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Uncool ...

... ist das neue Cool?

Norah Jones gilt als so uncool, dass der Spiegel-Rezensent ihres neuen Albums sich einer List bediente, um die neue Platte gut zu finden, und trotzdem vor sich selber bestehen zu können: Das Album „little broken hearts“ sei in Wirklichkeit eine Danger Mouse-Platte, auf der Norah Jones zu Gast sei. Das ist natürlich purer Selbstbetrug und in seiner dogmatischen Norah-Jones-Ablehnung völlig peinlich - Tatsache ist, dass Danger Mouse als Produzent durchaus seine Spuren in der Musik von Jones hinterlassen hat; aber natürlich ist das ihre Platte, ihre Musik und der recht neue Sound vor allem ihr Werk. In den soften Jazzfolk der unfassbar erfolgreichen Sängerin, Songschreiberin und Keyboarderin mischten sich schon auf den letzten beiden Platten, in deren Verlauf sie auch ihre Band komplett auswechselte, Flowerpower Harmonien und -Effekte, die Danger Mouse nun noch mit einigem elektronischen Spirenzchen, Beats und Gitarren unterstreicht. Zudem schiesst er Jones‘ Stimme hin und wieder durch leicht verfremdende Effekte, wodurch das Album hier und da ein wenig moderner klingt - aber das ist bei allem Respekt für Danger Mouse in Wirklichkeit Pipifax. 

„Little Broken Hearts“ lässt den Pop deutlicher durch die Hintertüren, die bei Norah Jones schon immer offen standen, andererseits wirkt die Musik aufgeladener, nachdenklicher, trauriger. Aus diesen beiden scheinbar widersprüchlichen Tendenzen, deren Ursprung im Songwriting zu suchen ist, schichtet sich das Album zu einem sehr homogenen Ganzen, ohne die einzelnen Lieder nur als Teil eines Albums zuzulassen. In den besten Momenten erinnern die Stücke auf ähnliche Weise an trockene Soundtrack-Perlen eines Roadmovies, wie das auch schon bei der Pseduo-Filmmusik und von „Rome“ der Fall war (- auch eine Norah Jones / Danger Mouse -Kollaboration zusammen mit Jack White und Daniele Lupi, bei dessen fiktivem Filmgenre weniger ein Roadmovie denn ein Spaghettiwestern Pate stand). "Little broken hearts" ist eine Norah-Jones-Platte über gebrochene Herzen - nicht mehr und nicht weniger. 

You keep singing it

Esperanza Spalding versöhnt zwei Stile, die sonst nicht oft zueinander finden

Irgendwie haben Pop und Jazz Probleme miteinander. Es gibt zwar den Genrebegriff des Jazzpop, aber es dürfte mehr Menschen geben, die diese Bezeichnung eher als Beleidigung ansehen - als einen ernstzunehmenden Musikstil. Selbst der begnadete Pianist und Entertainer Jamie Cullum hat Probleme von Jazz-Puristen anerkannt zu werden, (und die wahrscheinlich als Verrat ansehen dürften, wenn Cullums Komposition „Standing Still“ nun mit Roman Lob als Interpreten zum Eurovision Songcontest antritt), und Norah Jones, die, das sei des thematischen Doppel-Links wegen erwähnt, gestern einen recht lustigen Auftritt bei Stefan Raabs „TV total“ hatte, diese Norah also gilt unter Pop-Fans wie Jazzern eher als Warmduscherin - auch wenn sie 30 Millionen Platten verkauft hat.

