Lianne La Havas hingegen verschenkt derzeit eine Live-EP (Link via tonspion)

Kairostacheles

Ein neues Album von MIA.

Dass Bands Pop musizieren, ist letztlich eine Idee der 80er. Gerade weil in dieser Ära zunächst eine strikte Trennung zu herrschen schien - Rock von Bands, Pop von SolointerpretInnen -, fingen plötzlich Bands an, das Kollektive des Rock mit der verheissungsvollen Oberfläche des perfekten Popsongs zu fusionieren. Formationen wie Blow Monkeys, Aztec Camera, Prefab Sprout oder Cutting Crew, um nur einige zu nennen, verwoben den Revoluzzer-Gestus der Gitarre mit blubbernden Synthies und catchy Melodien, und irgendwo dazwischen werkelten Duos an ähnlichen Ideen: Eurythmics, Erasure, Pet Shop Boys - ob Duo oder Band: Es stand immer der Popentwurf im Vordergrund, der Song, der Sound, der Klang - nicht die Frontsängerin oder der Frontsänger. Das wiederum heute auch noch Pop von Bands musiziert wird, ist fast schon der Trend der Stunde: Hot Chip, Metronomy, Miike Snow, um erneut nur einige zu nennen, sind heutige Bands, denen die Suche nach dem perfekten Popsong schon einige Hits eingebracht hat. Um so merkwürdiger, dass man Mia., die eigentlich denselben genetischen Popcode zu haben scheinen, nicht zu würdigen weiss: Seit nunmehr 15 Jahren und 5 Alben werkeln Mieze und ihre Mitstreiter am Bandpopsound mit deutschen Texten, und auch ihnen ist die Suche nach Verdichtung ihres Popentwurfs auf diesen einen catchy Moment schon ein ums andere mal mit dem ein oder anderen Hit geglückt: „Hungriges Herz“, „Tanz der Moleküle“ und jetzt eben "Fallschirm" - in diesen Liedern ist Bandsound und Pop untrennbar miteinander verbunden, und in diesem Popentwurf sind MIA. schlicht und ergreifend einzigartig in der deutschen Poplandschaft.

Das neue Album heisst „Tacheles“, und obgleich MIA. eine dreijährige Auszeit genommen haben, haben sie am grundlegenden Konzept nicht viel verändert. Die Idee allerdings, dass ständig bewehrte Konzepte über den Haufen geworfen werden müssen, ist noch nicht einmal in der Hochkultur mehr weit verbreitet - geschweige denn in der Popmusik. Man kann es eben auch umgekehrt sagen: Was MIA. wollen, das beherrschen sie perfekt und bis in die Fingerspitzen. Das grundlegende Problem an dem, was sie machen, liegt vielleicht eher darin, dass sie sich dem Kairos, diesem einem gebündelten Euphorieschub in Musik gegossen, so verschrieben haben, dass bei vielen Mia-Liedern hintereinander weg gehört, sich die Bereitschaft auf die scheinbare Oberfläche einzulassen, ein wenig nachlässt - anders gesagt: Sie sind halt eine Single- und Live-Band und weniger eine Alben-Band. Aber wer will ihnen das verübeln.

So sehr man nämlich sagen kann, dass MIA. ihren Stil kaum verändert haben, so sehr ist es doch auch verblüffend, wie gekonnt sie ihn variieren und wie virtuos sie die Feinstellschrauben des MIA.schen Popsystems verdrehen, so dass ohne grundsätzlich neue Zutaten wieder andere Songrezepte entstehen. "Am Tag danach" zum Beispiel verschwurbelt tiefen Synthiebass mit trockenem Klavier und anfangs eintönigem Singsang, bevor es dann chorisch gesungen in einen Diskostampfer einbiegt. "Brüchiges Eis" verstopft sich selber in  einen Sprechgesang, bevor es zur kitschigen Klavierballade wird. Der Opener "Sturm" kommt als fast schon unmiasche Gitarren-Uptempo-Nummer daher und klingt überraschend wütend - so lange also solche Songs entstehen, kann diese Band von mir aus gerne einfach so weiter machen.

