popticker

Uncool ...

... ist das neue Cool?

Norah Jones gilt als so uncool, dass der Spiegel-Rezensent ihres neuen Albums sich einer List bediente, um die neue Platte gut zu finden, und trotzdem vor sich selber bestehen zu können: Das Album „little broken hearts“ sei in Wirklichkeit eine Danger Mouse-Platte, auf der Norah Jones zu Gast sei. Das ist natürlich purer Selbstbetrug und in seiner dogmatischen Norah-Jones-Ablehnung völlig peinlich - Tatsache ist, dass Danger Mouse als Produzent durchaus seine Spuren in der Musik von Jones hinterlassen hat; aber natürlich ist das ihre Platte, ihre Musik und der recht neue Sound vor allem ihr Werk. In den soften Jazzfolk der unfassbar erfolgreichen Sängerin, Songschreiberin und Keyboarderin mischten sich schon auf den letzten beiden Platten, in deren Verlauf sie auch ihre Band komplett auswechselte, Flowerpower Harmonien und -Effekte, die Danger Mouse nun noch mit einigem elektronischen Spirenzchen, Beats und Gitarren unterstreicht. Zudem schiesst er Jones‘ Stimme hin und wieder durch leicht verfremdende Effekte, wodurch das Album hier und da ein wenig moderner klingt - aber das ist bei allem Respekt für Danger Mouse in Wirklichkeit Pipifax. 

„Little Broken Hearts“ lässt den Pop deutlicher durch die Hintertüren, die bei Norah Jones schon immer offen standen, andererseits wirkt die Musik aufgeladener, nachdenklicher, trauriger. Aus diesen beiden scheinbar widersprüchlichen Tendenzen, deren Ursprung im Songwriting zu suchen ist, schichtet sich das Album zu einem sehr homogenen Ganzen, ohne die einzelnen Lieder nur als Teil eines Albums zuzulassen. In den besten Momenten erinnern die Stücke auf ähnliche Weise an trockene Soundtrack-Perlen eines Roadmovies, wie das auch schon bei der Pseduo-Filmmusik und von „Rome“ der Fall war (- auch eine Norah Jones / Danger Mouse -Kollaboration zusammen mit Jack White und Daniele Lupi, bei dessen fiktivem Filmgenre weniger ein Roadmovie denn ein Spaghettiwestern Pate stand). "Little broken hearts" ist eine Norah-Jones-Platte über gebrochene Herzen - nicht mehr und nicht weniger. 

You keep singing it

Esperanza Spalding versöhnt zwei Stile, die sonst nicht oft zueinander finden

Irgendwie haben Pop und Jazz Probleme miteinander. Es gibt zwar den Genrebegriff des Jazzpop, aber es dürfte mehr Menschen geben, die diese Bezeichnung eher als Beleidigung ansehen - als einen ernstzunehmenden Musikstil. Selbst der begnadete Pianist und Entertainer Jamie Cullum hat Probleme von Jazz-Puristen anerkannt zu werden, (und die wahrscheinlich als Verrat ansehen dürften, wenn Cullums Komposition „Standing Still“ nun mit Roman Lob als Interpreten zum Eurovision Songcontest antritt), und Norah Jones, die, das sei des thematischen Doppel-Links wegen erwähnt, gestern einen recht lustigen Auftritt bei Stefan Raabs „TV total“ hatte, diese Norah also gilt unter Pop-Fans wie Jazzern eher als Warmduscherin - auch wenn sie 30 Millionen Platten verkauft hat.

