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Popticker-Lexikon: Berlin

Berlin // Die Geschwindigkeit der Geschichte Berlins ­insbesondere nach dem Fall der Mauer- hat längst sämtliche anderen Lebensbereiche dieser Stadt vereinnahmt: Architektur, Restaurants, Mode und so weiter. Vor allem aber hat sich die stete Veränderung im Alltag niedergeschlagen: Zumeist sieht man den jeweils aktuellen Zustand Berlins ausschließlich in der Differenz zu dem Berlin der Zeit, als man zugezogen oder aber zum ersten Mal glücklich dort war. Zusätzlich zu der objektiv historischen Geschwindigkeit der Stadt ist sie also in höherem Maße als andere Städte einer subjektiven Historisierung unterworfen. Kurioser Weise ist dieses private, subjektive Phänomen auch im Stadtbild zu beobachten: Die Verwestlichung des urbanen Raumes, welche sich wie Jahresringe eines Baumes in Halbkreisen in den Osten ausdehnt, hat dazu geführt, daß das aktuelle Berlin, das so aussieht wie zu der Zeit, als man in diese Stadt kam, sich immer weiter in den Osten verschiebt. Dieser Prozess ist weitgehend abgeschlossen, hat aber eine Zeit lang zu dem Satz "das ist nicht mehr mein Berlin" in vielerlei Ableitungen geführt, zum Glück aber hat auch diese berlinisch- sprachliche Erscheinung das zeitliche gesegnet und ist insofern kaum mehr Teil irgendeines Berlins.

Popticker-Autor David Gieselmann im "White Trash & Fast Food" an seiner schon historischen, alten Stätte - in der Torstrasse

Die Masse individueller Dispositionen zu Berlin hat zur Folge, daß sich ein objektives Erscheinungsbild einzelner Kieze gar nicht mehr herausbilden kann; sprich: Es sieht inzwischen sowohl objektiv als auch subjektiv überall gleich aus. Gut möglich aber, daß demnächst irgendwann Leute nach Berlin ziehen werden, die die meisten der neuen Häuser als das ansehen werden, was sie sind: häßlich. Denn wenn man heute an einem häßlichen Haus vorbei geht, kann man immer noch denken, daß dies eben nicht mehr mein Berlin ist, auch wenn sich niemand mehr traut diesen Satz auch auszusprechen. Die ersten Exemplare dieser Berlin- häßlich- Finder gab es bereits, die Tatsache aber, daß sie aus diesem Hass zugleich ein Buch machen, entlarvte die Haltung als letztlich berlinische Attitüde und als kläglichen Versuch eines Manövers, um möglichst rasch dazuzugehören. Berlin hat diese ersten Berlinhassprediger kaltschnäuzig absorbiert. 

You keep singing it

Esperanza Spalding versöhnt zwei Stile, die sonst nicht oft zueinander finden

Irgendwie haben Pop und Jazz Probleme miteinander. Es gibt zwar den Genrebegriff des Jazzpop, aber es dürfte mehr Menschen geben, die diese Bezeichnung eher als Beleidigung ansehen - als einen ernstzunehmenden Musikstil. Selbst der begnadete Pianist und Entertainer Jamie Cullum hat Probleme von Jazz-Puristen anerkannt zu werden, (und die wahrscheinlich als Verrat ansehen dürften, wenn Cullums Komposition „Standing Still“ nun mit Roman Lob als Interpreten zum Eurovision Songcontest antritt), und Norah Jones, die, das sei des thematischen Doppel-Links wegen erwähnt, gestern einen recht lustigen Auftritt bei Stefan Raabs „TV total“ hatte, diese Norah also gilt unter Pop-Fans wie Jazzern eher als Warmduscherin - auch wenn sie 30 Millionen Platten verkauft hat.