Warmduschen mit gefährlicher Maus

Norah Jones nimmt glückliche Pillen

Vor ziemlich genau zehn Jahren erschien das Debut-Album von Norah Jones „Come away with me“. Ihr Label, Blue Note, hoffte insgeheim auf ein Überraschungserfolg von etwa 300.000 verkauften Platten. Stand heute wurde das Album 20 Millionen mal verkauft: Die seichte Mischung aus Jazz, Folk, Country und Pop in Kombination mit Jones‘ einprägsamer, leisen und gleichzeitig unglaublich vollen Stimme traf einen Nerv, das Album wurde zur Konsensplatte - trug ihr aber auch den nachhaltigen Ruf ein, von dem Erfolgsrezept fortan nicht mehr abzuweichen und sich als Warmduschjazzerin zu ergehen. Dieser Back-Clash lenkte von der Tatsache ab, dass sich in Jones‘ Musik durchaus die Prioritäten verschoben. So etablierte sich die Sängerin und Keyboarderin als zuverlässige Duettpartnerin in unterschiedlichsten Musik-Genres - das Album „… featuring Norah Jones“ gibt hier einen hörenswerten Überblick -, während sie mit ihrer Band zusammen den Grundsound ihrer Musik mehr in Richtung Folk bugsierte und zunehmend einen Klang einwob, der seine Melodien aus den 70ern und wiedererkennbaren Flower-Power-Harmonien zu holen schien. Das letzte Album „The Fall“ war insgesamt zeitgemässer als Norah Jones Ruf. Im letzten Jahr erschien mit dem Pseudo-Italo-Western-Soundtrack „Rome“ von Daniele Lupi, Danger Mouse, ihr und Jack White eine Platte, bei der Jones erstmalig die Bravheit ablegte, die viele an ihr langweilig finden. Und Pop-Superhirn Danger Mouse ist es nun auch, der Norah Jones‘ am ersten Mai erscheinendes Album produziert hat - das lässt dann schon aufhorchen. Die soeben erschienene erste Single „happy pills“ allerdings lässt nun nicht gerade darauf schliessen, dass Jones einen kompletten musikalischen Wandel vollzogen hat: Der Uptempo-Song plätschert in jenem lapidaren Folkjazzgewand durch die Boxen, den nie zu verlassen ihr gerade unterstellt wird. Da Norah Jones aber sicherlich keine Single-Künstlerin ist, sondern sich ihr Pop-Entwurf in seinen leichten Variationen erst mit einem ganzen Album erschliesst, muss man auf exakt dieses Album, „… little broken hearts“ betitelt, erst einmal warten, um sich ein Bild zu machen. Vorerst bleibt zu sagen: „Happy Pills kann man auch wieder öde finden - ich mag‘s trotzdem.

Perlen im Datendschungel: Lianne La Havas "Age"

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich so gemacht habe.

Souljazz irgendwo zwischen britischem Autorinnenpop und Songwriting-Grandezza: Wunderbar! Bitte eine LP dieses Jahr!

Perlen im Datendschungel 24: Lianne La Havas "Age" (live, Later with Jools Holland, Dez 2011)

 

Perlen im Datendschungel: Ariana Delawari "Heart breaks, Love waits"

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Bei Ariana Delawari weiss man eigentlich nie so genau, was einen erwartet: Kennen gelernt habe ich sie mit einem David Bowie-Cover, Ihre wunderbare Platte "Lion of Banjshir" war dann aber so ganz und gar nicht elektronisch wie ihr Ziggy Stardust" - sondern ein Album irgendwo zwischen San Franciso und Afghanistan, was Melodien, Instrumente und Attitüde anbelangt. Und jetzt das hier: Fein, still, pur, ein Liebeslied.

