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Popticker-Lexikon: Aufmerksamkeitsmanagement

Aufmerksamkeitsmanagement // In Zeiten der Omnipräsenz der Medien ist die Aufmerksamkeit, die eine Person im Fernsehen erzielen kann, ein seltenes Gut, eine Ressource also, die man verwalten, managen kann. Unseliger Weise war es die Musikindustrie, die als erste Verstand, daß man, wenn man die Aufmerksamkeit chronologisch kanalisiert und damit dramaturgisch strukturiert, Kapital daraus schlagen kann, und sie erfanden die Castingshows. Hier wird Aufmerksamkeit, die den jeweiligen Kandidaten zuteil wird, vermarktet, und um sie zu erzielen, ist diesen Kandidaten zunächst einmal jedes Mittel erlaubt: Singen, Sex, Tumbheit - ­egal. Um dennoch die Illusion hochzuhalten, es ginge um Musik, wurde dem Zuschauer, dessen Aufmerksamkeiten durch die Telekom gemessen wird, ein Kompetenzteam zur Seite gestellt, welches Jury genannt wurde - deren Urteil freilich spielt in den meisten der verschiedensten Reglements nur eine dem anrufenden Zuschauer untergeordnete Rolle. Die Jurys in dem Dilemma durch die Illusion, es ginge um Musik, begründet zu sein, erfanden rationale Kriterien, die einem angeblich Zugang in die Welt des Pops gewähren: Singen können, tanzen können etc. Dabei war und ist Qualität natürlich niemals ein Kriterium von Pop. Unabhängig davon hatte die Musikindustrie mit dem Boom dieser Shows ein ungeahntes Problem: Sie schalteten wochenlange Werbeblöcke für Produkte, die es zum Zeitpunkt dieser Werbung noch gar nicht gab, denn diese Produkte sind die Platten derer, die zur Belohnung für die wochenlangen Strapazen eine machen dürfen. Um diese Platten zu produzieren bleibt dann weniger Zeit, als es zuvor für die Werbung gab, und dieser Umstand hat dazu geführt, daß weltweit noch keine Castingshow in der Lage war, Musik hervorzubringen, die über das Besingen kalt vorproduzierter Hit-Ladenhüter-Tonspuren hinaus geht. Ausnahmen bilden allenfalls Will Young und Lena Meyer-Landrut.

Popticker-Lexikon: Popthentizität

Popthentizität // Ob zerstörte Ehen, von denen der Hörer weiss, oder street credibility: Pop braucht Ehrlichkeit; und Pop und Authentizität, das ist erst einmal ein Gegensatzpaar. Die Künstlichkeit von Popmusik, jenes ganz und gar irreal oberflächliche Medium, ist so evident, dass man die InterpretIn ja eben gerade als Popstar verehren will - unabgelenkt ob deren störender Privatheit. Trotzdem versucht der Popinterpret als Künstler, sich in irgendeiner Form in der Musik wieder zu finden, und der Hörer verlangt nach einem irgendwie gearteten Konzept, dass dies geschieht - rein maschinierte Musik, wie im Techno teils versucht, hat sich als Irrweg erwiesen. Da sie also zunächst ein Widerspruch zu sein scheint, liegt es nahe, der Authentizität im Pop einen eigenen Begriff zuzuweisen. Hier ist er: Die Popthentizität.