Nun hat die Komponistin, Vokalistin und Bassistin Esperanza Spalding ein Album eingespielt, das mit seinem programmatischen Titel „Radio Music Society“ fast schon als Vermittlungsausschuss zwischen Pop und Jazz in Albumform gelten kann und auch Hörer aus beiden Lagern finden dürfte. Man könnte fast sagen, Spalding benutzt die musikalischen Strukturen des Jazz, um auf den Oberflächen eines funktionalen Popsongs subtile Komplexität zu erzeugen. Ihre Lieder gleiten zunächst widerstandslos durch die Boxen, evozieren dann aber immer wieder den Effekt der staunenden Nachfrage, wie um alles in der Welt sie singt, um im selben Moment auf dem Bass komplett gegenläufige Rhythmen und Melodien zu zupfen - ihre Musik spielt sie offenbar grundsätzlich so ein, dass sie Bass und Stimme in einem Take aufnimmt. (Ein ähnlichen Effekt habe ich übrigens, wenn ich Lianne La Havas höre, die freilich nicht Bass spielt - sondern Gitarre) - in jedem Falle erzeugen Esperanza Spaldings neue Lieder einen inneren Sog der Unwiderstehlichkeit, den sie im gewissen Sinne im Fast-Titel-Lied „Radio Song“ selber besingt: „This song‘s the one - even though you never heard it you keep singing it along“ beschreibt den Pop-Effekt des Wieder-Erkennens vom etwas, das man noch gar nicht kennt fast schon wortwörtlich. Der Song stolpert mit seinem verschleppten Pattern-Beat durch zwei B-Teile, dezent variierten Refrains und Strophen, und erzeugt einen Lächeln auf des Hörers Lippen - worauf auch das Video beruht, das man neben 11 weiteren Kurzfilmen mit der Deluxe-Version dieses Album auf DVD bekommen kann.

Die Stilsicherheit des Spaldingschen Soul-Jazz-Pop-Funks ist unerreicht, ihr Bass-Spiel ist von zieseliger Virtuosität, ihre Stimme ist von drängender Wärme und Schönheit, bekannte Songstrukturen treffen auf plötzliche 7/4-Takte, merkwürdige Posaunen-Soli oder treffsichere Hammond-Flächen - das Album ist ein Glücksfall, und es adelt den Musikgeschmack des amerikanischen Präsidenten: Barack Obama ist wie ich Fan von dieser Dame mit der gigantischen Kugel-Frisur.

------------------------------------

Auf Esperaza Spaldings Website kann man in das aktuelle Album mehr als reinhören, Lianne La Havas hingegen verschenkt derzeit eine Live-EP (Link via tonspion)

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts (2000 - 2010) Folge 19: Lena "Satellite"

Wenn es je in der Reihe der perfektesten Hits der Nullerjahre einen Song gegeben hat, bei dem man von faktisch objektiven Parametern für seine Perfektion sprechen kann, so ist es wohl „Satellite“ von Lena: Der Song gewann zwei Popwettbewerbe und behauptete sich so in einem nationalem und einem internationalem Stresstest. Während er bei „Unser Star für Oslo“ nach einmaligem Hören als der Beste für Lena von damals drei Liedern gewählt wurde, gewann er sodann den Eurovision Songcontest - per Definition ja ein Liederwettstreit. Die Frage, ob das diesem Lied auch ohne Lena oder Lena ohne dieses Lied hätte gelingen können, ist dabei natürlich völlig überflüssig. Pop ist doch gerade das Zusammenfallen von akustisch wie optischen Erscheinungsformen zu einem performativen Akt der Selbstdarstellung. Das Interessante ist ja gerade, dass das Lied zuvor Lena zugewählt wurde, dass also die Mischung, erwähntes Zusammenfallen von Lena und diesem Lied erst für passend erachtet wurde, um dann bei „Unser Star für Oslo“ und später beim Songcontest zum Sieger gewählt zu werden. Und durch diesen pophistorischen Umstand wird „Satellite“ wohl auf ewig an Lena kleben bleiben - es gibt störendere Pop-Bürden.

Der zweite objektive Parameter der Funktionalität des Liedes liegt in seiner strikten 3-Minuten-Struktur, die sich ja einerseits als popfunktional heraus gestellt hat und andererseits im Fall des Songcontests sogar eine Regel ist. Die Grundstruktur des 3-Minüters (perfekt nachmessen kann man das bei „I kissed a girl“ von Katy Perry) ist das Schema in 6 Teilen á 30 Sekunden: Strophe, Refrain, Strophe, Refrain, B-Teil, Refrain - bei „Satellite“ verschiebt sich das Ganze um 10 Sekunden Intro, worauf jeweils 20 Sekunden Strophe und 25 Sekunden Refrain folgen ein, 20 Sekunden B-Teil und dann eine in der Instrumentierung variierte Kurzstrophe, um mit einem Doppelrefrain zu enden. Das darunter liegende Grundriff kursiert im Internet in zwei verschieden komplizierten Akkordfolgen - die schwierigere Version kam im Vorfeld des Grand Prix zum Einsatz, wenn Stefan Raab an der Gitarre mit Lena kurz im Flur oder auf einem Ausflugsschiff „Satellite“ zum Besten gab, während YouTube voll ist mit privaten Coverversionen, bei denen die einfachere Akkordfolge (C / F / G) gespielt wird. Diese subtil-musikalische Komplexität erzählt vielleicht auch etwas über die Funktionsweise eines Popsongs, der mehr Geheimnisse bürgt, als er bei seinem effektivem ersten Höreindruck preis gibt. (Der Wikipedia-Beitrag zu "Satellite" beschreibt das musiktheoretisch besser, als ich es kann.)