Perlen im Datendschungel 23: Aria Delawari (live, unplugged, im Studio) "Heart breaks, Love waits"

Die Medaillenhoffnung

Anfütterung des Albuminteresses an und seitens Lana Del Rey

Wenn am 27. Januar das Album von Lana Del Rey erscheint, dürfte es interessant sein, das Hype-Timing dieser Veröffentlichung einmal genauer unter die Lupe zu nehmen: Die Marketingmaschinerie dieses auf globalen Erfolg gemünzten Instant-Popstars funktioniert über eine an sich befremdliche Veröffentlichungsreihenfolge, die letzten Endes darauf hinaus läuft, den Hype auf den Punkt auszutrainieren wie eine Medaillenhoffnung bei einer Olympiade. Dem lapidar-viralen YouTubeVorspiel folgte eine Anfütterung des geweckten Interesses mit einigen wenigen Konzerten, Interviews und Artikeln, dem nun ein neues Video folgt, welches wiederum offensichtlich nicht die neue Single - sondern den Titeltrack des Albums bebildert: „Born To Die“. Darin sitzt Lana Del Rey zunächst umrahmt von zwei Tigern in einer Kirche bevor sie in den Wagen eines jungen Mannes steigt, der vor einem Schloss steht; später Kuss- und Bettszenen zu einem pathostrunkenem Track, welcher im ziemlichen Gegensatz zum desinteressierten Gehauche Del Reys Gesangs steht.

Interessanter ist da schon der Titel, der nun auch käuflich zu erwerben ist - ohne Bilder. „Off The Races“ ist ein astreiner Elektropopsong, an dem der lanasche Gesangsstil eleganter und ohne alle Retro-Anleihen entlang schlendert, und der dem Synthie- und Streicher-Schwulst von „Born To Die“ oder „Video Games“ weniger Stellenwert einräumt bzw. ihn weiter im Hintergrund und damit subtiler einsetzt. Spätestens mit diesem neuen catchy Uptempo-Song muss man all die Parallelen zu Nancy Sinatra, oder wer nicht sonst noch so alles genannt wurde, noch mal überdenken: Lana Del Rey ist heutiger, als sie sich zunächst gab, und möglicherweise ist das in diesem Monat erscheinende Album einfach nur astreiner, zeitgemässer Autorinnenpop mit Generalstabshypetiming.

Popticker: Songs des Jahres 2011

 01 Jovanotti „Tutto L‘amore Che Ho“

Das 2011er Jovanotti-Album „Ora“ hat mit seinen Eurodanceanleihen und dem Synthiepop eher verstört, aber in dem Opener ist Jovanotti Pop in Perfektion gelungen: Ein variable Grundmelodie, eine geniale Songdramaturgie und ein spät aber prägnant einsetzender Dancebeat - irre!

 

02 Josh Ottum „Storms in Summertime“

Vielleicht ein verstörend banaler Song, in dessen kaum auffallende Breaks ich mich aber verliebt habe. Klasse zum Mitsingen.

 

 

 

 

03 Camille „Mars is no fun“

Camille bekommt hierfür auch den Preis für die schönste Aussprache eines ungewöhnlichen Songlyrikwortes: Brochure. Und ansonsten ist das hier ein Ohrwurm sondergleichen, der als gute Laune-Reservoir funktioniert.

 

 

04 Útidúr „Let‘s make room“

Der Zweistimmen-Lead-Vocal-Stil und die Bläser, Markenzeichen von Útidúr, sind hier prägnant auf den Punkt gebracht - ich liebe dieses Lied.