Nun hat die Komponistin, Vokalistin und Bassistin Esperanza Spalding ein Album eingespielt, das mit seinem programmatischen Titel „Radio Music Society“ fast schon als Vermittlungsausschuss zwischen Pop und Jazz in Albumform gelten kann und auch Hörer aus beiden Lagern finden dürfte. Man könnte fast sagen, Spalding benutzt die musikalischen Strukturen des Jazz, um auf den Oberflächen eines funktionalen Popsongs subtile Komplexität zu erzeugen. Ihre Lieder gleiten zunächst widerstandslos durch die Boxen, evozieren dann aber immer wieder den Effekt der staunenden Nachfrage, wie um alles in der Welt sie singt, um im selben Moment auf dem Bass komplett gegenläufige Rhythmen und Melodien zu zupfen - ihre Musik spielt sie offenbar grundsätzlich so ein, dass sie Bass und Stimme in einem Take aufnimmt. (Ein ähnlichen Effekt habe ich übrigens, wenn ich Lianne La Havas höre, die freilich nicht Bass spielt - sondern Gitarre) - in jedem Falle erzeugen Esperanza Spaldings neue Lieder einen inneren Sog der Unwiderstehlichkeit, den sie im gewissen Sinne im Fast-Titel-Lied „Radio Song“ selber besingt: „This song‘s the one - even though you never heard it you keep singing it along“ beschreibt den Pop-Effekt des Wieder-Erkennens vom etwas, das man noch gar nicht kennt fast schon wortwörtlich. Der Song stolpert mit seinem verschleppten Pattern-Beat durch zwei B-Teile, dezent variierten Refrains und Strophen, und erzeugt einen Lächeln auf des Hörers Lippen - worauf auch das Video beruht, das man neben 11 weiteren Kurzfilmen mit der Deluxe-Version dieses Album auf DVD bekommen kann.

Die Stilsicherheit des Spaldingschen Soul-Jazz-Pop-Funks ist unerreicht, ihr Bass-Spiel ist von zieseliger Virtuosität, ihre Stimme ist von drängender Wärme und Schönheit, bekannte Songstrukturen treffen auf plötzliche 7/4-Takte, merkwürdige Posaunen-Soli oder treffsichere Hammond-Flächen - das Album ist ein Glücksfall, und es adelt den Musikgeschmack des amerikanischen Präsidenten: Barack Obama ist wie ich Fan von dieser Dame mit der gigantischen Kugel-Frisur.

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Auf Esperaza Spaldings Website kann man in das aktuelle Album mehr als reinhören, Lianne La Havas hingegen verschenkt derzeit eine Live-EP (Link via tonspion)

Raketen-Treibstoff

Die nächste Supergroup bitte

Damon Albarn ist inzwischen fast schon so etwas wie ein Supergroupmaniac - einer, der permanent Bands mit mehr oder minder ziemlich bekannten Mitmusikern gründet. Abgesehen von „the good, the bad & the queen“ (mit Verve-Gitarrist Simon Tong, Clash-Bassist Paum Simonon and Fela Kuti-Drummer Tony Allen) kann man die für wenige Konzerte wiedervereinigten Blur auch schon als Supergroup bezeichnen, während  Albarn seine Gorillaz von einer ehemaligen Comicband inzwischen in einen Pool von GastmusikerInnen überführt hat, um nun erneut eine Band zu gründen. Wieder mit dem Erfinder des Afrobeat, Tony Allen, am Schlagzeug, Red Hot Chilly Pepper-Bassist Flea und wechselnden SängerInnen gibt es nun eine Platte unter dem Bandnamen „Rocket Juice & The Moon“, bei der Pop-Mastermind Damon Albarn wohl ganz bewusst hinter der Idee dieser Formation verschwindet: Er singt nur auf zwei der knapp 20 Stücke (Blur-Fans sei „Poison“ ans Herz gelegt) und spielt sonst Gitarre, Melodica oder  andere Tasteninstrumente. So ist diese Platte dann auch ein buntes Sammelsurium an Ideen, Richtungen und Spleens, den verschleppten Drums von Tony Allen Melodien und Songs abzuringen, mal instrumental, mal mit Erykah Badu oder Fatoumata Diawara, die singen oder dem nigerianischen Vokalisten M.anifest, der rappt. Die Aufnahmen sind relativ ungeformte Fixierungen von Jam-Sessions und finden für mich vor allem dann zu einer hörenswerten Struktur, wenn die wunderbare Fatoumata Diawara singt: Ihre zerbrechlichen Phrasierungen, die sie für den deutlichen stilleren Stil ihrer Debütplatte kultiviert hat, findet in dem rauen Bass von Flea und den relaxten Beats Tony Allens ein überraschend passendes rhythmisches Fundament, das ohne sie hin und wieder in die Beliebigkeit und Längen einer forschenden Improvisation driftet.

