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Bravo von Eden

Die iTunes-Album-Charts von Freitag den 26.02.2021

Vermutlich gibt es auch noch die Zeitschrift, aber zumindest meine Kinder wissen nicht mehr, was die „Bravo“ ist. Aber die Hit-Compilation unter diesem Namen ist immer noch sehr erfolgreich: Platz 01 der deutschen iTunes-Album-Charts ist derzeit „Bravo Hits 112“. Und mehr noch als die Frage, wer heute noch die Zeitschrift „Bravo“ kauft, fragt man sich, wer eine Brav-Hits-Compilation als Download kauft. In Zeiten, in denen das Kuratieren von Streaming-Playlisten eine neue Pop-Sammel-Kultur heraus gebildet hat, wirkt eine solche Compilation nahezu 90er-retro. Sie zu kaufen ist vielleicht als ökonomischer Pop-Gestus ein ähnlicher Akt wie die Vinyl-Liebe der über 45 Jährigen. Ein Grund könnte freilich auch die schiere Masse an Songs sein: 26 sind es, die man mit „Bravo Hits 112“ sein eigen nennen darf - Kostenpunkt 13,99 €.

Auf Platz 2 und 9 der aktuellen iTunes-Charts befindet sich amerikanischer, hoch komprimierter Dark-Rock mit gepitchten Streichern hoch über düsteren Stimmen, und auf Platz 4 eigentlich auch. Nur sind hier die Texte auf Deutsch und mit Schlager untersetzt: Nino De Angelo, nunmehr mit weißem Ziegenbart und nachdenklichem Blick in die Ferne, will es noch einmal wissen und fühlt sich „Gesegnet & Verflucht“ - so heißt seine neue Platte. Fast scheint es, als meine er damit seinen einstigen Hit „jenseits von Eden“, den er auch auf dieses Album noch einmal drauf packt, in einer dem neuen De-Angelo-Sound angepassten Version, welcher wie gesagt mit dem Mitteln des Rock in den Schlager-Gewässern nach Trübem fischt. 

In unmittelbarer Nähe in der Chartsplatzierung zu einem Lockdown-Album von Nick Cave, der nicht nach Trübem fischen muss, um in scheinbarer Hoffnungslosigkeit Schönheit und Würde zu finden, kann man den auch heute wieder einmal höchst stilvielfältigen Album-Charts Eskapismus attestieren. Als übergreifende Sehnsucht des Pop-Käufers im Jahre 2021.

Songs zum Sonntag /// 14022021 ///

/// Single und Alben-Jubiläen erinnern Dich gnadenlos daran, wie alt Du bist - nun denkt man schon wieder: Was? 20 Jahre alt schon? Nicht ich - sondern „Daylight in your eyes“, die Debutsingle der „No Angels“ . Die Sänger:innen, die nun schon seit 12 Jahren keine keine Engel mehr sind, sind jetzt zumindest kurzzeitig mal wieder keine Engel - oder auch Ex-Ex-No-Angels.Vanessa Petruo, die einzige übrigens, die als Solo-Künstlerin ein perfekte Pop-Single („drama queen“) und ein respektabel-souliges Album veröffentlicht hat, („Mama Lilla Would“), ist nicht mehr dabei, sie arbeitet heute als Neurowissenschaftlerin, wie ich gelesen habe, aber die vier verbliebenen haben nun eine „celebration version“ von „Daylight In Your Eyes“ aufgenommen - die klingt ein wenig heutiger als das Original, aber ach, nee, eigentlich klingt die so wie früher. Braucht kein Mensch, aber was ist schon brauchen im Pop? Ich find es toll, denn über nichts lässt sich so schön im Popticker nachdenken wie über den gewesenen Zustand der No Angels, der nun eben aufgehoben wurde. Ach. /// Der Signature-Song von den No Angels ist auf Platz drei der deutschen iTunes-Charts, auf Platz 01 wiederum ist ein schottischer Postbote, der es via TikTok zu einem millionenschweren Plattenvertrag gebracht - Nathan Evans: Seine rein geklopfte und und gesungene Version des Shantys „Wellerman“ ging erst auf TikTok, dann in allen anderen sozialen Plattformen viral, und das ist wirklich eine schöne Sache - ich liebe dieses Lied. (eine etwas überflüssige Version desselben Songs ist dann gleich auch noch auf Platz 07, ein Eurodance-Remix, braucht kein Mensch und ist in dem Fall auch Quatsch mit Eurososse.) ///