Subjektiv hat das Lied, so wie man es von Lena kennt, ein Melodie / Rhytmus-Gerüst, auf diese spezifisch lenabritische Sprech-Sing-Mischung ihr Charme voll entfalten kann, was zu dem Umstand führt, dass man sich einfach sehr freut, den Song zu hören. Dieser Effekt nutzt sich auch irgendwie nicht ab - jedes Lied kann man sich überhören, klar, aber „Satellite“ hat eben auch diese Wiedererkennungswert ohne als Ohrwurm tödlich zu nerven. Der Song chargiert ständig zwischen funktionalem Allerwelts- und anspruchsvolleren Autorinnen-Pop, man kann sich von ihm wahlweise überraschen lassen, wie banal er ist, anderseits wie fein-komplex er dann eben doch gebaut ist - man kommt der Sache nicht ganz mit Worten bei; vielleicht macht ihn das so besonders perfekt.

Perlen im Datendschungel: Of Montreal "Dour Percentage"

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Den Wahn von Of Montreal live zu fassen bzw. herzustellen, dürfte eigentlich nur ihnen selber gelingen - in Jimmy Fallons Show versuchen sie, das Groove-Unmonster "Dour Percentage" als multiples Panoptikum von Videoprojektionen und, wenn man die Studioversion kennt, schier unfassbarer Live-Präzision zu generieren. Sie scheitern teils an den Rändern des Pop - trotzdem oder gerade deswegen irre.

Perlen im Datendschungel 27:

Of Montreal "Dour Percentage" - live in der "Jimmy Fallon-Show"

 

Of Montreal - Dour Percentage | Late Night With Jimmy Fallon from Monophono on Vimeo.

  

 

Die perfektesten Hits des Jahrzehnts (2000 - 2010) Folge 18: Dixie Chicks „Not ready to make nice“

Es mag verwunderlich anmuten, diese meine Kategorie fortzusetzen, nachdem das betreffende Jahrzehnt nun mehr schon eineinhalb Jahre vorbei ist, aber nicht zuletzt, weil ich, wie ich durch meine Statistiken weiss, dass diese Reihe der perfekten Hits sich nach wie vor grosser Beliebtheit erfreut, muss ich sie eben durch die Songs, die einfach herein gehören, ergänzen - und bei manchen wird mir das eben erst eineinhalb Jahre später klar: „Not ready to make nice“ ist jedenfalls ein Lied, das ich noch ergänzen muss, und das liegt nun gar nicht daran, dass es ein übermässig grosser Hit gewesen wäre; vielmehr scheint diese Kategorie ja auch mehr und mehr Lieder zu behandeln, die in irgendeiner Form das Popjahrzehnt repräsentieren, und dies kann man definitiv über diesen Song der Dixie Chicks sagen: Der Song handelt rückblickend von dem Skandal, den die Sängerin und Songautorin Natalie Maines bei einem Konzert 2004 in London auslöste, als sie sagte, sie schäme sich, wie Präsident George Bush aus Texas zu kommen. Diese Aussage, von Maines und den anderen Dixie Chicks zunächst relativiert und dann immer mehr unterstrichen, verursachte eine Protestwelle bei der traditionell eher konservativen Country-Hörerschaft: Boykott von Radiostationen, Morddrohungen und Dixie Chicks-CD-Verbrennungen waren die Folge; zwei Radio-DJs, die sich dem Boykott ihres Arbeitgebers widersetzten und Dixie Chicks spielten, verloren ihren Job. 

