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Popticker: Songs des Jahres 2011

 01 Jovanotti „Tutto L‘amore Che Ho“

Das 2011er Jovanotti-Album „Ora“ hat mit seinen Eurodanceanleihen und dem Synthiepop eher verstört, aber in dem Opener ist Jovanotti Pop in Perfektion gelungen: Ein variable Grundmelodie, eine geniale Songdramaturgie und ein spät aber prägnant einsetzender Dancebeat - irre!

 

02 Josh Ottum „Storms in Summertime“

Vielleicht ein verstörend banaler Song, in dessen kaum auffallende Breaks ich mich aber verliebt habe. Klasse zum Mitsingen.

 

 

 

 

03 Camille „Mars is no fun“

Camille bekommt hierfür auch den Preis für die schönste Aussprache eines ungewöhnlichen Songlyrikwortes: Brochure. Und ansonsten ist das hier ein Ohrwurm sondergleichen, der als gute Laune-Reservoir funktioniert.

 

 

04 Útidúr „Let‘s make room“

Der Zweistimmen-Lead-Vocal-Stil und die Bläser, Markenzeichen von Útidúr, sind hier prägnant auf den Punkt gebracht - ich liebe dieses Lied.

05 Lana Del Rey „Video Games“

Noch kann keiner so recht sagen, ob der Popentwurf von Lana Del Rey über den Hype dieses Songs hinaus Bestand hat, aber dem Sog des Binnenretro-Effektes der Videospiele kann man sich nicht entziehen

 

 

 

06 When Saints Go Machine „Add ends“

Ihr Album „Konkylie“ wirkt zeitweise doch etwas gewollt, aber mit „Add ends“ haben sie ihren artifiziellen, elegischen, elektrischen Popentwurf perfekt verdichtet.

 

 

 

07 Kate Bush „Snowed in at wheeler street“

Kate Bush und Elton John wollen sich nicht noch einmal verlieren und singen, als ginge es um ihr Leben.

08 Eleanor Friedberger „Glitter Gold Year“

Ein hochgradig merkwürdiger Beat, auf dem die eigentliche Ballade sitzt, wirft hier beständig die Frage auf, was das überhaupt für ein Lied ist.

 

 

 

09 Björk „Crystalline“

Als ob die Kristalle klirren ...

10 Emmy The Great „Dinosaur Sex“

Wenn man schon ein Lied über Sex schreibt, muss es aber auch um Dinosaurier gehen.

 

Popticker: Platten des Jahres 2011

01 Camille „Ilo Veyou“

Camille hat für ihren neusten Streich wieder Instrumente zu ihrer Vokalakrobatik addiert. Heraus kam eine Liebeserklärung an die Musik voller ungehörter Melodien und von erhabener Schönheit.

 

 

02 Darren Hayman „January Songs“

Im Januar 2011 hat Darren Hayman jeden Tag einen Song geschrieben, komponiert, aufgenommen und veröffentlicht. Selten hat man einen schöneren Einblick in das Schaffen eines Songbesessenen bekommen als hier bei dem völlig zu Unrecht relativ unbekannten britischen Songwriter.

 

03 Kate Bush „50 words for snow“

Kate Bush trotzt jeder Hipness und behält bei einem Konzept, das leicht in Kitsch und Blödsinn hätte abdriften können den Überblick, um einmal wieder Pop neu zu erfinden.

 

 

04 Eleanor Friedberger „Last Summer“

Mit leichten Störfeuern in Fiery-Furnaces-Manier erschafft sich Eleanor Friedberger eine Basis für prosaische Lieder, die von ihrer Stimme getragen werden.

 

 

05 Clueso „ An und für sich“

Clueso hat seinem Bandpop eine Dosis Elektropop verschafft und auf dem bisherigen Höhepunkt seiner Songschreibkünste eine Platte gemacht, die es verdient hätte als das wahrgenommen zu werden, was sie ist: Das Meisterwerk eines wunderbaren Sängers.

 

06 Josh Ottum „Watch TV“

Josh Ottum macht alles selbst und tüftelt um seine famosen Melodien merkwürdoíge Breaks, deren Absurditäten in der Schönheit kaum auffallen.

 

 

07 Björk „Biophilia“

Björk ist Björk.

 

 

 

08 Daniele Lupi & Danger Mouse „Rome“

Der von Norah Jones und Jack White besungene Pseudosoundtrack eines nicht existierenden Italowesterns beweist, dass auch das abwegigste Popkonzept wunderbar sein kann, wenn man es ernst nimmt.