Synthpop und Wald

Dagobert hat dem Popjahr 2021 ein erstes Meisterwerk geschenkt

Der Sänger und Songschreiber Lukas Jäger hat für sich die Kunstfigur Dagbobert ersonnen - Dagobert ist ein gut angezogener melancholischer Gentleman, der städtische Hipness mit schweizer Landluft verbindet, eine Idee irgendwo zwischen den schweizer Bergen und Berlin. Dass er in in einer solch skurrilen Erscheinungsfigur die Schwere und die Nähe zu Kitsch sucht, hat in einer gewissen Schubladen-Hilflosigkeit dazu geführt, dass man Dagobert dem Schlager zugerechnet hat, aber seine stark verknappten Poplyrics und sein intelligent-subtiler Humor haben ihn eher in der indie-affinen Pophörerschaft Fans eingebracht.

Mit dem vierten Album „Jäger“, am Freitag dem 29.01. erschienen, findet die Figur zu sich und zum Synthiepop: „Jäger“ ist ein Liedzyklus über Sterben, Tod, Vergänglichkeit und Liebe, eine erratisches Kunstwerk voll Poesie, schillerndem Vermissen und verknappten Zeilen: „Mama geht’s gut. Papa geht’s auch gut. Obwohl … nicht mehr ganz so gut. Aber immer noch gut. / Lucy geht’s gut. Christoph geht’s auch gut. Es ging ihm nicht immer gut. Es war auch mal gar nicht gut.“ - es zieht sich durch das Album, dass  man zwischen den Zeilen Sehnsüchte nach Freundschaft, Familie und Beständigkeit hört. In „ich will noch einmal“ singt er dann: „Wie viel Zeit, bis wir sterben? Und wie viel Sinn machen die Dinge, die wir bis dahin tun? Nicht sehr viel. Wenn wir ehrlich sind. Doch darum geht’s nicht, darum ging es uns noch niemals. Es gibt noch so viel zu tun. Alles noch einmal, die Lust ist viel zu groß um auszuruhen.“

Es ist erstaunlich, wir hier mit wenigen Zeilen ein philosophisches Geworfensein mit den Mitteln der Popmusik skizziert wird. Damit das funktioniert braucht er im Album-Fluss, in der Dramaturgie einer Platte auch Lieder, die ironischer daher kommen, die nicht die Schwere einfordern, wie zum Beispiel die die zweite Single „Nie wieder arbeiten“, in der Dagobert genau dies konstatiert, und dass er lieber „schön durch den Tag gleiten“ möchte. So etwas. Und dann aber steht er auf einmal „Im Wald, wo die Bäume stehen. Und - wo die Tiere leben. Und - wo die Nächte finster sind … erscheint ein Geist, jeder weiß, wie er heißt, doch niemand spricht seinen Namen laut. Wenn er kommt, wird ein Opfertisch aufgebaut und ein Leben ausgehaucht.“ -„Jäger“ lässt trotz Schönheit stets offen, wo wir gerade sind, und was wir als nächstes zu erwarten haben, sie lässt einen erstaunt zurück. Ich bin seit drei Tagen teils zu Tränen hingerissen, wie toll dieses Album ist.

/ Songs zum Sonntag // 240121 ///

/// Billie Eilish und Rosalía, diese beiden Jahrhundert-Talente des Pop, haben zusammen einen Song aufgenommen. „Lo Vas A Olividar“ ist eher eine Seance über zwei, drei spanische Melodie- und Text-Linien, eine Reduktion, ein Ausmailbild ohne Farben oder vielmehr ein Ausmalbild ohne Linien; jedenfalls kaum Instrumente, die musikalisch bündeln, ein Ausdruck vollkommener künstlerischer Freiheit, wie es ihn im Pop insbesondere in Zeiten des Streamings kaum mehr gibt. Und somit ein Schimmer der Hoffnung und Schönheit. /// So empfinde ich auch die neue Single Birdy - unaufgeregt unkitschiger Pianofolk (auch wenn sie auf dem Cover mit Gitarre zu sehen ist): „Surrender“ klingt nach heimeligen Kamin und unaufgeregtem Rotwein, der Soundtrack zur Illusion des freiwilligen Zuhausebleibens. /// In der Reduktion zwischen klassischer Folk-Band bei Birdy und den Farbtupfern zweier hinreissender Stimmen von Rosalía und Billie Eilish zu verorten ist der Titelsong des kommenden Albums von Lana Del Rey „Chemtrails Over The Countryclub“: In klassischer Del-Rey-Manier verhallen hier pastellene Piano-Tupfer und Besen-Sticks am Schlagzeug in eine immer ungreifbarere Sehnsucht nach einem Amerika, das nicht mal mehr am Retrohimmel leuchtet. Unfassbar gut; aber auch leicht deprimierend. ///