Nun hat die Komponistin, Vokalistin und Bassistin Esperanza Spalding ein Album eingespielt, das mit seinem programmatischen Titel „Radio Music Society“ fast schon als Vermittlungsausschuss zwischen Pop und Jazz in Albumform gelten kann und auch Hörer aus beiden Lagern finden dürfte. Man könnte fast sagen, Spalding benutzt die musikalischen Strukturen des Jazz, um auf den Oberflächen eines funktionalen Popsongs subtile Komplexität zu erzeugen. Ihre Lieder gleiten zunächst widerstandslos durch die Boxen, evozieren dann aber immer wieder den Effekt der staunenden Nachfrage, wie um alles in der Welt sie singt, um im selben Moment auf dem Bass komplett gegenläufige Rhythmen und Melodien zu zupfen - ihre Musik spielt sie offenbar grundsätzlich so ein, dass sie Bass und Stimme in einem Take aufnimmt. (Ein ähnlichen Effekt habe ich übrigens, wenn ich Lianne La Havas höre, die freilich nicht Bass spielt - sondern Gitarre) - in jedem Falle erzeugen Esperanza Spaldings neue Lieder einen inneren Sog der Unwiderstehlichkeit, den sie im gewissen Sinne im Fast-Titel-Lied „Radio Song“ selber besingt: „This song‘s the one - even though you never heard it you keep singing it along“ beschreibt den Pop-Effekt des Wieder-Erkennens vom etwas, das man noch gar nicht kennt fast schon wortwörtlich. Der Song stolpert mit seinem verschleppten Pattern-Beat durch zwei B-Teile, dezent variierten Refrains und Strophen, und erzeugt einen Lächeln auf des Hörers Lippen - worauf auch das Video beruht, das man neben 11 weiteren Kurzfilmen mit der Deluxe-Version dieses Album auf DVD bekommen kann.

Die Stilsicherheit des Spaldingschen Soul-Jazz-Pop-Funks ist unerreicht, ihr Bass-Spiel ist von zieseliger Virtuosität, ihre Stimme ist von drängender Wärme und Schönheit, bekannte Songstrukturen treffen auf plötzliche 7/4-Takte, merkwürdige Posaunen-Soli oder treffsichere Hammond-Flächen - das Album ist ein Glücksfall, und es adelt den Musikgeschmack des amerikanischen Präsidenten: Barack Obama ist wie ich Fan von dieser Dame mit der gigantischen Kugel-Frisur.

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Auf Esperaza Spaldings Website kann man in das aktuelle Album mehr als reinhören, Lianne La Havas hingegen verschenkt derzeit eine Live-EP (Link via tonspion)

Popticker-Lexikon: Schiffe versenken

Schiffe versenken // Hollywoods neues Steckenpferd ist „Battleship“  - eine Verfilmung des Zettelspielklassikers „Schiffe versenken“. Gab es in den 80ern eine überflüssige Form, dieses Spiel durch Steckschiffe und Trennwand aufzumotzen, hat ein Studio in Amerika nun also einige Millionen heraus geschleudert, um das Spiel noch mehr aufzumotzen. Dass sich Hollywood nun bei Spielen bedient, ist nichts Neues - man erinnere sich nur Angelina Jolie als Lara Croft - aber „Schiffe versenken“? Diese Vorgehensweise kann man wahlweise als grundehrlich oder als vollkommen bescheuert ansehen. Ich tendiere zu Zweitem - habe aber noch ein paar Vorschläge für das Sequel: Warum nicht „Käsekästchen“ verfilmen? Muss natürlich auch ein wenig reisserischer betitelt werde - also die „Cheesebox-Invasion“ oder so. „Vier Zylinder - sticht!“ ist der Film zum Autoquartett, und ein prima Roadmovie würde natürlich „Stadt, Land, Fluss“ abgeben. Mein Drehbuch zu „Opa plätschert lustig in der Badewanne“ ist unter gleichem Titel in Arbeit, und wenn man erst einmal zu Brettspielen übergeht, ist die Quelle für neue Filme schier unerschöpflich: „Fang den Hut“, „Mensch ärger Dich nicht“, „Malefiz“, „Dame“, „Go“ und „Gobang“ dürften rechtefrei sein und sind allesamt dramatisch genug, um mit Top-Besetzung als Blockbuster zu funktionieren.