 

 

09 Útidúr „This Mess We‘ve Made“

Folkpop einer der vielen vielköpfigen Bands Islands, Sonderliche Texte und tolle Arrangements.

 

 

 

10 Emmy The Great „The Virtue“

Autorinnenpop aus England, der die fehlende Frechheit mit nachdenklicher Traurigkeit ersetzt. Kaum einer hat 2011 bessere Lieder geschrieben als Emmy The Great.

 

Zhivagodamarbletash

… ist eines von Kate Bushs 50 Wörter für Schnee

 Wenn auf einem Album nur sieben Lieder zu hören sind und die ersten drei davon über eine halbe Stunde dauern, stellt sich unweigerlich schon anhand der blanken Zahlen die Frage, ob es sich noch um ein Popalbum handelt. Die Popmusik hat ihre eigenen Normen hervor gebracht, deren Überschreitung wahlweise Genie, Wahnsinn oder eine Mischung aus beiden als Quelle zu haben scheint. Im Falle der neuen Platte von Kate Bush gesellt sich zu diesen beiden noch eine höchst selten Form eines kruden und charmanten Humors, der ebenso wie vieles andere auf dieser Platte immer auch am Kitsch kratzt, die Grenze zu ihm aber im Gegensatz zu der erwähnten der Popmusik nie überschreitet. Heraus kommt dabei ein Album, das in seiner kompletten Ignoranz sämtlicher heutiger Musik und deren Hipness, wie man es dreht und wendet, nur als ein weiteres Meisterwerk bezeichnet werden kann, dass ausser seiner Interpretin kein anderes Genre zu kennen scheint.

Die Platte „50 words for snow“ handelt, wie der Titel schon sagt, vom Schnee, versagt sich aber dem sonstigen Winter- und Popkitsch, der alljährlich im Fahrwasser von „Last Christmas“ die Charts verstopft auf so angenehme Weise, dass es einem, wenn man Kate Bush liebt, ein ums andere mal eine Träne in die Augen treiben kann. Das erste Lied handelt dann auch konsequenter Weise vom Herabfallen einer Schneeflocke, die teils selber zu Wort kommt. „I was born in a cloud“, singt diese Flocke, und wer nicht zuerst das Booklet liest, stolpert vielleicht schon über die Stimme der Flocke - es ist nicht die von Kate sondern die ihres Sohnes Albert Macintosh. Das zweite Lied handelt vom Schneien am Ufer eines Sees und der dritte Song von der Liebe zu einem Schneemann - man merkt schon an diesen Beschreibungen: Man kann über dieses Album kaum sprechen, weil man sich, wenn man von diesen Lieder erzählt, gleichzeitig sicher ist, dass diese Lieder entsetzlich bescheuert sein müssen. In Wirklichkeit aber versteckt sich in diesem Paradox die Grösse, die hinter dieser Platte steckt: Diese Lieder bestehen vor allem durch sich selbst und nicht darin, wie man über sie reden kann. Das, was in ihnen, so wie es erzählt wird, erzählt wird, lässt sich eben nur in diesen Songs so erzählen.

Gleiches liesse sich über das Titelstück sagen, indem die angeblich 50 Wörter, die Eskimos für Schnee haben, die aber nicht existieren, grösstenteils gesprochen werden - von Stephen Fry. Kate Bush nennt nur jeweils die Nummer und nach 6, 18 und 28 singt sie im Refrain über die verbleibende Anzahl der 50 Wörter. Getrieben wird das ganze von einem Schlagzeugbeat irgendwo zwischen Afropattern und Uptempo-Folk: Hier trommelt Steve Gadd, und die Tatsache, dass die Zahl 50 in dessen bislang grössten Hit auch schon eine Rolle spielte, wird von vielen nicht als Zufall gedeutet - er spielte nämlich den nicht unähnlich groovenden Beat für Paul Simons „50 ways to leave your lover“. Nun denn. (Es sei hier gleich zugegeben, dass nicht mir dies aufgefallen ist.) 

Dieses Album spannt subtile Fäden und Verbindungen zwischen seinen einzelnen Liedern, und wenn man es gehört hat, weiss man mehr über die Möglichkeiten von Pop und über das Leben, von dem Popmusik erzählen kann.