Dieser hysterischen Situation begegneten Natalie Maines, Emily Robinson und Martie Maguire 2006 mit dem wutentbrannten und daher ungemein politischen Album „Taking The Long Way“, eine stimmige Sammlung voller musikalischer Perlen amerikanischer Songwriterkunst - der tolle Dokumentarfilm „Shut up and sing“ erzählt nicht zuletzt die Entstehung dieses wunderbaren Albums; und „Not ready to make nice“ bildete sozusagen das thematische Zentrum dieser Platte: „Forgive sounds good, forget - I don‘t think I could“ singt Maines da, und der B-Teil zitiert aus einer Morddrohung, den sie per Post erhalten hatte: „it’s a sad, sad story that a mother will teach her daughter that she ought to hate a perfect stranger; and how in the world can the words that I said send somebody so over the edge that they write me a letter, [and] say that I better shut up and sing or my life will be over?“ - der Song kommt als Ballade daher und ist doch so voller Wut und Empörung: Mit stillem Riff steigt er ein, kommt im zweiten Teil der zweiten Strophe zu einem seichten Beat und bäumt sich dann zum ersten Refrain auf, bevor er sich dann rasch in erwähnten B-Teil aufmacht, bei dem man meint, Maines könne nicht aufhören zu reden, zu singen, weshalb dann erst einmal ein Refrain ohne Gesang folgt, Atempause mit Fiddle und E-Gitarre, nach dem dritten Refrain dann werden wieder Beat und Instrumente heraus genommen, und der Song fadet in ein offenes Ende: Einfache Mittel, grosse Wirkung, ein Meisterwerk, gekonnt ausproduziert von Rick Rubin, Grandios.

Future of Pop (02) ! ➠ Poliça

Hier ist sie, die Zukunft des Pop: Poliça - Autotune is not dead again, und die Platte von dieser unfassbaren Band erscheint im Mai (im iTunes-Store ist sie schon erhältlich ...)

 

Würde und Klarheit

Das Debut-Album von Fatoumata Diawara aus Mali

Als mündiger Pophörer will man ja eigentlich nicht seine potentiellen Neuentdeckungen von undurchschaubaren Algorithmen abhängig machen, die hinter den Webseiten von beispielsweise Amazon herum flirren und Vorschläge machen, was einem gefallen könnte. Als Popticker hat man ja eher sogar umgekehrte Ansprüche, Leser auf randseitige Popmusik aufmerksam zu machen, und wenn man was Neues sucht, geht man in den Plattenladen seines Vertrauens, fragt oder stöbert. Hat dieses mal alles nix genutzt: Zwar habe ich beim Stöbern und Fragen bei Zardoz die Platte „Fatou“ von Fatoumata Diawara gefunden, aber ich hatte die Möglichkeit, dass das gut ist, schon längst verworfen, weil Amazon sich bereits sicher war, mir könnte diese Platte gefallen. Welche Kalkulationen dem auch immer also zugrunde lagen: Nie lag bei meinem Geschmack ein Amazon-Algorithmus näher als bei dieser Empfehlung: Das auf dem grossartigen Label Worldcircuit erschienene Debut-Album der in Paris lebenden Sängerin, Gitarristin und Songwriterin  Fatoumata Diawara aus Mali ist von seltener Schönheit, die Platte schifft um Gospel, Folk, Jazz und grossartigen Chorsätzen - aus Diawaras  Stimmen geschichtet - zu sanft akustischen Weltmusik-Ufern. Ihre Lieder sind Songs, die zu Frieden, Weisheit und Lebensfreude aufrufen, sie haben die hoffnungsvolle Traurigkeit des Blues und die verlangsamte Polyrhythmik des Afropop. Viele Beats, die unplugged durch die Lieder dotzen, scheinen ihren Ursprung in Fatoumata Diawaras Gitarrenspiel zu haben. Ihre Anschlag ist virtuos rhythmisch, ihre Gitarre ist ein melodisches Schlag-Instrument, und ihr Gesang schwebt über den von ihrer Band ausgebauten Patterns: Eine von sanfter Kraft, Melancholie, Spielfreude, Schönheit und wunderbarer Instrumentierung durchzogene Musik von grosser Würde und Klarheit.

LISTEN! LISTEN! LISTEN! (13)

3 Lieder, die ich faktisch nicht hören kann, ohne eine Träne zu verdrücken, und die alle drei eine Liebeserklärung ihrer SängerInnen an deren Kinder sind

Dixie Chicks "Easy Silence"

Als ich Dixie Chicks' "Taking a long way" 2006 zur Platte des Jahres ernannte, habe ich eine grosse Menge an Spott-Emails bekommen. Die Dixie Chicks sind sicher kein Feuerwerk an Innovation, aber das überlieferte Kulturformat "Song" braucht keinerlei Innovation, wenn man einen von Natalie Maines hört - die beste amerikanische Songwriterin unserer Zeit. Das 2006er Album ist voller unvergleichlich wunderbarer Lieder, bei denen "Easy Silence" noch einmal heraus ragt: Ein schöneres Liebeslied ist in diesem Jahrtausend meiner Ansicht nach noch nicht geschrieben worden.