Die Popthentizität ist ein relativ zentraler Bestandteil der heutigen Popmusik. In Zeiten, in denen die Popkultur sich durch uniformierte Träger definiert, deren Inhalte den Träger individualisieren (Klingeltöne auf Handys, mp3s auf iPods, Handyschmuck an Handys), bedarf es einer Absicherung, dass ein Popstar als solcher auch noch eine private Identität hat. So leben Castigshows ja gerade aufgrund des Reizes, dass die Kandidaten zu Beginn der Behauptung, sie könnten es zum Popstar schaffen, es eben nicht sind, und dass sie ein Teil dieser Verheissung im Normalen in ihr Popstardasein mitnehmen - wie das zum Beispiel allen Unkenrufen, sie sei überheblich geworden, zum Trotz, Lena Meyer-Landrut gelungen ist.  Andere Stars wie zum Beispiel Robbie Williams leben unter auch davon, dass man weiss, dass der da oben stellvertretend für mich und Millionen anderer durch Himmel und Hölle gegangen ist und nun - unabhängig von der Banalität seines Singmaterials - davon berichten kann. Dem popthentischen Popstar steht einerseits das Heer gänzlich virtueller Klingeltonperformer wie dem bekloppten Frosch, Schnuffel oder dem ruppigen Schaf entgegen - und andererseits anonymisierte US-Popstars, die sich in reiner und realitätsferner Lifestyle-Inszenierung ergehen (beispielsweise Lil Wayne oder Rihanna). Die Popthentizität erscheint hierbei als Definitionsrahmen zweier völlig gegenläufiger Tendenzen im Pop: Ihr vollständiges Verschwinden und ihr Triumph. Der Moment, wo sich diese beide Kulturen von Pop diametral gegenüberstanden war im Mai 2005, als der bekloppte Frosch Coldplay von der Spitze der britischen Charts vertrieb. Die nach Popthentizität sehnsüchtigen Hörer verstanden die Welt nicht mehr.

Dass man für heutigen Pop ein Mass an Popthentizität benötigt, beweist nicht zuletzt das Scheitern des aktuellen Madonna Albums: Die auf den Oberflächen des Pop inszenierte Super-Woman ohne Alter und mit erotischer Verheissung nervt selbst Hardcorefans - hätte Madonna doch als berühmteste Frau des Planeten und alleinerziehende Mutter sicherlich Interessanteres zu erzählen als von Teenagerinnen, die sich vornehmen, crazy durch die Nacht zu tanzen.

Perlen im Datendschungel: Brett Domino Trio

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Die post-strukturellen Pop-Hit-Dekonstruktionen des Duos "Brett Domino Trio" sind dem ein oder anderen vielleicht schon auf dem viralen Wege untergekommen: Mit ihren Synthesizern und britischem Nicht-Gesinge wirken sie dilettantisch, um im nächsten Moment als Virtuosen der Schnittkunst wieder durch die Po-Hintertür zu kommen: Alles, was sie scheinbar auseinander nehmen, setzen sie wieder neu und auf das, was es vorher war erhellend, zusammen. Ihr bislang grösstes Werk ist dieses Justin Timberlake-Medley.

Perlen im Datendschungel 28: Brett Domino Trio "Justin Timberlake Medley"

 

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts (2000 - 2010) Folge 18: Dixie Chicks „Not ready to make nice“

Es mag verwunderlich anmuten, diese meine Kategorie fortzusetzen, nachdem das betreffende Jahrzehnt nun mehr schon eineinhalb Jahre vorbei ist, aber nicht zuletzt, weil ich, wie ich durch meine Statistiken weiss, dass diese Reihe der perfekten Hits sich nach wie vor grosser Beliebtheit erfreut, muss ich sie eben durch die Songs, die einfach herein gehören, ergänzen - und bei manchen wird mir das eben erst eineinhalb Jahre später klar: „Not ready to make nice“ ist jedenfalls ein Lied, das ich noch ergänzen muss, und das liegt nun gar nicht daran, dass es ein übermässig grosser Hit gewesen wäre; vielmehr scheint diese Kategorie ja auch mehr und mehr Lieder zu behandeln, die in irgendeiner Form das Popjahrzehnt repräsentieren, und dies kann man definitiv über diesen Song der Dixie Chicks sagen: Der Song handelt rückblickend von dem Skandal, den die Sängerin und Songautorin Natalie Maines bei einem Konzert 2004 in London auslöste, als sie sagte, sie schäme sich, wie Präsident George Bush aus Texas zu kommen. Diese Aussage, von Maines und den anderen Dixie Chicks zunächst relativiert und dann immer mehr unterstrichen, verursachte eine Protestwelle bei der traditionell eher konservativen Country-Hörerschaft: Boykott von Radiostationen, Morddrohungen und Dixie Chicks-CD-Verbrennungen waren die Folge; zwei Radio-DJs, die sich dem Boykott ihres Arbeitgebers widersetzten und Dixie Chicks spielten, verloren ihren Job. 