Der einsame Mann und der Sex von Dinosauriern

Sóley und Emmy The Great ringen einer Art europäischem Folk überraschende Aspekte ab

Was genau unter „Folk“ heute zu verstehen ist, kann kaum in einem Text vernünftiger Länge zusammen gefasst werden. Grundsätzlich könnte man sich wohl drauf einlassen, dass unter dem Begriff „verschiedene Stilrichtungen nordamerikanischer geprägter Populärmusik“ bezeichnet werden, wie es auf Wikipedia formuliert wird. Aus den USA kommen in den letzten Jahren so viele verschiedene Formationen, die sich mit Folk identifizieren, oder denen man als Hörer Folk unterstellen könnte, dass sich das Genre ähnlich anderer populärmusikalischer Stile in verschiedenste Sub-Genres zersplittet hat, die kaum noch zu überschauen sind. Immerhin haben sie den Begriff so durchlässig gemacht, dass man heute getrost auch von europäischen Folk sprechen kann, wenn sich europäische MuiskerInnen unter der Schwelle des Indierock an Popmusik abarbeiten, in dessen Zentrum jenseits des für Popmusik immer auch essentiellen Gebrauchswertes das Lied, der Song steht, und die sich dennoch mit Folk eher identifizieren als mit der Singer- und Songwriter-Schublade. Entsprechende Formationen verdienen - vergleichbar mit der Marktstruktur im Mainstreampop - mit Konzertreisen durch mittelgrossen Hallen mehr Geld als mit Plattenverkäufen. Diese Tatsache hat vielen MusikerInnen die Tür zum Popmagazinen und Feuilletons geöffnet, zwei Sängerinnen, über man dies sagen kann, seien heute kurz vorgestellt.

Sóley kommt aus Island und hat mit ihrer Band „Seabear“ auch jenseits von Reykjavik Aufmerksamkeit erregt. Nun ist vor kurzem ihr erstes Solo-Album erschienen, das ich mir in einer sehr hübschen 3-seitigen Vinylausgabe gekauft habe - die vierte Seite ist nicht mit Musikrillen sondern mit Bildern beritzt. Es ist dies extrem stille, getragene Musik von fast einlullender Zerbrechlichkeit, deren Kitsch durch merkwürdige Soundeffekte immer in letzter Sekunde verhindert wird. Hier ein Kratzen, dort ein Beat, der auf dem Tisch geklopft wird, dann wieder komische Instrumente, die man nicht einordnen kann. Vibratofrei singt Sóley in recht typischem Islandenglisch von alten Männern, die in der isländischen Steppe in Einsamkeit leben, von regnenden Vögeln oder von einer mystischen Theater-Insel. Ihre merkwürdigen Sprachbilder, die Naturmetaphern und symbolträchtigen Situationen verbinden sich mit dem Wohnzimmer-Folk nach vier bis fünf Liedern zu einem einheitlichem Ganzen, und man beginnt in Musik und Texte genauer hineinzuhorchen. Eine ideale Platte zum Zugfahren und aus dem Fenster schauen.

Emmy The Great wiederum kommt aus England und hat mit ihrem vor einigen Wochen erschienenen erstem Album auf der Insel teils hymnische Kritiken bekommen. Ihre Musik driftet in klareren Genre-Gefilden als der doch sehr eigensinnige Entwurf von Sóley, Emmy kokettiert mit Country und Pop und verlässt sich auf ihre präsente Stimme in der Mitte eines Hippie-Pop-Folks, auf bestechende Melodien und versierte Songdramaturgien. Ihre Platte ist deutlich hörbar nicht im Wohnzimmer sondern im Studio aufgenommen, die Instrumente perlen glasklar, und Emmy The Greats Songwriting spekuliert über den Sex von Dinosauriern, erzählt das Leben von „Iris“ oder „Sylvia“ in leicht metaphorischen Realismus, wie man das irgendwie wirklich nur in England kann und findet so zu einer intimen, augenzwinkernden Traurigkeit. Eine Platte, die mit ihrer Virtuosität nicht hausieren geht, die sich aber ins Ohr frisst wie ein Parasit, den man nach einigem Zögern willkommen heisst.