Paul Simon "Beautiful"

Der schlichte Bericht Simons über die Kinder, die er zusammen mit Edie Brickell adoptiert hat, ist in seiner emotionalem Unverstelltheit wohl nur von solch einem alten Haudegen wie Paul Simon schreib- und singbar. Dabei weiss ich noch nicht mal, ob die Geschichten stimmen, was letztlich eben auch nicht von Belang ist: Spätestens bei der dritten Strophe bricht mir selbst beim 50sten Hören das Herz.

Lauryn Hill " To Zion"

Lauryns gesungenes Bekenntnis zu ihrem ersten Kind und die im Refrain zum Ausdruck gebrachte Liebeserklärung - da muss man schon ein Stein sein, wenn einen dieses Lied kalt lässt.

Perlen im Datendschungel: Ayanna Witter-Johnson "Roxanne"

Die besten YouTube-Musikfundstücke, die ich bislang so gemacht habe

Wo ist der Beat? Was ist die Melodie? Sie verschwimmen in Cello und Stimme bei diesem Police-Cover - eben entdeckt, eben verlinkt.

Perlen im Datendschungel 26: Ayanna Witter-Johnson "Roxanne" (Live, Mahagony-Session, some garden in London)

 

Die Umwucht des Wahns

"Paralytic Stalks" von of Montreal ist unüberraschender Weise wieder ein Feuer- und Meisterwerk an Überraschungen

Keine Band der Welt schafft es gleichzeitig komplette Hysterie und innige Sehnsucht nach Harmonie in eine Musik zu giessen - ausser „Of Montreal“, jene Band rund um Sänger und Kopf Kevin Barnes, der nun gerade wieder zugeschlagen hat: „Paralytic Stalks“ heisst das neue Album, und es zerbirst wieder vor Ideen, die andere nicht in zehn Alben haben. Der Popentwurf, der dem ganzen Wahn hier zugrunde liegt, ist in der Tat paralysierend, und lässt einen auch nicht mehr los, als würde man von dieser Musik gestalkt. Was passiert hier? Ein Rhythmus, merkwürdige Gitarren, aus der Ferne mehrstimmige Kevin-Barnes-Chöre, die Main-Vocals über das Wah-Wah gesungen, Breaks und dazwischen Melodien, die klingen wie Beatles-Left-Overs, dann wieder Bandrock, bis man merkt: Irgendwohin sind die jetzt zurückgekehrt, das habe ich schon mal gehört - eine Songstruktur? Wohl schon, aber zerborsten von merkwürdigen Störfeuern, Löchern, die im nächsten Moment von bombastischen Streichern zugeklebt werden, bis sich die Streicher wieder in 12-Ton-Musik zergehen. Neues Lied? Nein, das ist noch dasselbe, doch nicht? Man weiss es nie so genau, schon gar nicht bei diesem neuen Werk, bei denen die Lieder, so sie als solche eben identifiziert werden können, auch noch nahtlos ineinander übergehen - gerade kommt aus dem Nichts ein Samba namens „malefic dowery“, welcher mit Beach-Boys-Chören und dramatisch flimmernden Flöten aufwartet und der im Verhältnis des Gesamtalbums irgendwie ganz bleibt, was nach 20 Minuten dieser Platte fast noch verstörender wirkt als die Umwucht des Wahns, der Wahn der Umwucht, die Wucht des Umwahns - oder wie immer man das nennen will. Hier ist wirklich nichts so, wie man Popmusik vorher kannte - noch nicht mal die von Of Montreal auf den vorigen Platten. Neben Beatles und Beach Boys fallen einem noch siebenhundert andere Parallelen ein - meist Wahnsinnige mit „P“: Prince, Pink Floyd, PIL, Pet Shop Boys, Peter -Fox, -Licht und -Gabriel - irgendwann fragt man sich: Was müssen das für Irre sein? Ich mach das jetzt aus.