popticker

You keep singing it

Esperanza Spalding versöhnt zwei Stile, die sonst nicht oft zueinander finden

Irgendwie haben Pop und Jazz Probleme miteinander. Es gibt zwar den Genrebegriff des Jazzpop, aber es dürfte mehr Menschen geben, die diese Bezeichnung eher als Beleidigung ansehen - als einen ernstzunehmenden Musikstil. Selbst der begnadete Pianist und Entertainer Jamie Cullum hat Probleme von Jazz-Puristen anerkannt zu werden, (und die wahrscheinlich als Verrat ansehen dürften, wenn Cullums Komposition „Standing Still“ nun mit Roman Lob als Interpreten zum Eurovision Songcontest antritt), und Norah Jones, die, das sei des thematischen Doppel-Links wegen erwähnt, gestern einen recht lustigen Auftritt bei Stefan Raabs „TV total“ hatte, diese Norah also gilt unter Pop-Fans wie Jazzern eher als Warmduscherin - auch wenn sie 30 Millionen Platten verkauft hat.

Nun hat die Komponistin, Vokalistin und Bassistin Esperanza Spalding ein Album eingespielt, das mit seinem programmatischen Titel „Radio Music Society“ fast schon als Vermittlungsausschuss zwischen Pop und Jazz in Albumform gelten kann und auch Hörer aus beiden Lagern finden dürfte. Man könnte fast sagen, Spalding benutzt die musikalischen Strukturen des Jazz, um auf den Oberflächen eines funktionalen Popsongs subtile Komplexität zu erzeugen. Ihre Lieder gleiten zunächst widerstandslos durch die Boxen, evozieren dann aber immer wieder den Effekt der staunenden Nachfrage, wie um alles in der Welt sie singt, um im selben Moment auf dem Bass komplett gegenläufige Rhythmen und Melodien zu zupfen - ihre Musik spielt sie offenbar grundsätzlich so ein, dass sie Bass und Stimme in einem Take aufnimmt. (Ein ähnlichen Effekt habe ich übrigens, wenn ich Lianne La Havas höre, die freilich nicht Bass spielt - sondern Gitarre) - in jedem Falle erzeugen Esperanza Spaldings neue Lieder einen inneren Sog der Unwiderstehlichkeit, den sie im gewissen Sinne im Fast-Titel-Lied „Radio Song“ selber besingt: „This song‘s the one - even though you never heard it you keep singing it along“ beschreibt den Pop-Effekt des Wieder-Erkennens vom etwas, das man noch gar nicht kennt fast schon wortwörtlich. Der Song stolpert mit seinem verschleppten Pattern-Beat durch zwei B-Teile, dezent variierten Refrains und Strophen, und erzeugt einen Lächeln auf des Hörers Lippen - worauf auch das Video beruht, das man neben 11 weiteren Kurzfilmen mit der Deluxe-Version dieses Album auf DVD bekommen kann.

Die Stilsicherheit des Spaldingschen Soul-Jazz-Pop-Funks ist unerreicht, ihr Bass-Spiel ist von zieseliger Virtuosität, ihre Stimme ist von drängender Wärme und Schönheit, bekannte Songstrukturen treffen auf plötzliche 7/4-Takte, merkwürdige Posaunen-Soli oder treffsichere Hammond-Flächen - das Album ist ein Glücksfall, und es adelt den Musikgeschmack des amerikanischen Präsidenten: Barack Obama ist wie ich Fan von dieser Dame mit der gigantischen Kugel-Frisur.

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Auf Esperaza Spaldings Website kann man in das aktuelle Album mehr als reinhören, Lianne La Havas hingegen verschenkt derzeit eine Live-EP (Link via tonspion)

Perlen im Datendschungel: Brett Domino Trio

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Die post-strukturellen Pop-Hit-Dekonstruktionen des Duos "Brett Domino Trio" sind dem ein oder anderen vielleicht schon auf dem viralen Wege untergekommen: Mit ihren Synthesizern und britischem Nicht-Gesinge wirken sie dilettantisch, um im nächsten Moment als Virtuosen der Schnittkunst wieder durch die Po-Hintertür zu kommen: Alles, was sie scheinbar auseinander nehmen, setzen sie wieder neu und auf das, was es vorher war erhellend, zusammen. Ihr bislang grösstes Werk ist dieses Justin Timberlake-Medley.