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts (2000 - 2010) Folge 18: Dixie Chicks „Not ready to make nice“

Es mag verwunderlich anmuten, diese meine Kategorie fortzusetzen, nachdem das betreffende Jahrzehnt nun mehr schon eineinhalb Jahre vorbei ist, aber nicht zuletzt, weil ich, wie ich durch meine Statistiken weiss, dass diese Reihe der perfekten Hits sich nach wie vor grosser Beliebtheit erfreut, muss ich sie eben durch die Songs, die einfach herein gehören, ergänzen - und bei manchen wird mir das eben erst eineinhalb Jahre später klar: „Not ready to make nice“ ist jedenfalls ein Lied, das ich noch ergänzen muss, und das liegt nun gar nicht daran, dass es ein übermässig grosser Hit gewesen wäre; vielmehr scheint diese Kategorie ja auch mehr und mehr Lieder zu behandeln, die in irgendeiner Form das Popjahrzehnt repräsentieren, und dies kann man definitiv über diesen Song der Dixie Chicks sagen: Der Song handelt rückblickend von dem Skandal, den die Sängerin und Songautorin Natalie Maines bei einem Konzert 2004 in London auslöste, als sie sagte, sie schäme sich, wie Präsident George Bush aus Texas zu kommen. Diese Aussage, von Maines und den anderen Dixie Chicks zunächst relativiert und dann immer mehr unterstrichen, verursachte eine Protestwelle bei der traditionell eher konservativen Country-Hörerschaft: Boykott von Radiostationen, Morddrohungen und Dixie Chicks-CD-Verbrennungen waren die Folge; zwei Radio-DJs, die sich dem Boykott ihres Arbeitgebers widersetzten und Dixie Chicks spielten, verloren ihren Job. 

Dieser hysterischen Situation begegneten Natalie Maines, Emily Robinson und Martie Maguire 2006 mit dem wutentbrannten und daher ungemein politischen Album „Taking The Long Way“, eine stimmige Sammlung voller musikalischer Perlen amerikanischer Songwriterkunst - der tolle Dokumentarfilm „Shut up and sing“ erzählt nicht zuletzt die Entstehung dieses wunderbaren Albums; und „Not ready to make nice“ bildete sozusagen das thematische Zentrum dieser Platte: „Forgive sounds good, forget - I don‘t think I could“ singt Maines da, und der B-Teil zitiert aus einer Morddrohung, den sie per Post erhalten hatte: „it’s a sad, sad story that a mother will teach her daughter that she ought to hate a perfect stranger; and how in the world can the words that I said send somebody so over the edge that they write me a letter, [and] say that I better shut up and sing or my life will be over?“ - der Song kommt als Ballade daher und ist doch so voller Wut und Empörung: Mit stillem Riff steigt er ein, kommt im zweiten Teil der zweiten Strophe zu einem seichten Beat und bäumt sich dann zum ersten Refrain auf, bevor er sich dann rasch in erwähnten B-Teil aufmacht, bei dem man meint, Maines könne nicht aufhören zu reden, zu singen, weshalb dann erst einmal ein Refrain ohne Gesang folgt, Atempause mit Fiddle und E-Gitarre, nach dem dritten Refrain dann werden wieder Beat und Instrumente heraus genommen, und der Song fadet in ein offenes Ende: Einfache Mittel, grosse Wirkung, ein Meisterwerk, gekonnt ausproduziert von Rick Rubin, Grandios.

Kairostacheles

Ein neues Album von MIA.

Dass Bands Pop musizieren, ist letztlich eine Idee der 80er. Gerade weil in dieser Ära zunächst eine strikte Trennung zu herrschen schien - Rock von Bands, Pop von SolointerpretInnen -, fingen plötzlich Bands an, das Kollektive des Rock mit der verheissungsvollen Oberfläche des perfekten Popsongs zu fusionieren. Formationen wie Blow Monkeys, Aztec Camera, Prefab Sprout oder Cutting Crew, um nur einige zu nennen, verwoben den Revoluzzer-Gestus der Gitarre mit blubbernden Synthies und catchy Melodien, und irgendwo dazwischen werkelten Duos an ähnlichen Ideen: Eurythmics, Erasure, Pet Shop Boys - ob Duo oder Band: Es stand immer der Popentwurf im Vordergrund, der Song, der Sound, der Klang - nicht die Frontsängerin oder der Frontsänger. Das wiederum heute auch noch Pop von Bands musiziert wird, ist fast schon der Trend der Stunde: Hot Chip, Metronomy, Miike Snow, um erneut nur einige zu nennen, sind heutige Bands, denen die Suche nach dem perfekten Popsong schon einige Hits eingebracht hat. Um so merkwürdiger, dass man Mia., die eigentlich denselben genetischen Popcode zu haben scheinen, nicht zu würdigen weiss: Seit nunmehr 15 Jahren und 5 Alben werkeln Mieze und ihre Mitstreiter am Bandpopsound mit deutschen Texten, und auch ihnen ist die Suche nach Verdichtung ihres Popentwurfs auf diesen einen catchy Moment schon ein ums andere mal mit dem ein oder anderen Hit geglückt: „Hungriges Herz“, „Tanz der Moleküle“ und jetzt eben "Fallschirm" - in diesen Liedern ist Bandsound und Pop untrennbar miteinander verbunden, und in diesem Popentwurf sind MIA. schlicht und ergreifend einzigartig in der deutschen Poplandschaft.