05 Lana Del Rey „Video Games“

Noch kann keiner so recht sagen, ob der Popentwurf von Lana Del Rey über den Hype dieses Songs hinaus Bestand hat, aber dem Sog des Binnenretro-Effektes der Videospiele kann man sich nicht entziehen

 

 

 

06 When Saints Go Machine „Add ends“

Ihr Album „Konkylie“ wirkt zeitweise doch etwas gewollt, aber mit „Add ends“ haben sie ihren artifiziellen, elegischen, elektrischen Popentwurf perfekt verdichtet.

 

 

 

07 Kate Bush „Snowed in at wheeler street“

Kate Bush und Elton John wollen sich nicht noch einmal verlieren und singen, als ginge es um ihr Leben.

08 Eleanor Friedberger „Glitter Gold Year“

Ein hochgradig merkwürdiger Beat, auf dem die eigentliche Ballade sitzt, wirft hier beständig die Frage auf, was das überhaupt für ein Lied ist.

 

 

 

09 Björk „Crystalline“

Als ob die Kristalle klirren ...

10 Emmy The Great „Dinosaur Sex“

Wenn man schon ein Lied über Sex schreibt, muss es aber auch um Dinosaurier gehen.

 

Popticker: Platten des Jahres 2011

01 Camille „Ilo Veyou“

Camille hat für ihren neusten Streich wieder Instrumente zu ihrer Vokalakrobatik addiert. Heraus kam eine Liebeserklärung an die Musik voller ungehörter Melodien und von erhabener Schönheit.

 

 

02 Darren Hayman „January Songs“

Im Januar 2011 hat Darren Hayman jeden Tag einen Song geschrieben, komponiert, aufgenommen und veröffentlicht. Selten hat man einen schöneren Einblick in das Schaffen eines Songbesessenen bekommen als hier bei dem völlig zu Unrecht relativ unbekannten britischen Songwriter.

 

03 Kate Bush „50 words for snow“

Kate Bush trotzt jeder Hipness und behält bei einem Konzept, das leicht in Kitsch und Blödsinn hätte abdriften können den Überblick, um einmal wieder Pop neu zu erfinden.

 

 

04 Eleanor Friedberger „Last Summer“

Mit leichten Störfeuern in Fiery-Furnaces-Manier erschafft sich Eleanor Friedberger eine Basis für prosaische Lieder, die von ihrer Stimme getragen werden.

 

 

05 Clueso „ An und für sich“

Clueso hat seinem Bandpop eine Dosis Elektropop verschafft und auf dem bisherigen Höhepunkt seiner Songschreibkünste eine Platte gemacht, die es verdient hätte als das wahrgenommen zu werden, was sie ist: Das Meisterwerk eines wunderbaren Sängers.

 

06 Josh Ottum „Watch TV“

Josh Ottum macht alles selbst und tüftelt um seine famosen Melodien merkwürdoíge Breaks, deren Absurditäten in der Schönheit kaum auffallen.

 

 

07 Björk „Biophilia“

Björk ist Björk.

 

 

 

08 Daniele Lupi & Danger Mouse „Rome“

Der von Norah Jones und Jack White besungene Pseudosoundtrack eines nicht existierenden Italowesterns beweist, dass auch das abwegigste Popkonzept wunderbar sein kann, wenn man es ernst nimmt.

 

 

09 Útidúr „This Mess We‘ve Made“

Folkpop einer der vielen vielköpfigen Bands Islands, Sonderliche Texte und tolle Arrangements.

 

 

 

10 Emmy The Great „The Virtue“

Autorinnenpop aus England, der die fehlende Frechheit mit nachdenklicher Traurigkeit ersetzt. Kaum einer hat 2011 bessere Lieder geschrieben als Emmy The Great.