Perlen im Datendschungel 28: Brett Domino Trio "Justin Timberlake Medley"

 

Der Treppenwitz

Zweite Single und zweites Video von Madonnas neuem Album

Madonnas neues Album, „MDNA“ betitelt, hat nach der völlig gefloppten ersten Single ein zweites Lied auf den Popmarkt einer Ära geschleudert, in der Wert und Bedeutung der Single als solcher faktisch komplett erodiert sind. Der Song heisst „Girl gone wild“, und ein Lied mit diesem Titel könnte getrost auch von Rihanna, Robyn, Lady Gaga, Britney Spears oder Christina Aguilera sein. Schon an diesem Umstand kann man ablesen: Ohne Madonna könnte es all die Genannten, die ihr Lied wie das von Madonna nennen könnten, gar nicht geben. Umgekehrt ist es natürlich auch so: Eine Madonna ohne die Genannten kann es auch nicht mehr geben. In dritter Ableitung heisst das eben auch: Madonna kann es ohne die ganze Madonna zuvor auch nicht mehr geben. Das führt dann zurück zu dem neuen Song, der vor allen mit seinem Video einem Zitatenreigen unterworfen ist, der seinesgleichen sucht: Der in schwarz / weiss gehaltene Clip wirkt wie ein Sequel zu ihrem bahnbrechenden „Vogue“-Video, der Song bounced irgendwo zwischen völlig billigem Europop und pseudo-aktuellem Dubstep, und man fragt sich also unweigerlich, ob man heute noch Pop machen kann, ohne Madonna zu zitieren und im Speziellen, ob Madonna noch Pop machen kann, ohne Madonna zu zitieren. Die Antwort ist natürlich und wie gesagt: Nein, geht nicht. Nun könnte man sowieso einwenden: Die Frau ist 54, warum hüpft sie immer noch in Reizwäsche durch ein Musikfernsehen, das es nicht mehr gibt, aber das ist vielleicht gar nicht der Punkt. Wenn sie ästhetisch so sehr „Vogue“ zitiert, muss sich sie eben auch an „Vogue“ messen, und so sehr man also die Art und Weise, wie diese Frau ihr Alter verneint, bescheuert finden kann, so sehr muss mal vor allem erst einmal konstatieren: „Vogue“ ist sogar noch nach 20 Jahren mehr der heutigen Zeit voraus, als es „Girl gone wild“ ist. Der Song bricht unter dem Bombast oder der Bürde von Madonnas Lebenswerk zu einem Treppenwitz der Popgeschichte zusammen. Man sollte aber vorsichtig sein, diese Frau nun abzuschreiben: Ihr Back-Katalog ist voller kreuzdämlicher Lieder, und es hat sie nie daran gehindert, immer wieder Lieder und, seltener, ganze Alben zu veröffentlichen, die saucool waren.

 

Future of Pop !

Hier ist sie - die Zukunft des Pop, was für ein Song, was für eine wunderbare Sängerin: 

Lianne La Havas "forget" (oficial video)

 

 < HIER > war schon mal ein Song von ihr verlinkt ...

Stromberg ² x Schlingensief + Pop

Alexander Marcus wirft immer gnadenloser die Frage auf, ob man ihn aushält

Kürzlich hatten wir es hier von Pop, der sich dem Schlager nähert, und nun zündet ein Künstler die nächste Stufe seiner Mission, sich vom Schlager kommend dem Pop zu nähern - und landet dabei inmitten im Sumpf von einem Film, dessen dilettantische Kraft an das Frühwerk von Christoph Schlingensief erinnert. Die Rede ist von Alexander Marcus - jener Kunstfigur also, die vielleicht gar keine ist, die vielleicht gerade deswegen so ernsthaft zwischen Ironie und Ernst flirren kann, weil sie nicht erfunden und also keine Kunstfigur ist. In jedem Falle mischt dieser Alexander Marcus recht satte Electro- und Dancefloorbeats mit den Melodien und Texten von Schlagern, und heraus kommen merkwürdige Ohrwurmzwitter, deren theoretische Reize darin bestehen, dass man nie weiss, wie sie gemeint sind, und deren praktische Reize es sind, dass sie, wie immer sie gemeint sind, funktionieren. Das erste Lied dieser Kunst- oder Nichtkunstfigur aus dem Jahr 2008 hiess "Papaya", der Text geht so: „Die Fische hams am Feuer erzählt, da gibt‘s ein Land, in dem die Liebe regiert: Komm mit mir nach Papaya!“, darunter, unter diesen Zeilen, wummert‘s und flibbert‘s, als wäre man in der Housedisse. Wenn man das hört, denkt man erst mal: „HÄ?“ - wenn man dann weiter hört, denkt man als nächstes: „HÄÄÄ?“, um im nächsten Moment „HÄÄÄÄÄÄÄ?“ zu denken. Und ganz zum Schluss will man das Lied noch mal hören.