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts (2000 - 2010) Folge 19: Lena "Satellite"

Wenn es je in der Reihe der perfektesten Hits der Nullerjahre einen Song gegeben hat, bei dem man von faktisch objektiven Parametern für seine Perfektion sprechen kann, so ist es wohl „Satellite“ von Lena: Der Song gewann zwei Popwettbewerbe und behauptete sich so in einem nationalem und einem internationalem Stresstest. Während er bei „Unser Star für Oslo“ nach einmaligem Hören als der Beste für Lena von damals drei Liedern gewählt wurde, gewann er sodann den Eurovision Songcontest - per Definition ja ein Liederwettstreit. Die Frage, ob das diesem Lied auch ohne Lena oder Lena ohne dieses Lied hätte gelingen können, ist dabei natürlich völlig überflüssig. Pop ist doch gerade das Zusammenfallen von akustisch wie optischen Erscheinungsformen zu einem performativen Akt der Selbstdarstellung. Das Interessante ist ja gerade, dass das Lied zuvor Lena zugewählt wurde, dass also die Mischung, erwähntes Zusammenfallen von Lena und diesem Lied erst für passend erachtet wurde, um dann bei „Unser Star für Oslo“ und später beim Songcontest zum Sieger gewählt zu werden. Und durch diesen pophistorischen Umstand wird „Satellite“ wohl auf ewig an Lena kleben bleiben - es gibt störendere Pop-Bürden.

Der zweite objektive Parameter der Funktionalität des Liedes liegt in seiner strikten 3-Minuten-Struktur, die sich ja einerseits als popfunktional heraus gestellt hat und andererseits im Fall des Songcontests sogar eine Regel ist. Die Grundstruktur des 3-Minüters (perfekt nachmessen kann man das bei „I kissed a girl“ von Katy Perry) ist das Schema in 6 Teilen á 30 Sekunden: Strophe, Refrain, Strophe, Refrain, B-Teil, Refrain - bei „Satellite“ verschiebt sich das Ganze um 10 Sekunden Intro, worauf jeweils 20 Sekunden Strophe und 25 Sekunden Refrain folgen ein, 20 Sekunden B-Teil und dann eine in der Instrumentierung variierte Kurzstrophe, um mit einem Doppelrefrain zu enden. Das darunter liegende Grundriff kursiert im Internet in zwei verschieden komplizierten Akkordfolgen - die schwierigere Version kam im Vorfeld des Grand Prix zum Einsatz, wenn Stefan Raab an der Gitarre mit Lena kurz im Flur oder auf einem Ausflugsschiff „Satellite“ zum Besten gab, während YouTube voll ist mit privaten Coverversionen, bei denen die einfachere Akkordfolge (C / F / G) gespielt wird. Diese subtil-musikalische Komplexität erzählt vielleicht auch etwas über die Funktionsweise eines Popsongs, der mehr Geheimnisse bürgt, als er bei seinem effektivem ersten Höreindruck preis gibt. (Der Wikipedia-Beitrag zu "Satellite" beschreibt das musiktheoretisch besser, als ich es kann.)

Subjektiv hat das Lied, so wie man es von Lena kennt, ein Melodie / Rhytmus-Gerüst, auf diese spezifisch lenabritische Sprech-Sing-Mischung ihr Charme voll entfalten kann, was zu dem Umstand führt, dass man sich einfach sehr freut, den Song zu hören. Dieser Effekt nutzt sich auch irgendwie nicht ab - jedes Lied kann man sich überhören, klar, aber „Satellite“ hat eben auch diese Wiedererkennungswert ohne als Ohrwurm tödlich zu nerven. Der Song chargiert ständig zwischen funktionalem Allerwelts- und anspruchsvolleren Autorinnen-Pop, man kann sich von ihm wahlweise überraschen lassen, wie banal er ist, anderseits wie fein-komplex er dann eben doch gebaut ist - man kommt der Sache nicht ganz mit Worten bei; vielleicht macht ihn das so besonders perfekt.

!!!