 

Zhivagodamarbletash

… ist eines von Kate Bushs 50 Wörter für Schnee

 Wenn auf einem Album nur sieben Lieder zu hören sind und die ersten drei davon über eine halbe Stunde dauern, stellt sich unweigerlich schon anhand der blanken Zahlen die Frage, ob es sich noch um ein Popalbum handelt. Die Popmusik hat ihre eigenen Normen hervor gebracht, deren Überschreitung wahlweise Genie, Wahnsinn oder eine Mischung aus beiden als Quelle zu haben scheint. Im Falle der neuen Platte von Kate Bush gesellt sich zu diesen beiden noch eine höchst selten Form eines kruden und charmanten Humors, der ebenso wie vieles andere auf dieser Platte immer auch am Kitsch kratzt, die Grenze zu ihm aber im Gegensatz zu der erwähnten der Popmusik nie überschreitet. Heraus kommt dabei ein Album, das in seiner kompletten Ignoranz sämtlicher heutiger Musik und deren Hipness, wie man es dreht und wendet, nur als ein weiteres Meisterwerk bezeichnet werden kann, dass ausser seiner Interpretin kein anderes Genre zu kennen scheint.

Die Platte „50 words for snow“ handelt, wie der Titel schon sagt, vom Schnee, versagt sich aber dem sonstigen Winter- und Popkitsch, der alljährlich im Fahrwasser von „Last Christmas“ die Charts verstopft auf so angenehme Weise, dass es einem, wenn man Kate Bush liebt, ein ums andere mal eine Träne in die Augen treiben kann. Das erste Lied handelt dann auch konsequenter Weise vom Herabfallen einer Schneeflocke, die teils selber zu Wort kommt. „I was born in a cloud“, singt diese Flocke, und wer nicht zuerst das Booklet liest, stolpert vielleicht schon über die Stimme der Flocke - es ist nicht die von Kate sondern die ihres Sohnes Albert Macintosh. Das zweite Lied handelt vom Schneien am Ufer eines Sees und der dritte Song von der Liebe zu einem Schneemann - man merkt schon an diesen Beschreibungen: Man kann über dieses Album kaum sprechen, weil man sich, wenn man von diesen Lieder erzählt, gleichzeitig sicher ist, dass diese Lieder entsetzlich bescheuert sein müssen. In Wirklichkeit aber versteckt sich in diesem Paradox die Grösse, die hinter dieser Platte steckt: Diese Lieder bestehen vor allem durch sich selbst und nicht darin, wie man über sie reden kann. Das, was in ihnen, so wie es erzählt wird, erzählt wird, lässt sich eben nur in diesen Songs so erzählen.

Gleiches liesse sich über das Titelstück sagen, indem die angeblich 50 Wörter, die Eskimos für Schnee haben, die aber nicht existieren, grösstenteils gesprochen werden - von Stephen Fry. Kate Bush nennt nur jeweils die Nummer und nach 6, 18 und 28 singt sie im Refrain über die verbleibende Anzahl der 50 Wörter. Getrieben wird das ganze von einem Schlagzeugbeat irgendwo zwischen Afropattern und Uptempo-Folk: Hier trommelt Steve Gadd, und die Tatsache, dass die Zahl 50 in dessen bislang grössten Hit auch schon eine Rolle spielte, wird von vielen nicht als Zufall gedeutet - er spielte nämlich den nicht unähnlich groovenden Beat für Paul Simons „50 ways to leave your lover“. Nun denn. (Es sei hier gleich zugegeben, dass nicht mir dies aufgefallen ist.) 

Dieses Album spannt subtile Fäden und Verbindungen zwischen seinen einzelnen Liedern, und wenn man es gehört hat, weiss man mehr über die Möglichkeiten von Pop und über das Leben, von dem Popmusik erzählen kann.