Dieser hysterischen Situation begegneten Natalie Maines, Emily Robinson und Martie Maguire 2006 mit dem wutentbrannten und daher ungemein politischen Album „Taking The Long Way“, eine stimmige Sammlung voller musikalischer Perlen amerikanischer Songwriterkunst - der tolle Dokumentarfilm „Shut up and sing“ erzählt nicht zuletzt die Entstehung dieses wunderbaren Albums; und „Not ready to make nice“ bildete sozusagen das thematische Zentrum dieser Platte: „Forgive sounds good, forget - I don‘t think I could“ singt Maines da, und der B-Teil zitiert aus einer Morddrohung, den sie per Post erhalten hatte: „it’s a sad, sad story that a mother will teach her daughter that she ought to hate a perfect stranger; and how in the world can the words that I said send somebody so over the edge that they write me a letter, [and] say that I better shut up and sing or my life will be over?“ - der Song kommt als Ballade daher und ist doch so voller Wut und Empörung: Mit stillem Riff steigt er ein, kommt im zweiten Teil der zweiten Strophe zu einem seichten Beat und bäumt sich dann zum ersten Refrain auf, bevor er sich dann rasch in erwähnten B-Teil aufmacht, bei dem man meint, Maines könne nicht aufhören zu reden, zu singen, weshalb dann erst einmal ein Refrain ohne Gesang folgt, Atempause mit Fiddle und E-Gitarre, nach dem dritten Refrain dann werden wieder Beat und Instrumente heraus genommen, und der Song fadet in ein offenes Ende: Einfache Mittel, grosse Wirkung, ein Meisterwerk, gekonnt ausproduziert von Rick Rubin, Grandios.

LISTEN! LISTEN! LISTEN! (14)

Zahlen als Songtitel auf meinem iPod

NUR ZAHLEN:

Wyclef Jean "911" // t.A.T.u. "220" // Ida "599" // Bertine Zetlitz "500" // Jam Nation "454" // Lily Allen "22" // Youssou N'Dour "4-44-444" // Feist "1234" //Camille "1, 2, 3" // Beyoncé "1+1" // Radiohead "2+2=5"

JAHRESZAHLEN:

Phoenix "1901" // Francois Breut "2013" // Sophie Hunger "1983" // Peter Doherty "1939" //

ANZAHLEN:

 1 giant leap "1 small step" // Ludo Pin "2 secondes" // Kylie Minogue "2 hearts" // Björk "5 years" // Hjaltalin "7 years" // Sportfreunde Stiller "7 Tage, 7 Nächte" // Youssou N'Dour & Neneh Cherry "7 seconds" //Regina Spector "20 years of snow" // Die Fantastischen Vier "30 mark" // t.A.T.u. "30 minutes" // Jovanotti "30 modi per salvare il mondo" // Kate Bush "50 words for snow" // Paul Simon "50 ways to leave your lover" // I am kloot "86 TVs" // Missy Higgins "100 around the bends" // Propellerheads "360 degrees" // Gonzales "1000 faces" // A tribe called quest "8 000 stories" / / Xavier Naidoo "20 000 Meilen" // Katie Melua "10 000 bicycles"

LISTEN! LISTEN! LISTEN! (12)

Die zehn MusikerInnen, die 2011 in den USA am meisten Geld verdient haben - merke: Man kann als Entertainment-Millionär in den Staaten trotzdem jemand sein, den in Europa kein Schwein kennt.