Andere Lieder der ersten Platte „Electrolore“ von Alexander Marcus heissen „Ciao Bella“, „Spiel, Satz und Sieg“ oder „1,2,3“, dessen Text so geht: „Heute hauen wir richtig auf die Pauke, und der ganze Ärger bleibt zu haus. Wir wandern von der Oder bis zum Rhein, es ist angezapft, komm schenk was ein! Hussassa, Hussassa, Heia! Heute brennt die Hütte, die ganze Nacht von Flensburg bis nach Garmisch und zurück, singen wir zusammen unser Lied! Wir singen eins, zwei, drei - oh, du wunderschöne Loreley, endlich geht‘s nach vorne, schwarz, rot, gold, das sind unsere Farben, der Wagen rollt!“. Wem da die Nackenhaare hoch gehen, sei auf die Videos verwiesen, in denen das Gesungene ins komplett Lächerliche gezogen wird: Alexander Marcus taucht in allen seinen Videos als dümmlich lächelnde Lichtgestalt auf, dessen blosse auratische Anwesenheit Wunder bewirken kann. So bringt er im Video zu eben jenem „1, 2, 3“ mit Frack und rosa Hose durch blosses Handauflegen ein stehen gebliebenes Auto wieder zum Fahren, in „Spiel, Satz und Sieg“ taucht er in einer völlig surrealen Handlung in einem Café auf, und schnappt dem Barista die Blondine weg, während er im Film zu „Papaya“ behangen mit Plastikmeerestieren und in gleicher rosa Hose, die sein Markenzeichen ist, an einer Insel angeschwemmt wird, was sich später als Traum entpuppt. Alle Videos haben gemeinsam, dass Alexander Marcus in recht gekonnte, teils moonwalkartige Tanzschritte fällt. Mit den ironisierenden Videos kann man also gar singen, dass Schwarz, Rot, Gold unsere Farben wären, und in dieser Rückkopplung zwischen Visuellem und Musik spiegelt sich nur ein Effekt, der genauso ohne die Videos in der reinen Musik eintritt: In ihr ist quasi antizipiert, dass sie entsetzlich ist. Und in diesem Sinne kann man Alexander Marcus nur mögen, wenn man ihn vorher schrecklich fand. Adäquat zum Prinzip der Pre-Taste-Music von Gonzales, dessen Wirkungsweise darin besteht, zu funktionieren, bevor man seinen Geschmack befragt, handelt es sich bei Alexander Marcus also um Post-Taste-Music, die sich nur dann entfaltet, wenn man seinen Geschmack bereits befragt hat, aber dann eben auch dazu bereit ist, ihn komplett abzuschalten.

Von diesem Post-Taste-Prinzip zeugt auch der die Internet-Adresse der Nicht-Kunstfigur bekenndich.de, weil sie das Gefühlt vermittelt, dass, wer Alexander Marcus mag, pop-sozial geächtet erscheinen könnte. Wer sich eben bekennt und in den Kreis derer vordringt, die ihren Geschmack über Bord geworfen haben, wird sehen, wie schön es ist, dazu zu gehören. Und eben jenem Kreis der Eingeweihten widmet Alexander Marcus nun einen Kinofilm, der wie die neue Platte „Glanz und Gloria“ heisst, und der im Trailer so überdreht und overacted daher kommt, dass die Bereitschaft, sich auf diesen Kosmos einzulassen, über alle Massen strapaziert wird. Im Laufe des Filmes scheint die Kunstfigur im Gefängnis und im Krankenhaus zu landen, sich mit dem Militär anzulegen und den Ausweg aus dem künstlichen Schlamassel in der Bibel zu finden. Auf einer Skala des Fremdschämens überholt und -rollt Alexander Marcus die Serienfigur Stromberg um Längen: Bei dem Trailer weiss man schon nach 20 Sekunden nicht mehr, ob man es aushält noch auf den Bildschirm zu schauen. Wenn der Film so funktioniert wie dieser Trailer, dann wird man sich im Kino immer auf den Moment freuen, in dem Beats einsetzen und Alexander Marcus tanzt und singt und nicht eine Sprech-Szene verunspielt. Die Frage, die der Popmusik immer wieder zugrunde liegt, hat hier also ein ganzes filmisches Universum gefüllt - die Frage nämlich: Wie zur Hölle ist das gemeint?