Pop in Perfektion: "Dark Star" von 

 

Wir Helden sind dann mal weg

Auf ihrer Website, über Facebook verbreitet, hat die Band „Wir sind Helden“ eine Pause ihres Schaffens angekündigt. Ausformuliert ist dies in einer Weise, die sowohl die Interpretation zulässt, die Entscheidung sei definitiv, es bleibt aber eine Hintertür für eine Reunion auf, als auch, es ist eine temporäre Pause gemeint, die vielleicht auch für immer sein könnte. Die Band hinterlässt vier Alben und eine getreue Fangemeinde, die vor allem der Tatsache nachtrauert, keine Konzerte mehr ihrer Helden besuchen zu können - das übrigens zeichnet oder zeichnete diese Band vielleicht vor allem aus: Entgegen dem Trend im Indie- wie im Mainstream-Pop verliessen sie sich nicht nur auf ihre Live-Präsenz, ihre Alben waren mehr als nun Anlass aufzutreten. Jede Platte pflegte gleichzeitig den Klang der Band als solcher und entwickelte doch einen Alben-eigenen Sound. Man kann nun darüber streiten, wo das am Besten gelang - für mich krankte vor allem das dritte Album an einigen Symptomen einer typischer Weise zweiten Platte, weshalb ich viel zu spät erkannte, dass ihr vorerst letztes, viertes Album „Bring mich nach hause“ ihr bislang bestes war, während ich die ersten beiden abgöttisch und unkritisch liebte -, Tatsache ist und bleibt: Mit „Wir sind Helden“ verliert die deutschsprachige Pop-Szene eine vielfach schlecht kopierte, wunderbare Stimme, und man kann nur hoffen, dass diese vier Pop-Chaosforscher, die auf drei Städte verteilt leben, wahlweise ihre Entscheidung revidieren und irgendwann wieder zusammen musizieren oder eben ihren Plan verwirklichen und wieder zusammen finden. Wir sind Helden liefern den Stoff, aus dem wir, wenn wir Helden sein wollen, hören können, dass wir es nicht müssen.

Perlen im Datendschungel: Brett Domino Trio

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Die post-strukturellen Pop-Hit-Dekonstruktionen des Duos "Brett Domino Trio" sind dem ein oder anderen vielleicht schon auf dem viralen Wege untergekommen: Mit ihren Synthesizern und britischem Nicht-Gesinge wirken sie dilettantisch, um im nächsten Moment als Virtuosen der Schnittkunst wieder durch die Po-Hintertür zu kommen: Alles, was sie scheinbar auseinander nehmen, setzen sie wieder neu und auf das, was es vorher war erhellend, zusammen. Ihr bislang grösstes Werk ist dieses Justin Timberlake-Medley.

Perlen im Datendschungel 28: Brett Domino Trio "Justin Timberlake Medley"

 

Raketen-Treibstoff

Die nächste Supergroup bitte

Damon Albarn ist inzwischen fast schon so etwas wie ein Supergroupmaniac - einer, der permanent Bands mit mehr oder minder ziemlich bekannten Mitmusikern gründet. Abgesehen von „the good, the bad & the queen“ (mit Verve-Gitarrist Simon Tong, Clash-Bassist Paum Simonon and Fela Kuti-Drummer Tony Allen) kann man die für wenige Konzerte wiedervereinigten Blur auch schon als Supergroup bezeichnen, während  Albarn seine Gorillaz von einer ehemaligen Comicband inzwischen in einen Pool von GastmusikerInnen überführt hat, um nun erneut eine Band zu gründen. Wieder mit dem Erfinder des Afrobeat, Tony Allen, am Schlagzeug, Red Hot Chilly Pepper-Bassist Flea und wechselnden SängerInnen gibt es nun eine Platte unter dem Bandnamen „Rocket Juice & The Moon“, bei der Pop-Mastermind Damon Albarn wohl ganz bewusst hinter der Idee dieser Formation verschwindet: Er singt nur auf zwei der knapp 20 Stücke (Blur-Fans sei „Poison“ ans Herz gelegt) und spielt sonst Gitarre, Melodica oder  andere Tasteninstrumente. So ist diese Platte dann auch ein buntes Sammelsurium an Ideen, Richtungen und Spleens, den verschleppten Drums von Tony Allen Melodien und Songs abzuringen, mal instrumental, mal mit Erykah Badu oder Fatoumata Diawara, die singen oder dem nigerianischen Vokalisten M.anifest, der rappt. Die Aufnahmen sind relativ ungeformte Fixierungen von Jam-Sessions und finden für mich vor allem dann zu einer hörenswerten Struktur, wenn die wunderbare Fatoumata Diawara singt: Ihre zerbrechlichen Phrasierungen, die sie für den deutlichen stilleren Stil ihrer Debütplatte kultiviert hat, findet in dem rauen Bass von Flea und den relaxten Beats Tony Allens ein überraschend passendes rhythmisches Fundament, das ohne sie hin und wieder in die Beliebigkeit und Längen einer forschenden Improvisation driftet.