01 Taylor Swift

02 Bono

03 Kenny Chesney

04 Lady Gaga

05 Lil Wayne

06 Sade

07 Bon Jovi

08 Celine Dion

09 Jason Aldean

10 Adele

Quelle: Spiegel.de

 

Verrückt genug

Wird Joachim Gauck Bundespräsident, weil Dietmar Poppeling nicht wollte? Arbeitet der nämlich am Debut-Album von Roman Lob?

ptka Nachdem die Nation immer noch darüber rätselt, was bei Angela Merkel und der CDU / CSU-Fraktion gestern Abend zum Umdenken und also zur Zustimmung zu Joachim Gauck als Bundespräsident geführt haben könnte, hat der Popticker nun vielleicht den entscheidenden Hinweis erhalten: Demnach hat Angela Merkel offenbar bis gestern gegen 19:30 für einen Bundespräsidenten Dietmar Poppeling geworben. Kurz vor der Krisensitzung von Merkel und der Opposition hat Merkel dann wohl mit dem ehemaligen Popbeauftragten der Bundesregierung telefoniert. Poppeling signalisierte Bundeskanzlerin Merkel daraufhin, für das Amt des Bundespräsidenten nicht zur Verfügung zu stehen. Ohne das Poppeling-Ass im Ärmel gab Merkel zwischen 20 Uhr und 21 Uhr dann ihren Wiederstand gegen Gauck  auf. Poppeling wäre für die SPD sowie die Grünen nur schwer abzulehnen gewesen, da er als insgesamt links-liberaler Sozialist gilt, dessen Denken über Pop und Kunst hinaus geht und "eindeutig politisch zu nennen ist", wie Merkel einmal über Poppeling sagte. Poppeling war heute morgen für eine Stellungnahme nicht zu erreichen, bestätigte jedoch nur kurz an seinem privaten Mobiltelefon, mit Bundeskanzlerin Angela Merkel telefoniert zu haben. Poppelings mutmassliche Absage befeuerte wiederum Gerüchte, der Poptheoretiker und -produzent befände sich derzeit in Köln, um den Gewinner von „Unser Star für Baku“ Roman Lob und dessen Mentor Thomas D bei deren Arbeit an Lobs erstem Album zu beraten oder es gar zu  produzieren. Poppeling soll zumindest gestern Abend in der Kölner Kneipe Halmackenreuther mit Thomas D gesehen worden sein. Der ehemalige Bundeskanzler Gerhard Schröder sagte am Rande einer Messe in Frankfurt / Main, Poppeling sei "verrückt genug, lieber zum Songcontest zu fahren als Bundespräsident zu werden". Auf Poppelings Facebookseite war heute zu lesen: „Köln. Da war ich aber gestern noch nicht.“

Die Gewesenen

ICH ! WAR ! DA !

Ich möchte mich um Gottes Willen nicht mit dem Dschungelcamp beschäftigen, aber gestern beim Zappen ist mir aufgefallen, dass auch jenseits des Dschungels, ganz allgemein also im B-Mediendschungel, zunehmend von Menschen berichtet wird, weil sie etwas gewesen sind - nicht weil sie etwas sind. Das Gewesene kann hierbei interessanter Weise unabhängig davon, wie lange es zurück liegt, konserviert werden, da die schlichte Tatsache, öffentlich zu sein, genügt, um den Ursprung der Öffentlichkeit entweder präsent zu halten, oder schlicht unwichtig zu machen ­ ganz gleich, ob dieser also Ursprung allgemein bekannt ist oder nicht. Das liegt nun wiederum daran, dass heutige öffentliche Auftritte keinerlei Präsenz erfordern - es genügt, gemäß den Spielregeln und Gepflogenheiten der jeweiligen Fernsehsendung oder des jeweiligen roten Teppichs ein Standardrepertoire von sich selbst in die Kamera zu senden, um die wesentliche Botschaft zu generieren: Ich war da. Der Empfänger der Botschaft kann dann also sagen: Der, der mal das und das war, war auf dem und dem roten Teppich zugegen. Beispiel Thomas M. Stein: Er war einmal DER Popmanager Deutschlands (Leiter der nationalen Sparte von BMG) heute sitzt er allwöchentlich in irgendwelchen Chartshows, in denen er in entsprechenden retrospektiven Floskeln bezeugt, bei der Veröffentlichung von "Smoke on the water" gerade einmal 22 gewesen zu sein. Menschen, die nicht wissen, dass er einmal Manager war, akzeptieren ihn als jemanden, der, weil er offenbar mal irgendwas war, nun auf Couches sitzt und öffentlich genug ist, um zu erzählen, dass er auch einmal 22 war. Damals hörte er „Smoke on the water“ zum ersten mal. 