Die Medaillenhoffnung

Anfütterung des Albuminteresses an und seitens Lana Del Rey

Wenn am 27. Januar das Album von Lana Del Rey erscheint, dürfte es interessant sein, das Hype-Timing dieser Veröffentlichung einmal genauer unter die Lupe zu nehmen: Die Marketingmaschinerie dieses auf globalen Erfolg gemünzten Instant-Popstars funktioniert über eine an sich befremdliche Veröffentlichungsreihenfolge, die letzten Endes darauf hinaus läuft, den Hype auf den Punkt auszutrainieren wie eine Medaillenhoffnung bei einer Olympiade. Dem lapidar-viralen YouTubeVorspiel folgte eine Anfütterung des geweckten Interesses mit einigen wenigen Konzerten, Interviews und Artikeln, dem nun ein neues Video folgt, welches wiederum offensichtlich nicht die neue Single - sondern den Titeltrack des Albums bebildert: „Born To Die“. Darin sitzt Lana Del Rey zunächst umrahmt von zwei Tigern in einer Kirche bevor sie in den Wagen eines jungen Mannes steigt, der vor einem Schloss steht; später Kuss- und Bettszenen zu einem pathostrunkenem Track, welcher im ziemlichen Gegensatz zum desinteressierten Gehauche Del Reys Gesangs steht.

Interessanter ist da schon der Titel, der nun auch käuflich zu erwerben ist - ohne Bilder. „Off The Races“ ist ein astreiner Elektropopsong, an dem der lanasche Gesangsstil eleganter und ohne alle Retro-Anleihen entlang schlendert, und der dem Synthie- und Streicher-Schwulst von „Born To Die“ oder „Video Games“ weniger Stellenwert einräumt bzw. ihn weiter im Hintergrund und damit subtiler einsetzt. Spätestens mit diesem neuen catchy Uptempo-Song muss man all die Parallelen zu Nancy Sinatra, oder wer nicht sonst noch so alles genannt wurde, noch mal überdenken: Lana Del Rey ist heutiger, als sie sich zunächst gab, und möglicherweise ist das in diesem Monat erscheinende Album einfach nur astreiner, zeitgemässer Autorinnenpop mit Generalstabshypetiming.

Der t.A.T.u.-Suizid

Das mögliche Comeback als Finte im Popmarkt

t.A.T.u. sind Geschichte. Das russische Popduo gilt derzeit als aufgelöst, auf der offiziellen Website wird man auf die jeweiligen Solo-Promo-Pages von Lena Katina und Yulia Volkova verwiesen. Das hat mich nun als bekennenden t.A.T.u.-Fan und Erfinder der so genannten t.A.T.u.-Forschung dann doch traurig gestimmt, aber vielleicht ist denn auch nichts so logisch wie die Auflösung dieses Paares zweier russischer SängerInnen, die aus den Geschichten ihrer alten Pop-Egos auf zweiter Erzählebene fast schon eine Sadomaso-Beziehung konstruierten, die zwar immer fiktiv war, deren möglicher Wahrheitsgehalt aber den Erfolg in Pop und Yellow-Press ermöglichte. (Wie sie das genau angestellt haben, kann man in meinem Essay "All the things they said - t.A.T.u. und ihre Videos" nachlesen), und so muss man im Prinzip auch die Auflösung nicht nur im Sinne eines möglichen Comebacks als Teil von t.A.T.u. sehen: Mehrfach haben t.A.T.u. sich in ihren Videos gegenseitig sterben sehen oder sich gar gegenseitig umgebracht, und die nun erfolgte tatsächliche Auflösung ist sozusagen der Tod des Duos auf erster, primärer Erzählebene, fast könnte man sagen: Der t.A.T.u.-Suizid.