Justus Jonas und Chris Norman

Die Postcharts von Freitag den 22.01.21

- neue Kolumne: Postcharts am Freitag

Mangelnde Stilvielfalt kann man der Spitze der Album-Charts derzeit nicht vorwerfen: Auf Platz eins ist deutsch-gerufener Trap-Rap mit Relikten von Sprache, auf Platz zwei befinden sich nordisch-mythische Männer-Choräle von einer Metalband für eine Wikinger-Serie, den dritten Rang belegt kosmopolitischer Dancefloor, und auf Platz vier sind die drei Fragezeichen. Wenn man dafür noch eine Klammer finden wollte, so muss man wohl auf einen Begriff zurückgreifen, der in Zeiten der Pandemie auch für den Netflix-Boom verantwortlich zeichnet: Eskapismus; die genannten vier Alben handeln von Orten, wo man gerade nicht ist: Muckibude, Mittelalter, Tanzfläche und Rocky Beach. So ist in allen Alben auch Corona drin - wenngleich immer nur in zweiter Ableitung.

Auf den Plätzen 5 bis 50 wird es ein wenig eintöniger: Viel Metal (spacige Cover mit mystisch überhöhten Bandlogos), viel Schlager (der gerne gerne mit rechtfertigendem Trotz zusammen gestellt wird: Ich Mag Schlager, Schlager ist toll, lasst mich doch in Ruhe, ich höre halt Schlager - so heißen die dann) und viele Best Ofs von alten weißen Männern mit Gitarre - Eric Clapton, Mike Oldfield oder Chris Norman zum Beispiel. Vieles ist dabei auch in den Charts, weil iTunes es gerade für 4,99€ raushaut. In den heutigen Charts regeln nicht Angebot und Nachfrage den Preis, sondern Preis und Angebot regeln die Nachfrage und somit die Chartplatzierung.

Irgendwie traurig. Und jedenfalls kein Abbild dessen mehr, was gerade cool ist. Eben Post-Charts.

Hollywolf

Mit ihrem letzten, erhabenen Album „Norman Fucking Rockwell“ hat Lana Del Rey ihre Sepiaton-Unterkühlung eines entschwundenen Amerikas in eine nahezu politischen Popentwurf überführt. Diesen Entwurf hat sie sogar noch vom Pop weg geführt, mit einem stillen aber scharfen Lyrik-Band, kontextüberladene Elegien aus der heutigen Zeit, in der ihre Retro-Sehnsucht schon allmählich verblasste; um nun mit dem heute veröffentlichen Titellied ihres im März erscheinenden Albums „Chemtrails Over The Country Club“ genau dieser Sehnsucht, auf der ihr ganze Image fusst, das Blut auszusaugen. Der Song, der dem Piano kaum mehr Akkorde entlockt, ist derart reduziert, dass er wirklich nur eine Müh mehr Musik ist, als ihr Hörbuch mit den erwähnten Gedichten, die ihr ihr Buddy Jack Antonoff mit Musik unterflächte. Und die hollywoodliken Bilder, die klassischen pastellenen, kodachromen Film-Ausschnitte zerwirbeln in einem Orkan zu einer Wolfs- und Vampir-Rudel - Chemtrails Over The Country Club eben. Das ist so erschreckend düster und gleichzeitig real-dystopisch, dass man Bruce Springsteen nur Recht geben kann: Das ist eine der tollsten Songwriter:innen unserer Zeit.