 

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Sóley " we sink" - Artist-Page bei Morrmusic < hier >

Emmy The Great ("Virtue") Homepage < hier >

Letzte Woche: „Letzter Sommer“

Eleanor Friedbergers erstes  Solo-Album ist ein einziger Glücksfall

Wenn schon der langjährige Plattenverkäufer, der fast alle Neuerscheinungen des Popmarktes behämmert findet, mit einer Platte wedelt, begeistert ein Meisterwerk ausruft und einem keine andere Möglichkeit lässt, als die Platte ungehört zu kaufen, spricht das nicht nur für grosses Vertrauen in den Fachhändler, es ist in kleinem regionalem Rahmen auch eine kleine Popsensation: Das letzte Album, das erwähnter Händler mir uneingeschränkt empfohlen hatte, Belle & Sebastians „Life Pursuit“, liegt immerhin über fünf Jahre zurück. Letzte Woche also drückte er mir Eleanor Friedbergers „ Last Summer“ in die Hände. Eleanor und ihr Bruder Mathew sind die „Fiery Furnaces“, und dieses Indie-Rock-Duo kurvt seit fast elf Jahren auf ziemlich ungewöhnlichen Pfaden, ihre Songs und (meist Konzept-) Alben sind kryptische Popumwege von ungewöhnlicher Präsenz. Schon hier erweist sich die kaum zu fassende Stimme Eleanor Friedbergers Stimme als Element, das noch die experimentellste Idee zu einer melodischen Einheit bindet. Ihr sprechhafter und immer fast erzählender Tonfall zwingt selbst in der Indie-Disko beim Tanzen zum Zuhören, und wenn sie, wie nun auf dem ersten Solo-Album, auch noch die Songs selber schreibt, entwickelt sich in den weitaus zugänglicheren Stücken ein Sog, dem man sich kaum entziehen kann. Die Kunst, Texte zu schreiben, die beim Lesen keine erkennbaren melodischen oder rhythmischen Strukturen zu haben scheinen, sich aber in der eigenen Singstimme zu Songs formen lassen, erinnert in der erzählenden Virtuosität an die Songwriting-Meisterschaft von Paul Simon. In Kombination mit dem sich aus allen möglichen Musikrichtungen Einzelteile zusammen sammelnden Bandpop ergeben die genau 10 Songs in 40 Minuten ein grossartiges Album von berückender Präsenz und einzigartigem Zuhörerlebnis.

 

"January Songs" ...

... das Album, das höchstwahrscheinlich Platte des Jahres im Popticker wird, ist an für sich noch gar nicht "physikalisch" erschienen - das wird sich jetzt ändern:  Was für ein Glück!

Film about January Songs Cover Art from Darren Hayman on Vimeo.

 

Die Erhu summen kann

Camilles „Ilo Veyou“ ist eine Liebeserklärung an die Musik

Nicht ganz zu unrecht wurden oft drei Neuveröffentlichungen dieses Monats in einem Atemzug gennant: Björk,  Feist und Camille - ich tat dies auch, bin ich doch auch Fan von den Dreien, und sind doch alle drei Sängerinnen letztlich nur ihrem eigenen Referenzsystem verpflichtet und geniessen in diesem Sinne eine im Popmarkt höchst seltene künstlerische Freiheit. Camille, hierzulande die Unbekannteste der drei, in Frankreich die mit Abstand Bekannteste, hat nun also „Ilo Veyou“ veröffentlicht, ihr viertes Studioalbum, ihr drittes Meisterwerk. Was jenseits von jeder nicht ausgestellter musikalischer Virtuosität das Schaffen dieser einzigartigen Sängerin auszeichnet, ist, seit sie singt und musiziert, die merkwürdige Schwebe von flirrendem Kitsch und kompletten Blödsinn, der scheinbare innere Widerspruch zwischen Ernst und Quatsch oder, noch allgemeiner gesprochen, von Ordnung und Chaos. Das kann man schon am Beginn dieser Platte ablesen: Das erste Lied ist nicht mehr als eine in einem Park rhythmisch gesprochene Litanei, heute sei der schönste Tag im schönsten Leben auf dem schönsten Planeten, und offensichtlich ist hier der Tag der Geburt ihres Kindes gemeint; das hört man aber nur aus den Wortfetzen des schnellen Französisch heraus: Der Tonfall ist eher hektisch denn kitschig; und als zweiten Song hört man dann die Petitesse „l‘étourderie“, welches den hektischen Kitsch leicht bremst, und dann kommt ein Streichquartett mit Standbass und betrunkener Gesang, durcheinander gesprochene Kakophonie, Uptempo, trockener Beat, französischer Tom Waits, staccato, ja was kommt denn hier eigentlich als drittes Lied? „Allez, allez, allez“ ist pure Lebensfreude in Musik gegossen, auf der die beiden englisch gesungenen Balladen „Wet Boy“ und „She was“ (die irgendwie an Feist erinnern) folgen, bis es dann wieder jazziger wird und Camille sich beschwert, auf dem Mars gäbe es keinen Strand, es sei öde, und aufgrund der unfassbaren Gravitation könne man auch keinen Sex haben, und das alles hätte nicht im Katalog gestanden: „Mars is no fun“.