Um den Status des Gewesenen zu überwinden, kommen vielen Gewesene auf die Idee, das, was sie gewesen sind, wieder zu werden. Auf diesem Wege kommen die ständigen Comebacks zustande. (Der Metaschritt ist die Auflösung als Zustandsübergang zur möglichen Reunion, das führte nun aber zu weit.) Nehmen wir als Beispiel doch einmal die „No Angels“, die es nach ihrer eigentlichen Auflösung eine zeitlang wieder gab, währendem sie derzeit sozusagen in medialem Winterschlaf sind, ohne sich offiziell ein zweites mal aufgelöst zu haben. Das Dilemma an der Geschichte mit den „No Angels“ ist nun, dass es Sandy, Lucy, Nadja und Jessica nicht gelingen konnte, den Status, einmal ein „No Angel“ gewesen zu sein, dadurch zu überwinden, wieder die „No Angel“s zu sein, denn, was immer sie tun und lassen werden, sie werden in der Öffentlichkeit immer Ex-No-Angels oder die „No Angels“ sein, die schon einmal die „No Angels“ gewesen sind, und eines Tages werden sie Personen sein, die zwei Mal die No Angels waren - wenn dieser Punkt aufgrund erwähnten Winterschlafes nicht vielleicht sogar schon erreicht ist. (Dass dabei eine Verneinung im Bandnamen drin ist und die Ex-Ex-No-Angels also schon zwei mal gewesene Nicht-Engel waren, ist natürlich nur ein Namenszufall.) Zwei mal etwas gewesen zu sein und trotzdem kein Gewesener zu sein, dieses Kunststück ist in der Popgeschichte vielleicht nur Robbie Williams geglückt, der nach einem Gastspiel bei seinen gewesenen Ex-Kollegen nun erneut Ex-Take-Thatler aber eben auch wieder Robbie Williams ist.

Der Wahn der Öffentlichkeit, sich für Personen zu interessieren, weil sie etwas waren, und nicht, weil sie etwas sind, führt kurioser Weise auch dazu, dass Leute, die ihre Idole sehen wollen, sie nicht sehen wollen, um sie zu sehen, sondern um sie gesehen zu haben. Davon zeugen die allseits gezückten Handykameras auf Konzerten und Promibegegnungen. Es wird fotografiert, um sich hinterher selber zu beweisen, dass man da gewesen ist, obwohl man in Wirklichkeit im Moment der Chance, wirklich da zu sein, schon im Zustand der Beweisführung war und somit hinter seinem Handy den eigentlichen Moment verpasst hat, ohne ihn gegenwärtig zu erleben - ein Vorgang privatisierter Blitzhistorisierung. Es wird sozusagen die eigene unöffentliche Person in den Status des Gewesenen überführt: Man war zu dem Zeitpunkt, als zum Beispiel Lady Gaga aus einem Flugzeug stieg, quasi nicht am Flughafen, wird es aber im Nachhinein zumindest gewesen sein, da man es ja fotografiert hat. Damit hat man etwas bewiesen, was nicht wahr war aber durch seine Beweis wahr geworden sein wird.