Und so ist denn auch im ersten Solo-Video von Lena Katina, die im Timing des Lancierens ihrer Karriere derzeit die Nase vor Yulia Volkova zu haben scheint, das Ende von t.A.T.u. mehr als nur in Anspielungen ein Thema: In dem Video erscheint der offensichtliche Geist von Lena bei der Obduktion ihrer eigenen Leiche und dann bei der Doppelbeerdigung von ihr, Lena, und Yulia. Während sie das Bild auf ihrem eigenen Sarg sanft umklappt, sehen wir einmal wieder den berühmt berüchtigten t.A.T.u.-Kuss aus „all the things she said“ in neuerlicher Variation: Lena küsst das Sargfoto ihrer früheren t.A.T.u.-Kollegin Yulia. Der visuelle Pathos dieses Kurzfilms ist ebenso wie der Elektro-Gitarren-Pop des Liedes ein Zitat der vorgeblich aufgelösten Popformation, und der titelgebende Refrain lautet dann auch noch „I will never forget you“. Insgesamt kann man diese Strategie für eine Solokarriere fast schon als Finte einer eigentlichen t.A.T.u.-Single werten, die ohne Yulia stattfindet - oder eben mit Yulia als geküsstes Sargfoto. Lena Katina überführt damit ihr Dasein als Ex-t.A.T.u. unmittelbar in den Zustand einer möglichen Wiedervereinigung des Duos, das den Popticker wie keine andere Pop-Erscheinung (noch vor Lena-Meyer Landrut) beschäftigt hat.

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts, Folge 16: Outkast „Hey Ya!“ (2003)

Ende 2011, wenn das kalendarische Nullerjahrzehnt also schon fast 2 Jahre vorbei ist, die Liste der perfektesten Hits dieser Dekade noch mal zu ergänzen, mag bescheuert sein, aber so subjektiv die Auswahl dieser Hits auch sein mag, wird mir wohl niemand ernsthaft widersprechen, wenn ich sage Outkasts „Hey Ya“ gehört in diese Liste, nachdem es sich auch neun Jahre nach seinem Erscheinen als einer der Evergreens auf den Tanzflächen der ganzen Welt behauptet hat. Selten hat die Kombination einer Singalongmelodie auf einem unwiderstehlichen Beat einen so konkret funktionalen wie funktionierenden Dance-Garanten hervor gebracht. Das Grundgeheimnis dieses Hits liegt wohl in diesem von einem schlichten „One Two Three Four“ eingeleiteten „Bumm-Tschack-Bumm, Bumm-Tschack-Tschack“, bei dem das „Tschack-Tschack“ am Ende des Grundriffs zu einem "Tschack-Tschack-Tschack" überklatscht wird und so zum Mitklatschen anregt. Dieser Beat, der jeden Ghettoblaster zur Konzert-PA und jeden Tanzflächen-Rhytmus-Vollspacken zum Michael-Jackson-Wiedergänger macht, wird faktisch nur auf diesem Wege soundtechnisch variiert und ansonsten ohne Break die genau 4 Minuten gleich gehalten, und selbst nach dem Hundertsten Hören kann nicht wirklich entschieden werden, ob der Rhythmus so organisch wirkt, weil er künstlich verschleppt wurde oder aber weil er tatsächlich von einem Drummer eingespielt wurde: Die "Tschack-Tschack"-Snare klingt eher nach Drum-Maschine, die "Bumm"-Bass-Trommel eher nach akustischem Schlagzeug - wer weiss es? Später kann man auf der Tanzfläche oder beim Spülen noch den gerufenen Dialog mitgröhlen „What‘s cooler then being cool? ICECOLD!“, und ganz gewiefte Hüpfer klatschen dabei immer noch „Tschack-Tschack-Tschack“.

Zum durchschlagenden Erfolg mag zudem das Video beigetragen haben, das 2003 - MTV lag als Musiksender in seien letzten Zuckungen - rauf und runter dudelte: André „icecold“ 3000 in insgesamt acht Personen zersplittet verdoppelt im Alleingang die Beatles einerseits, andererseits stellte er ihre Performance in der „Ed Sullivan Show“ von 1964 nach, so dass das Ganze auch noch einigen Referenz-Fetischisten in die Karten spielte.