Der Treppenwitz

Zweite Single und zweites Video von Madonnas neuem Album

Madonnas neues Album, „MDNA“ betitelt, hat nach der völlig gefloppten ersten Single ein zweites Lied auf den Popmarkt einer Ära geschleudert, in der Wert und Bedeutung der Single als solcher faktisch komplett erodiert sind. Der Song heisst „Girl gone wild“, und ein Lied mit diesem Titel könnte getrost auch von Rihanna, Robyn, Lady Gaga, Britney Spears oder Christina Aguilera sein. Schon an diesem Umstand kann man ablesen: Ohne Madonna könnte es all die Genannten, die ihr Lied wie das von Madonna nennen könnten, gar nicht geben. Umgekehrt ist es natürlich auch so: Eine Madonna ohne die Genannten kann es auch nicht mehr geben. In dritter Ableitung heisst das eben auch: Madonna kann es ohne die ganze Madonna zuvor auch nicht mehr geben. Das führt dann zurück zu dem neuen Song, der vor allen mit seinem Video einem Zitatenreigen unterworfen ist, der seinesgleichen sucht: Der in schwarz / weiss gehaltene Clip wirkt wie ein Sequel zu ihrem bahnbrechenden „Vogue“-Video, der Song bounced irgendwo zwischen völlig billigem Europop und pseudo-aktuellem Dubstep, und man fragt sich also unweigerlich, ob man heute noch Pop machen kann, ohne Madonna zu zitieren und im Speziellen, ob Madonna noch Pop machen kann, ohne Madonna zu zitieren. Die Antwort ist natürlich und wie gesagt: Nein, geht nicht. Nun könnte man sowieso einwenden: Die Frau ist 54, warum hüpft sie immer noch in Reizwäsche durch ein Musikfernsehen, das es nicht mehr gibt, aber das ist vielleicht gar nicht der Punkt. Wenn sie ästhetisch so sehr „Vogue“ zitiert, muss sich sie eben auch an „Vogue“ messen, und so sehr man also die Art und Weise, wie diese Frau ihr Alter verneint, bescheuert finden kann, so sehr muss mal vor allem erst einmal konstatieren: „Vogue“ ist sogar noch nach 20 Jahren mehr der heutigen Zeit voraus, als es „Girl gone wild“ ist. Der Song bricht unter dem Bombast oder der Bürde von Madonnas Lebenswerk zu einem Treppenwitz der Popgeschichte zusammen. Man sollte aber vorsichtig sein, diese Frau nun abzuschreiben: Ihr Back-Katalog ist voller kreuzdämlicher Lieder, und es hat sie nie daran gehindert, immer wieder Lieder und, seltener, ganze Alben zu veröffentlichen, die saucool waren.

 

Perlen im Datendschungel: Of Montreal "Dour Percentage"

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Den Wahn von Of Montreal live zu fassen bzw. herzustellen, dürfte eigentlich nur ihnen selber gelingen - in Jimmy Fallons Show versuchen sie, das Groove-Unmonster "Dour Percentage" als multiples Panoptikum von Videoprojektionen und, wenn man die Studioversion kennt, schier unfassbarer Live-Präzision zu generieren. Sie scheitern teils an den Rändern des Pop - trotzdem oder gerade deswegen irre.

Perlen im Datendschungel 27:

Of Montreal "Dour Percentage" - live in der "Jimmy Fallon-Show"

 

Of Montreal - Dour Percentage | Late Night With Jimmy Fallon from Monophono on Vimeo.