Der einsame Mann und der Sex von Dinosauriern

Sóley und Emmy The Great ringen einer Art europäischem Folk überraschende Aspekte ab

Was genau unter „Folk“ heute zu verstehen ist, kann kaum in einem Text vernünftiger Länge zusammen gefasst werden. Grundsätzlich könnte man sich wohl drauf einlassen, dass unter dem Begriff „verschiedene Stilrichtungen nordamerikanischer geprägter Populärmusik“ bezeichnet werden, wie es auf Wikipedia formuliert wird. Aus den USA kommen in den letzten Jahren so viele verschiedene Formationen, die sich mit Folk identifizieren, oder denen man als Hörer Folk unterstellen könnte, dass sich das Genre ähnlich anderer populärmusikalischer Stile in verschiedenste Sub-Genres zersplittet hat, die kaum noch zu überschauen sind. Immerhin haben sie den Begriff so durchlässig gemacht, dass man heute getrost auch von europäischen Folk sprechen kann, wenn sich europäische MuiskerInnen unter der Schwelle des Indierock an Popmusik abarbeiten, in dessen Zentrum jenseits des für Popmusik immer auch essentiellen Gebrauchswertes das Lied, der Song steht, und die sich dennoch mit Folk eher identifizieren als mit der Singer- und Songwriter-Schublade. Entsprechende Formationen verdienen - vergleichbar mit der Marktstruktur im Mainstreampop - mit Konzertreisen durch mittelgrossen Hallen mehr Geld als mit Plattenverkäufen. Diese Tatsache hat vielen MusikerInnen die Tür zum Popmagazinen und Feuilletons geöffnet, zwei Sängerinnen, über man dies sagen kann, seien heute kurz vorgestellt.

Sóley kommt aus Island und hat mit ihrer Band „Seabear“ auch jenseits von Reykjavik Aufmerksamkeit erregt. Nun ist vor kurzem ihr erstes Solo-Album erschienen, das ich mir in einer sehr hübschen 3-seitigen Vinylausgabe gekauft habe - die vierte Seite ist nicht mit Musikrillen sondern mit Bildern beritzt. Es ist dies extrem stille, getragene Musik von fast einlullender Zerbrechlichkeit, deren Kitsch durch merkwürdige Soundeffekte immer in letzter Sekunde verhindert wird. Hier ein Kratzen, dort ein Beat, der auf dem Tisch geklopft wird, dann wieder komische Instrumente, die man nicht einordnen kann. Vibratofrei singt Sóley in recht typischem Islandenglisch von alten Männern, die in der isländischen Steppe in Einsamkeit leben, von regnenden Vögeln oder von einer mystischen Theater-Insel. Ihre merkwürdigen Sprachbilder, die Naturmetaphern und symbolträchtigen Situationen verbinden sich mit dem Wohnzimmer-Folk nach vier bis fünf Liedern zu einem einheitlichem Ganzen, und man beginnt in Musik und Texte genauer hineinzuhorchen. Eine ideale Platte zum Zugfahren und aus dem Fenster schauen.

Emmy The Great wiederum kommt aus England und hat mit ihrem vor einigen Wochen erschienenen erstem Album auf der Insel teils hymnische Kritiken bekommen. Ihre Musik driftet in klareren Genre-Gefilden als der doch sehr eigensinnige Entwurf von Sóley, Emmy kokettiert mit Country und Pop und verlässt sich auf ihre präsente Stimme in der Mitte eines Hippie-Pop-Folks, auf bestechende Melodien und versierte Songdramaturgien. Ihre Platte ist deutlich hörbar nicht im Wohnzimmer sondern im Studio aufgenommen, die Instrumente perlen glasklar, und Emmy The Greats Songwriting spekuliert über den Sex von Dinosauriern, erzählt das Leben von „Iris“ oder „Sylvia“ in leicht metaphorischen Realismus, wie man das irgendwie wirklich nur in England kann und findet so zu einer intimen, augenzwinkernden Traurigkeit. Eine Platte, die mit ihrer Virtuosität nicht hausieren geht, die sich aber ins Ohr frisst wie ein Parasit, den man nach einigem Zögern willkommen heisst.

 

__________________________________________________________________

Sóley " we sink" - Artist-Page bei Morrmusic < hier >

Emmy The Great ("Virtue") Homepage < hier >