Ich erinnere mich noch ziemlich genau daran, als ich dieses Lied zum ersten mal hörte und schon im zweiten Refrain das Gefühl hatte, dass dieser Song mich schon ein Leben lang begleitet hat: Dieses magische Wiedererkennen etwas komplett Neuen erlebt man in dieser Reinform selten und heute vor allem über den Höreffekt des Retrospektiven (was völlig legitim ist), und so ist „Hey Ya“ ein Hit des Nullerjahrzehnts, der das subjektiv Perfekte quasi objektiviert hat und in diesem Sinne viel über diese vergangene Dekade erzählt.

Die anderen Folge der perfektesten Hits der Nuller findet ihr < HIER > .

Kriminell und sinnlos

Ein neues Video von Britney Spears

Die neue Single von Britney Spears bringt einige Überraschungen mit sich. Da ist zunächst einmal die Tatsache, dass das Riff von „Criminal“ doch tatsächlich mit einer Gitarre gespielt ist, einer akustischen noch dazu, dass eine Melodielinie von einer synthetischen Flöte gespielt wird, und dass hier die Stimme von Britney weder durch Vocoder, Autotune oder sonst einem roboteririsierenden oder comicisierenden Effekt gejagt wurde - das Lied ist das authentischste auf der sonst so verlogenen Platte „Femme Fatale“. Nicht ganz überraschend wurde „Criminal“ auf ihrer Website zur Single gewählt, von den Fans.

Überraschend ist aber dann das Video, in dem Britney zunächst mit einem Macho und Arschloch auf einem Empfang ist, der sie dann auch noch schlägt, bevor sie von einem Rockertypen mit Harley von diesem Idioten errettet wird. Dieser Retter hat Spinde in seiner Wohnung, und in einer dieser Spinde hat er eine Pistole, mit der Britney dann einen Laden überfällt. Nach dem Überfall geht sie duschen, und dann rückt ein Swat-Team an, schiesst die Bude von dem Rocker in Grund und Boden, während sich Waschbrettrocker und Britney küssen und wie durch ein Wunder nicht erschossen werden und schliesslich fliehen.

Man kommt ja nie so ganz umhin, sich zu fragen, ob jemand wie Britney einem was über sich erzählen will, wenn sie sich zum Beispiel in einer Bonny- und-Clyde-Geschichte zeigt, aber wie man es dreht und wendet, so sind doch alle Botschaften, die man in die Handlung des neuen Videos herein lesen will, an den Haaren herbei gezogen, und man muss das Vorhaben einer psychologischen Interpretation aufgeben und in diesem Sinne dem Video zugute halten, dass es so sinnfrei ist wie zu Zeiten von MTV: Darauf einen Dujardin!

Musikvideogenres

Die wichtigsten Projekte des fast neunjährigen Poptickers übertrage ich nach und nach auf diese Blog-Plattform - heute also dieses hier: Bereits vor ca. zwei Jahren hat sich der Popticker im Zeiten der Musealisierung des Musikvideos an dessen Kategorisierung versucht und Musikvideogenres definiert anhand ihrer Musikdarbietungssituation.

 

SITUATIVES SINGEN

 

Das situative Singen ist das weit verbreitetste Genre der Videoclips. Hierbei tun die jeweiligen Interpreten des betreffenden Liedes in realistischem Umfeld so, als würden sie singen (oder seltener: musizieren). Das kennzeichnende Merkmal des situativen Singens ist die Wahl einer Situation, in der man eigentlich nicht singen würde. Dabei spielt die Wahrscheinlichkeit, daß die InterpretInnen sich tatsächlich an dem Drehort aufhalten könnten, keine Rolle, denn situativ gesungen wird sowohl in realistischen Situationen wie im Restaurant, am Pool (Will Young "light my fire"), auf der Strasse (Santana "smooth") etc., als auch in Situationen mit symbolischen Charakter wie in der Wüste (ASD "fata morgana), auf dem Rollfeld (U2 "beautiful day") oder im Ambiente eines Filmstudios (Jeanette "rockin on heavens floor"). Das situative Singen schließt dabei sowohl den Gestus des in sich gekehrten Sängers ein (bei Balladen), als auch den des Sängers, bei dem das realistische Umfeld zur virtuellen Bühne wird. Eines der reinsten Videos des situativen Singens ist "uptown girl" von Westlife: Die vier Jungs betreiben einen Schnellimbiss und singen dabei.