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts (2000-2010), Folge 17: Justin Timberlake "Like I Love You"

Das erste Jahrzehnt des neuen Pop-Jahrtausends war sicherlich auch eines der Top-Produzenten, die Hitgaranten im vermeintlichen Hintergrund, und Pharrell und seine Neptunes gehören zu jenen, die sich mit Ihren Tracks, Beats und Ideen in die erste Reihe schossen - 2001 bis 2005 waren deren Hochzeit, in der sie manchmal fünf und mehr Titel weltweit in den Top-Ten hatten. In dieser Phase arbeiteten die Neptunes teils im Akkord und produzierten Beats vor, ohne zu wissen, wer sie dann einmal besingen würde. Es soll zeitweise Streitigkeiten um diese Instrumental-Tracks gegeben haben, weil verschiedene Top-Stars im Wissen, dass sie todischere Hits sind, sie haben wollten. Bei „Like I Love You“ schlug Justin Timberlake zu, und er veredelte diesen Funk-Track mit dem Akustik-Gitarren-Riff zu einem Soul-Pop-Hit mit grandioser Falsett-Einlage, und der Song trug 2003 zu Justin Timberlakes Image als neuer Michael Jackson ein, der damals sogar noch lebte. Der Song beginnt mit besagter Gitarre und Justins fast geflüsterten Eingangszeilen, bevor dieser unschlagbare Beat einsetzt, der so gar nicht nach Drum-Computer klingt. Auf dieser Grundbasis variiert sich Justin Timberlakes Gesang von Chorsätzen zu gehackter Strophe, gezogener Bridge und Falsett-Übergängen, bis sich das Ganze in die Bridge 2 ergiesst, die sich angesichts des brillant gehaltenen Grundbeats wie der Refrain anlässt. Dann gibt es einen Rap-Part (von einem Rapper namens Clipse), bevor das erste und einzige mal das Schlagzeug aussetzt und Justin auf einem in den Vordergrund gemischten Synthie-Hook sprechsingt - danach gleitet der Song dann schon in sein Finale aus: Das Ding ist eigentlich ein Nichts an Melodie - aber in seiner genialen Beat-Dramaturgie in Kombination mit seinem geschickt eingesetztem Gesang auch messerscharf dancefloorfunktional und steht in dieser Machart stellvertretend für eine perfekte Fusion von Produzenten-Pop und seinen ihn repräsentierenden Pop-Star als Trend des Nullerjahrzehnts.

Stromberg ² x Schlingensief + Pop

Alexander Marcus wirft immer gnadenloser die Frage auf, ob man ihn aushält

Kürzlich hatten wir es hier von Pop, der sich dem Schlager nähert, und nun zündet ein Künstler die nächste Stufe seiner Mission, sich vom Schlager kommend dem Pop zu nähern - und landet dabei inmitten im Sumpf von einem Film, dessen dilettantische Kraft an das Frühwerk von Christoph Schlingensief erinnert. Die Rede ist von Alexander Marcus - jener Kunstfigur also, die vielleicht gar keine ist, die vielleicht gerade deswegen so ernsthaft zwischen Ironie und Ernst flirren kann, weil sie nicht erfunden und also keine Kunstfigur ist. In jedem Falle mischt dieser Alexander Marcus recht satte Electro- und Dancefloorbeats mit den Melodien und Texten von Schlagern, und heraus kommen merkwürdige Ohrwurmzwitter, deren theoretische Reize darin bestehen, dass man nie weiss, wie sie gemeint sind, und deren praktische Reize es sind, dass sie, wie immer sie gemeint sind, funktionieren. Das erste Lied dieser Kunst- oder Nichtkunstfigur aus dem Jahr 2008 hiess "Papaya", der Text geht so: „Die Fische hams am Feuer erzählt, da gibt‘s ein Land, in dem die Liebe regiert: Komm mit mir nach Papaya!“, darunter, unter diesen Zeilen, wummert‘s und flibbert‘s, als wäre man in der Housedisse. Wenn man das hört, denkt man erst mal: „HÄ?“ - wenn man dann weiter hört, denkt man als nächstes: „HÄÄÄ?“, um im nächsten Moment „HÄÄÄÄÄÄÄ?“ zu denken. Und ganz zum Schluss will man das Lied noch mal hören.