Das neue Album heisst „Tacheles“, und obgleich MIA. eine dreijährige Auszeit genommen haben, haben sie am grundlegenden Konzept nicht viel verändert. Die Idee allerdings, dass ständig bewehrte Konzepte über den Haufen geworfen werden müssen, ist noch nicht einmal in der Hochkultur mehr weit verbreitet - geschweige denn in der Popmusik. Man kann es eben auch umgekehrt sagen: Was MIA. wollen, das beherrschen sie perfekt und bis in die Fingerspitzen. Das grundlegende Problem an dem, was sie machen, liegt vielleicht eher darin, dass sie sich dem Kairos, diesem einem gebündelten Euphorieschub in Musik gegossen, so verschrieben haben, dass bei vielen Mia-Liedern hintereinander weg gehört, sich die Bereitschaft auf die scheinbare Oberfläche einzulassen, ein wenig nachlässt - anders gesagt: Sie sind halt eine Single- und Live-Band und weniger eine Alben-Band. Aber wer will ihnen das verübeln.

So sehr man nämlich sagen kann, dass MIA. ihren Stil kaum verändert haben, so sehr ist es doch auch verblüffend, wie gekonnt sie ihn variieren und wie virtuos sie die Feinstellschrauben des MIA.schen Popsystems verdrehen, so dass ohne grundsätzlich neue Zutaten wieder andere Songrezepte entstehen. "Am Tag danach" zum Beispiel verschwurbelt tiefen Synthiebass mit trockenem Klavier und anfangs eintönigem Singsang, bevor es dann chorisch gesungen in einen Diskostampfer einbiegt. "Brüchiges Eis" verstopft sich selber in  einen Sprechgesang, bevor es zur kitschigen Klavierballade wird. Der Opener "Sturm" kommt als fast schon unmiasche Gitarren-Uptempo-Nummer daher und klingt überraschend wütend - so lange also solche Songs entstehen, kann diese Band von mir aus gerne einfach so weiter machen.

Würde und Klarheit

Das Debut-Album von Fatoumata Diawara aus Mali

Als mündiger Pophörer will man ja eigentlich nicht seine potentiellen Neuentdeckungen von undurchschaubaren Algorithmen abhängig machen, die hinter den Webseiten von beispielsweise Amazon herum flirren und Vorschläge machen, was einem gefallen könnte. Als Popticker hat man ja eher sogar umgekehrte Ansprüche, Leser auf randseitige Popmusik aufmerksam zu machen, und wenn man was Neues sucht, geht man in den Plattenladen seines Vertrauens, fragt oder stöbert. Hat dieses mal alles nix genutzt: Zwar habe ich beim Stöbern und Fragen bei Zardoz die Platte „Fatou“ von Fatoumata Diawara gefunden, aber ich hatte die Möglichkeit, dass das gut ist, schon längst verworfen, weil Amazon sich bereits sicher war, mir könnte diese Platte gefallen. Welche Kalkulationen dem auch immer also zugrunde lagen: Nie lag bei meinem Geschmack ein Amazon-Algorithmus näher als bei dieser Empfehlung: Das auf dem grossartigen Label Worldcircuit erschienene Debut-Album der in Paris lebenden Sängerin, Gitarristin und Songwriterin  Fatoumata Diawara aus Mali ist von seltener Schönheit, die Platte schifft um Gospel, Folk, Jazz und grossartigen Chorsätzen - aus Diawaras  Stimmen geschichtet - zu sanft akustischen Weltmusik-Ufern. Ihre Lieder sind Songs, die zu Frieden, Weisheit und Lebensfreude aufrufen, sie haben die hoffnungsvolle Traurigkeit des Blues und die verlangsamte Polyrhythmik des Afropop. Viele Beats, die unplugged durch die Lieder dotzen, scheinen ihren Ursprung in Fatoumata Diawaras Gitarrenspiel zu haben. Ihre Anschlag ist virtuos rhythmisch, ihre Gitarre ist ein melodisches Schlag-Instrument, und ihr Gesang schwebt über den von ihrer Band ausgebauten Patterns: Eine von sanfter Kraft, Melancholie, Spielfreude, Schönheit und wunderbarer Instrumentierung durchzogene Musik von grosser Würde und Klarheit.