 

SIMULIERTES MUSIZIEREN

 

Entscheidendes Merkmal dieses Genres ist die Auswahl einer Situation, in der man tatsächlich singen oder, hier öfter, auch musizieren würde; beispielsweise auf einem Konzert ("losin grip" von Avril Lavigne), bei Studioaufnamen ("all cried out" von den no Angels) oder im Bandprobenkeller (Beginn des Clips "guten Tag" von Wir sind Helden). Diese Momente des Musizierens können auch verfremdet dargestellt sein (Evanascence "going under").

TATSÄCHLICHES MUSIZIEREN: DAS LIVEVIDEO

 

Hier werden die Interpreten gefilmt, während sie tatsächlich live das entsprechende Lied musizieren. Beispiele: "free" von Robbie Williams live in Knubsworth oder "business" von Eminem live in Barcelona. Das Livevideo eines einzelnen Liedes ist oft Teil von ganzen Konzertmitschnitten, die sich in Zeiten der DVD großer Beliebtheit erfreuen.

 

DAS TANZVIDEO

Der oder die Interpreten tanzen meist ergänzt von einigen Tänzern zu dem Song. Entscheidendes Charakteristikum des Tanzvideos ist, daß hier die Bewegungen der Tanzenden in Abstimmung mit der Kameraführung choreografiert sind. Singen und Musizieren ist auch hier oft simuliert ­aber eben nicht realistisch situativ, sondern als Teil der Choreografie. Das beste und bekannteste Tanzvideo in Reinform ist "vogue" von Madonna. Es gilt für das Genre Tanzvideo als stilbildend und ist als solches ein Meilenstein der Geschichte des Videoclips.

 

DAS SITUATIVE TANZVIDEO

Das situative Tanzvideo ist ­wie der Name schon sagt- mit dem situativen Singen und mit dem Tanzvideo eng verwandt. Hierbei steht jedoch das Tanzen in Situationen, in denen man tatsächlich tanzen würde, im Vordergrund. Die Kameraführung fügt sich weniger der getanzten Choreografie als vielmehr der Tanzsituation ­zum Beispiel in einer Diskothek. Ein situatives Tanzvideo in Reinform ist der Clip zu "it’s like that" von Run DMC feat. Jason Nevins, in dem zwei Gangs sich gegenseitig ihre besten Breakdancemoves vorführen. (Ein Video, das oft zitiert wird ­gerade erst wieder von Christina Aguilera im Clip zu "can’t hold us down").

 

DER KURZFILM

Es gibt ein weites Feld der Musikvideos, die den Anspruch eines Kurzfilmes hegen, die ­sprich- das Erzählen einer Geschichte in den Vordergrund stellen. Das entsprechende Lied wird zur Filmmusik. Dabei treten die Interpreten des Liedes manchmal in Erscheinung, manchmal nicht. Ebenso kann die erzählte Geschichte direkt mit dem Text in Verbindung stehen, muß sie aber nicht. Hierzu zwei Beispiel, beide von Blur, beide sehr schöne Kurzfilme: in "coffee and TV" sucht eine Milchtüte einen Joghurtbecher, in den sie sich verliebt hat, und findet ihn in dem Probenkeller der Britpopband; in "out of time" wird ein Moment von Heimweh eines auf einem Flugzeugträger stationierten Soldaten geschildert (klingt saudumm, ist aber ein wunderbarer Clip).

 

ERFUNDENE WELT

Der erste Videoclip, für den so viel Geld ausgegeben wurde, daß der Regisseur in der Lage war, eine ganze Welt zu kreieren, in dem sich die Handlung des Clips abspielt, war Duran Durans "wild boys" ­lange Zeit war dies das teuerste Video aller Zeiten. Nicht nur aus diesem Grunde ist es historisch: Das Genre des Clips in einer erfundenen Welt wurde hier insofern begründet, als daß zum ersten Mal nicht die Bebilderung des Musizierens im Vordergrund stand, sondern der Clip als eigenständige Inszenierung (auch wenn die "wild boys" dieses Kurzfilms auch Singen simulieren). Der Clip dominierte das Lied ­nicht umgekehrt. Dies ist allerdings nicht das entscheidende Merkmal dieses Genres. Das ausschlaggebende Charakteristikum ist vielmehr schlicht die Tatsache, daß hier nicht in einem realistischem Umfeld gefilmt wird. Viele Tanzvideos fallen nicht in dieses Genre, wenn man die Räume, in denen getanzt wird, als gefilmte Bühne ­und somit als realistisches Umfeld- betrachtet. Dieses Genre leidet wahrscheinlich am Meisten unter der ökonomischen Krise der Clipproduzenten, denn eine durchinszenierte Welt ist meistens teuer, und somit werden Clips wie Christina Aguileras "fighter", in dem sie als ein Käfer auftritt, der von lebensgroßen Stecknadeln in einer schwarzen, öligen Grotte beworfen wird, immer seltener. In Clips in erfundenen Welten treten die Interpreten des Liedes nicht zwangsläufig auf, und wenn sie es tun, simulieren sie nicht zwangsläufig das Singen und Musizieren.