Musikalisch ist dieses Album die Quintessenz aus dem Potpourri ihrer ganzen bisherigen Musik: Dem französischen Flair des puren Chansons von „le sac des filles“ (2002), der Sample- und Vokalakrobatik eines der besten Pop-Alben aller Zeiten „le fil“ (2005) und dem Gospelbeatboxing von „Music Hole“ (2008). Auf „Ilo Veyou“ finden sich wieder deutlich mehr Instrumente als auf dem Vorgänger, Camille flirtet zeitweise mit jazziger und kammerorchestraler Instrumentierung, schichtet aber auch wieder merkwürdige Vokal-Effekte und Bodypercussion (wie in dem B-Stabreimexzess „Bubble Lady“ und dem Titellied). Und wenn man sich schon längst in dieses Album verliebt hat, holt Camille noch das ein oder andere Ass auf dem Ärmel - wenn sie in „Le berger“ auf einmal eine chineische Geige, eine Erhu mit dem Mund imitiert und der Klang ihres Summens kurz darauf auch eine afrikanische Flöte sein könnte, oder wenn sie in dem Lied „La France“ behauptet, die Franzosen hätten vor allen Dingen die Fotokopie hervor gebracht, dann fragt man sich, wie um alles in der Welt sie es schafft, diesem Stilmischmaschernstunsinn eine Form zu geben, welcher sich zum Album verdichtet - das kann eben nur sie, das ist einfach eine eigene Liga. Lange Rede, kurzer Sinn: Wer Camille nicht kennt, der gehe bitte jetzt auf der Stelle in den Schallplattenladen und kaufe sich alle ihre Alben. Man muss die haben - Camille! Ilo Veyou, mit anderer Worttrennung!

Camille "Ilo Veyou"

... erscheint heute, wohl die Platte des Jahres für den Popticker ...

 

Kosmischer Appsprung

Gesteinsformationen und Aggregatzustände: Hat Björk noch alle virulenten Tassen im Schrank?

„Biophilia“ ist nicht einfach nur der Name eines Albums von Björk, es ist eine Arbeitsphase in ihrem Schaffen, dessen Zentrum die Platte mit diesem Titel ist. Und um diese Platte scharen sich verschiedenste andere Arbeiten und Kooperationen der isländischen Sängerin: Björk hat mit entsprechenden Experten neue Instrumente gebaut, sie geht mit diesen Instrumenten drei Jahre auf Tour, sie hat eine App für das iPad programmieren lassen, das als Portal für Sub-Apps dient, mit denen sich die musikalischen Bögen einzelner Lieder mittels der appleschen Multitasking-Gesten verändern und remixen lassen, sie hat Filme gedreht, die teils auf den Konzerten, teils im Internet und wohl auf einer DVD zu sehen sein werden. Von allen diesen Vorhaben hat man in den letzten Monaten vieles gehört, wenn man sich für Björk interessiert, nun aber ist zunächst einmal das Album erschienen, wo die Lieder in der Form zu hören sind, wie man Lieder kennt: Man sieht weder selbst gebaute Instrumente noch Apps auf einem Bildschirm.