Warmduschen mit gefährlicher Maus

Norah Jones nimmt glückliche Pillen

Vor ziemlich genau zehn Jahren erschien das Debut-Album von Norah Jones „Come away with me“. Ihr Label, Blue Note, hoffte insgeheim auf ein Überraschungserfolg von etwa 300.000 verkauften Platten. Stand heute wurde das Album 20 Millionen mal verkauft: Die seichte Mischung aus Jazz, Folk, Country und Pop in Kombination mit Jones‘ einprägsamer, leisen und gleichzeitig unglaublich vollen Stimme traf einen Nerv, das Album wurde zur Konsensplatte - trug ihr aber auch den nachhaltigen Ruf ein, von dem Erfolgsrezept fortan nicht mehr abzuweichen und sich als Warmduschjazzerin zu ergehen. Dieser Back-Clash lenkte von der Tatsache ab, dass sich in Jones‘ Musik durchaus die Prioritäten verschoben. So etablierte sich die Sängerin und Keyboarderin als zuverlässige Duettpartnerin in unterschiedlichsten Musik-Genres - das Album „… featuring Norah Jones“ gibt hier einen hörenswerten Überblick -, während sie mit ihrer Band zusammen den Grundsound ihrer Musik mehr in Richtung Folk bugsierte und zunehmend einen Klang einwob, der seine Melodien aus den 70ern und wiedererkennbaren Flower-Power-Harmonien zu holen schien. Das letzte Album „The Fall“ war insgesamt zeitgemässer als Norah Jones Ruf. Im letzten Jahr erschien mit dem Pseudo-Italo-Western-Soundtrack „Rome“ von Daniele Lupi, Danger Mouse, ihr und Jack White eine Platte, bei der Jones erstmalig die Bravheit ablegte, die viele an ihr langweilig finden. Und Pop-Superhirn Danger Mouse ist es nun auch, der Norah Jones‘ am ersten Mai erscheinendes Album produziert hat - das lässt dann schon aufhorchen. Die soeben erschienene erste Single „happy pills“ allerdings lässt nun nicht gerade darauf schliessen, dass Jones einen kompletten musikalischen Wandel vollzogen hat: Der Uptempo-Song plätschert in jenem lapidaren Folkjazzgewand durch die Boxen, den nie zu verlassen ihr gerade unterstellt wird. Da Norah Jones aber sicherlich keine Single-Künstlerin ist, sondern sich ihr Pop-Entwurf in seinen leichten Variationen erst mit einem ganzen Album erschliesst, muss man auf exakt dieses Album, „… little broken hearts“ betitelt, erst einmal warten, um sich ein Bild zu machen. Vorerst bleibt zu sagen: „Happy Pills kann man auch wieder öde finden - ich mag‘s trotzdem.

Die Umwucht des Wahns

"Paralytic Stalks" von of Montreal ist unüberraschender Weise wieder ein Feuer- und Meisterwerk an Überraschungen