 

DAS ANIMATIONSVIDEO

Das Animationsvideo ist, wie der Name schon sagt, ein in irgendeiner Form animiertes Video, zum Beispiel durch Zeichentrick, Knetfiguren und so weiter. Daß es sich bei den genannten Kategorien eher um Charakteristika handelt, denn um Genres, die in Reinheit existieren, wird beim Animationsvideo besonders deutlich, denn im Feld der animierten Clips findet man Beispiele für jedes andere Genre. So ist zum Beispiel keinesfalls ausgeschlossen, daß in einem animierten Clip der Interpret des Liedes auftritt (in "let love be your energy" erscheint Robbie Williams als Zeichentrickfigur, in "Californication" treten die Red Hot Chilly Peppers als Videospielfiguren in Erscheinung, in "take one me" wachsen A-Ha aus einem Comic heraus), und somit stellen sich hier genauso die Fragen, ob hier Singen simuliert wird oder, ob das Umfeld, in der der Clip spielt, erfunden oder realistisch ist. Ein Meilenstein in der Geschichte des animierten Musikvideos sind zweifelsohne die Gorillaz, deren Bandmitglieder ausschließlich auf Papier als Comicfiguren existieren. Trotzdem musizieren die fünf in den animierten Videos in teils realistischen Bandsituationen.

 

DER KUNSTVIDEOCLIP

Im Gegensatz zum Clip als Kurzfilm hegt der Kunstvideoclip weniger inhaltliche Ansprüche sondern formale: den nämlich, ein eigenständiges Kunstwerk zu sein. Der kommerzielle Werbeeffekt tritt in den Hintergrund, im Vordergrund steht der Anspruch nach formaler Geschlossenheit, danach, sein eigenes Genre zu generieren. Das Feld der Kunstvideoclips ist relativ klein, oft werden sie gar nicht für den breiten Markt ­sprich: für die Musiksender- produziert, sondern für DVDs oder für Kunstausstellungen im Museum (bestes Beispiel hierfür sind viele Videos von Björk, die meisten sind von international renommierten, bildenden Künstlern inszeniert "all is full of love" von Chris Cunningham) Stilbildend für dieses Genre war zweifelsohne der Clip zu "sledgehammer" von Peter Gabriel, der vielen, auch dem Popticker, noch immer als eines der besten Musikvideos aller Zeiten gilt.

 

HÄUFIGE MISCHFORMEN

 

Kaum ein Clip ist wie gesagt eindeutig einem hier genannten Genre zuzuordnen. Dennoch kann man meist eine Grundtendenz ausmachen. Nehmen wir zum Beispiel noch einmal Jennifer Lopez‘ "my love don’t cost a thing": natürlich wird hier auch situativ getanzt und gesungen, der Grundgestus des Clips bleibt aber der der Inszenierung der Interpretin.

Eine Mischform, die fast so oft vorkommt, daß man in ihr ein eigenständiges Genre sehen könnte, ist die zwischen Kurzfilm und simuliertem Musizieren (Nickelback "long road"): Der Clip schneidet von einer gezeigten Handlung zur Band und umgekehrt (Zu diesen Clips könnte man auch die zählen, die Singles aus Soundtracks promoten: Die gezeigte Handlung sind Szenen aus dem entsprechenden Kinofilm). Oft auch stehen an Orten der gezeigten Handlung mehr oder minder zufällig die Interpreten und bewegen die Lippen (Nicole Russo "you might be wrong"): ein Zwitter also aus situativem Singen und Kurzfilm.