Die Musik auf dieser CD hört sich erst einmal an, wie sich Lieder von Björk eben anhören: Einerseits organisch, ländlich, landschaftlich und andererseits elektronisch, verstörend, rumorend - diesen inneren Widerspruch treibt Björk auf „Biophilia“ allerdings auf die Spitze. Über allen gebauten Orgeln und daher gezutzelten Beats thront Björks Stimme in diesen merkwürdigen björkschwülstigen Melodien und dem isländischen Englisch-Akzent: Niemand könnte unter diesen Gesang Musik erfinden, niemand könnte auf diese Musik singen. An sich sind die Lieder im Popsinne wieder zugänglicher und prinzipiell auch melodischer geworden als auf den beiden letzten Alben „Medulla“ (2004) und „volta“ (2007), und doch fragt man sich immer wieder und wie immer, ob diese Frau wohl noch alle Tassen im Schrank hat; wenn etwa das erst von einer fast kirchlichen Energie einer Orgel getragene „thunderbolt“ in einen künstlich verlangsamt wirkenden Dub-Bass mündet, der mehr oder minder zufällig zum Ende hin auszuswummern scheint, oder wenn „mutual core“ wahllos dahin driftet, als hätte Björk jede ordnende Macht über ihre Musik verloren, wenn man diese nicht mit einer App zähmt. So ist es dann aber auch wieder nicht: Dieses Album in seiner blossen Album-Form ist so kunstvoll und virtuos ausproduziert, wie man in den letzten zehn, fünfzehn Jahren sicherlich keine Musik gehört hat. Selbst auf meinem mittelmässigen Computer-Lautsprechern erlangen die Songs eine räumliche Dichte, die eine so starke, tragende innere Spannung erzeugen, wie man sie Popmusik eigentlich gar nicht mehr zugetraut hätte. Mir fiel in meiner ersten Begeisterung eigentlich nur eine Referenz ein, das Album „homogenic“ (1997) ebenfalls von Björk. Sie hat tatsächlich die „full artistic controll“, wie sie es einst bei Harald Schmidt sagte, und sie nutzt sie nach wie vor wie keine andere Popsängerin auf diesem Planeten.

Dann sind da aber auch die Texte: Björk singt hier über Viren, Gesteinsformationen, Aggregatzustände, kosmische Kreise und komische Planeten; einerseits macht das Laune und Spass, (wenngleich die Platte dann doch recht humorfrei daher kommt), anderseits aber fragt man sich nach drei, vier Liedern dann schon: Könntest Du, liebe Björk, auch mal über etwas singen, das in dem Kosmos, in dem ich, Dein Hörer, lebe, eine Rolle spielt - und nicht nur in dem von „Biophilia“? Das ist dann aber auch Augenwischerei, denn zweifelsohne: Eine Musik wie diese hat man noch nicht gehört, und das passiert dann eben auch nur alle 10 bis 15 Jahre, das letzte mal ging es mir 1997 so: Erstes Hören von „Homogenic“ auf dem kleinen Ghettoblaster in der Küche der Knaackstrasse 90, Berlin. Nun bin ich gespannt ob ich dieses Erlebnis in diesem Monat zweimal haben darf: Morgen erscheint „Ilo Veyou“ von Camille.

Feiste Zitatfreiheit

Allein auf weiter Popflur: „Metals“ von Leslie Feist

In heutigen Zeiten, in denen die komplette Pop-Geschichte und das dazugehörige Audio-Archiv potentiell jedem zur Verfügung steht, gilt Popmusik dann als clever, wenn sie auf irgendeine Weise auf diese Geschichte verweist. KünstlerInnen, Bands, Alben und Lieder verorten sich sozusagen auf einer dadurch nicht nur vorwärts strebenden Zeitleiste. Die im Feuilleton und einem ganzen Buch in letzter Diskurszeit  vielmals konstatierte Retromanie hat hierbei den Retrosound als das weit verbreitetste Zeichensystem zum geschichtlichen Bezug entdeckt - dennoch ist sie sowohl bei den Pop-ProduzentInnen als auch bei den KonsumentInnen nur einer von vielen möglichen Wegen, auf das eigene Popgeschichtswissen aufmerksam zu machen. Um so erstaunlicher, wenn sich die inzwischen in der Mitte des Pophypes befindliche Leslie Feist einen Dreck um Verweise schert und eine in diesem Sinne vollkommen anachronistische Platte veröffentlicht: „Metals“, letzte Woche erschienen. Die Musik auf dieser Platte verweist eben auf nichts als die Lieder, die sie transportiert, das Album ist frei von jedem Eklektizismus und erweist sich schon bei einmaligem Hören als einzigartig und zeitlos - aber auch anstrengend. Während der kommunenhafte Stil - Feist musiziert auch hier wieder mit Gonzales, Mocky und anderen langjährigen FreundInnen - bei den beiden vorigen Platten immer auch zu einer Berlincafé-tauglichen Fröhlichkeit und eben zu reinem Pop führte, erfordern die neuen Songs gründliches Zuhören, und an dieser Stelle müsste ich diese Kritik dann auch schon wieder beenden: Gründlich zugehört habe ich noch nicht. Ich wollte aber nicht versäumen auf Feist und ihre neue Platte begeistert hinzuweisen, bevor morgen dann noch zwei Platten erscheinen (Peter Gabriel & Björk), die viel Aufmerksamkeit erfordern und meine dann wohl eher komplett in Anspruch nehmen werden. Also: Feists „Metals“, wunderbar!