Keine Band der Welt schafft es gleichzeitig komplette Hysterie und innige Sehnsucht nach Harmonie in eine Musik zu giessen - ausser „Of Montreal“, jene Band rund um Sänger und Kopf Kevin Barnes, der nun gerade wieder zugeschlagen hat: „Paralytic Stalks“ heisst das neue Album, und es zerbirst wieder vor Ideen, die andere nicht in zehn Alben haben. Der Popentwurf, der dem ganzen Wahn hier zugrunde liegt, ist in der Tat paralysierend, und lässt einen auch nicht mehr los, als würde man von dieser Musik gestalkt. Was passiert hier? Ein Rhythmus, merkwürdige Gitarren, aus der Ferne mehrstimmige Kevin-Barnes-Chöre, die Main-Vocals über das Wah-Wah gesungen, Breaks und dazwischen Melodien, die klingen wie Beatles-Left-Overs, dann wieder Bandrock, bis man merkt: Irgendwohin sind die jetzt zurückgekehrt, das habe ich schon mal gehört - eine Songstruktur? Wohl schon, aber zerborsten von merkwürdigen Störfeuern, Löchern, die im nächsten Moment von bombastischen Streichern zugeklebt werden, bis sich die Streicher wieder in 12-Ton-Musik zergehen. Neues Lied? Nein, das ist noch dasselbe, doch nicht? Man weiss es nie so genau, schon gar nicht bei diesem neuen Werk, bei denen die Lieder, so sie als solche eben identifiziert werden können, auch noch nahtlos ineinander übergehen - gerade kommt aus dem Nichts ein Samba namens „malefic dowery“, welcher mit Beach-Boys-Chören und dramatisch flimmernden Flöten aufwartet und der im Verhältnis des Gesamtalbums irgendwie ganz bleibt, was nach 20 Minuten dieser Platte fast noch verstörender wirkt als die Umwucht des Wahns, der Wahn der Umwucht, die Wucht des Umwahns - oder wie immer man das nennen will. Hier ist wirklich nichts so, wie man Popmusik vorher kannte - noch nicht mal die von Of Montreal auf den vorigen Platten. Neben Beatles und Beach Boys fallen einem noch siebenhundert andere Parallelen ein - meist Wahnsinnige mit „P“: Prince, Pink Floyd, PIL, Pet Shop Boys, Peter -Fox, -Licht und -Gabriel - irgendwann fragt man sich: Was müssen das für Irre sein? Ich mach das jetzt aus.

Perlen im Datendschungel: Ariana Delawari "Heart breaks, Love waits"

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Bei Ariana Delawari weiss man eigentlich nie so genau, was einen erwartet: Kennen gelernt habe ich sie mit einem David Bowie-Cover, Ihre wunderbare Platte "Lion of Banjshir" war dann aber so ganz und gar nicht elektronisch wie ihr Ziggy Stardust" - sondern ein Album irgendwo zwischen San Franciso und Afghanistan, was Melodien, Instrumente und Attitüde anbelangt. Und jetzt das hier: Fein, still, pur, ein Liebeslied.

Perlen im Datendschungel 23: Aria Delawari (live, unplugged, im Studio) "Heart breaks, Love waits"

Die Medaillenhoffnung

Anfütterung des Albuminteresses an und seitens Lana Del Rey

Wenn am 27. Januar das Album von Lana Del Rey erscheint, dürfte es interessant sein, das Hype-Timing dieser Veröffentlichung einmal genauer unter die Lupe zu nehmen: Die Marketingmaschinerie dieses auf globalen Erfolg gemünzten Instant-Popstars funktioniert über eine an sich befremdliche Veröffentlichungsreihenfolge, die letzten Endes darauf hinaus läuft, den Hype auf den Punkt auszutrainieren wie eine Medaillenhoffnung bei einer Olympiade. Dem lapidar-viralen YouTubeVorspiel folgte eine Anfütterung des geweckten Interesses mit einigen wenigen Konzerten, Interviews und Artikeln, dem nun ein neues Video folgt, welches wiederum offensichtlich nicht die neue Single - sondern den Titeltrack des Albums bebildert: „Born To Die“. Darin sitzt Lana Del Rey zunächst umrahmt von zwei Tigern in einer Kirche bevor sie in den Wagen eines jungen Mannes steigt, der vor einem Schloss steht; später Kuss- und Bettszenen zu einem pathostrunkenem Track, welcher im ziemlichen Gegensatz zum desinteressierten Gehauche Del Reys Gesangs steht.

Interessanter ist da schon der Titel, der nun auch käuflich zu erwerben ist - ohne Bilder. „Off The Races“ ist ein astreiner Elektropopsong, an dem der lanasche Gesangsstil eleganter und ohne alle Retro-Anleihen entlang schlendert, und der dem Synthie- und Streicher-Schwulst von „Born To Die“ oder „Video Games“ weniger Stellenwert einräumt bzw. ihn weiter im Hintergrund und damit subtiler einsetzt. Spätestens mit diesem neuen catchy Uptempo-Song muss man all die Parallelen zu Nancy Sinatra, oder wer nicht sonst noch so alles genannt wurde, noch mal überdenken: Lana Del Rey ist heutiger, als sie sich zunächst gab, und möglicherweise ist das in diesem Monat erscheinende Album einfach nur astreiner, zeitgemässer Autorinnenpop mit Generalstabshypetiming.