Andere Lieder der ersten Platte „Electrolore“ von Alexander Marcus heissen „Ciao Bella“, „Spiel, Satz und Sieg“ oder „1,2,3“, dessen Text so geht: „Heute hauen wir richtig auf die Pauke, und der ganze Ärger bleibt zu haus. Wir wandern von der Oder bis zum Rhein, es ist angezapft, komm schenk was ein! Hussassa, Hussassa, Heia! Heute brennt die Hütte, die ganze Nacht von Flensburg bis nach Garmisch und zurück, singen wir zusammen unser Lied! Wir singen eins, zwei, drei - oh, du wunderschöne Loreley, endlich geht‘s nach vorne, schwarz, rot, gold, das sind unsere Farben, der Wagen rollt!“. Wem da die Nackenhaare hoch gehen, sei auf die Videos verwiesen, in denen das Gesungene ins komplett Lächerliche gezogen wird: Alexander Marcus taucht in allen seinen Videos als dümmlich lächelnde Lichtgestalt auf, dessen blosse auratische Anwesenheit Wunder bewirken kann. So bringt er im Video zu eben jenem „1, 2, 3“ mit Frack und rosa Hose durch blosses Handauflegen ein stehen gebliebenes Auto wieder zum Fahren, in „Spiel, Satz und Sieg“ taucht er in einer völlig surrealen Handlung in einem Café auf, und schnappt dem Barista die Blondine weg, während er im Film zu „Papaya“ behangen mit Plastikmeerestieren und in gleicher rosa Hose, die sein Markenzeichen ist, an einer Insel angeschwemmt wird, was sich später als Traum entpuppt. Alle Videos haben gemeinsam, dass Alexander Marcus in recht gekonnte, teils moonwalkartige Tanzschritte fällt. Mit den ironisierenden Videos kann man also gar singen, dass Schwarz, Rot, Gold unsere Farben wären, und in dieser Rückkopplung zwischen Visuellem und Musik spiegelt sich nur ein Effekt, der genauso ohne die Videos in der reinen Musik eintritt: In ihr ist quasi antizipiert, dass sie entsetzlich ist. Und in diesem Sinne kann man Alexander Marcus nur mögen, wenn man ihn vorher schrecklich fand. Adäquat zum Prinzip der Pre-Taste-Music von Gonzales, dessen Wirkungsweise darin besteht, zu funktionieren, bevor man seinen Geschmack befragt, handelt es sich bei Alexander Marcus also um Post-Taste-Music, die sich nur dann entfaltet, wenn man seinen Geschmack bereits befragt hat, aber dann eben auch dazu bereit ist, ihn komplett abzuschalten.

Von diesem Post-Taste-Prinzip zeugt auch der die Internet-Adresse der Nicht-Kunstfigur bekenndich.de, weil sie das Gefühlt vermittelt, dass, wer Alexander Marcus mag, pop-sozial geächtet erscheinen könnte. Wer sich eben bekennt und in den Kreis derer vordringt, die ihren Geschmack über Bord geworfen haben, wird sehen, wie schön es ist, dazu zu gehören. Und eben jenem Kreis der Eingeweihten widmet Alexander Marcus nun einen Kinofilm, der wie die neue Platte „Glanz und Gloria“ heisst, und der im Trailer so überdreht und overacted daher kommt, dass die Bereitschaft, sich auf diesen Kosmos einzulassen, über alle Massen strapaziert wird. Im Laufe des Filmes scheint die Kunstfigur im Gefängnis und im Krankenhaus zu landen, sich mit dem Militär anzulegen und den Ausweg aus dem künstlichen Schlamassel in der Bibel zu finden. Auf einer Skala des Fremdschämens überholt und -rollt Alexander Marcus die Serienfigur Stromberg um Längen: Bei dem Trailer weiss man schon nach 20 Sekunden nicht mehr, ob man es aushält noch auf den Bildschirm zu schauen. Wenn der Film so funktioniert wie dieser Trailer, dann wird man sich im Kino immer auf den Moment freuen, in dem Beats einsetzen und Alexander Marcus tanzt und singt und nicht eine Sprech-Szene verunspielt. Die Frage, die der Popmusik immer wieder zugrunde liegt, hat hier also ein ganzes filmisches Universum gefüllt - die Frage nämlich: Wie zur Hölle ist das gemeint?