Coming-Of-Age-Trap-Pop

Das Ohr auf Pop mit deutschen Texten werfen - Folge 15 mit "Bruni die Band", "Lostboi Loni" und "Charlotte Brandi"

/// Wenn Bands einen Popentwurf suchen, ist diese Suche ja meistens schön. Das Feld von Pop ist eben inzwischen so weitläufig bestellt, dass man viel suchen kann, ohne dass es frustrierend wird, wenn man nichts findet, und der Weg das Ungezielte bleiben darf. Die Band „Brudi die Band“ sucht zudem in pandemischen Zeiten (was bleibt auch Anderes übrig?) und verarbeitet im gewissen Sinne ihre Befürchtung, sie könnten mit dem inzwischen durchaus eigenem Genre des Corona-Songs gleichgesetzt werden; als ob den drei jungen Saarbrückern schwant, dass Corona ihren Popentwurf zu sehr prägen könnte: „Ich will leben und draussen Zeit mit Freunden verbringen, nicht meine besten Jahre Lieder über Einsamkeit singen.“, so heißt es in der kurz nach Weihnachten erschienenen, zweiten Single „1,5 Meter“ - hier das < Video >. Die Musik der Brudi-Band ist eine Art Coming-Of-Age-Trap-Pop mit fluffigen Wohnzimmerbeats und melodisch-flüssigem Autotune, Musik, über die man mit Fug und Recht und im Guten wie im Schlechten sagen kann, dass sie jeder hinbekommen könnte, mit dem feinen Unterschied, dass diese Drei sie nicht nur hinbekommen können sondern eben hinbekommen haben. Zudem schreiben sie grundehrliche Texte jenseits von deutschpoppigen Lyrikbaukästen - summa summarum übrigens Songs, die sich tendenziell eher an meine Kinder wenden, als an mich als über 40-Jährigem (meinem Sohne gefällt’s jedenfalls) Wohin das Ganze gehen könnte, weiß man noch nicht, vielleicht könnte man in dem manchmal etwas einlullend wirkenden, Spotify-kompatiblen Sound hin und wieder das ein oder andere Instrument betonen. Bei momentan zwei Singles reicht wie gesagt allemal das schöne Suchen. Lockere Band auf jeden Fall, von der man bestimmt noch hören wird. /// Kurioser Weise klingt der Grundsound von „Lostboi Lino“ irgendwie ähnlich, firmieren tut das Ganze auf iTunes aber freilich als HipHop und Rap, was es eigentlich ebenso wenig ist, wie die Musik von „Brudi die Band“. (Das ist man auf Spotify schon ein wenig weiter - auf der Streamingplattform kreiert der Playlistenwahn inzwischen Subsubsubgenres, die oft nur darin bestehen, dass einige Lieder sich zusammen in einer Liste finden. Um für diese algorithmischen Parallelen dann die Behauptung zu kreieren, sie seien sorgsam herbei kuratiert und dadurch sichtbar, erfindet Spotify neuerdings Genre-Namen für diese sich in Playlisten spiegelnden Klang-Ähnlichkeiten. Dieses Phänomen spülte zum Jahreswechsel plötzliches Rätselraten in die sozialen Medien, weil selbstbewusste Hörer*innen plötzlich erfuhren, dass sie von ihren meist gehörten Popgenres noch nie gehört hatten - beispielsweise „escape-room-pop“ - what the hell ist das?) Wo war jetzt der Faden? War er rot? Ach ja: „Lostboi Loni“ und „Brudi die Band“ - die könnte man locker in eine Liste packen, und der Sound würde sich dann als Genre „Coming of Autotune“ nennen: Flächig, melancholisch, suchend. Das blubbert, fluffert so durch, von dem verlorenen Loni gibt es eine EP („ich bin da“), die aber auch ein wenig amplitudenfrei dahin plätschert: „Man kann immer irgendwie alles besser machen, und ich glaub sogar, dass man sich auch ändern kann.“ /// Die EP ist ja urplötzlich die Pop-Darreichungsform der Corona-Stunde - eine Sammlung Lieder, die nicht genug sind, eine LP zu sein, aber mehr als nur ein paar Singles; die Playlist quasi, die sich selber nicht als Album überfordert. Was jetzt wiederum nicht zu Charlotte Brandi und ihrer EP „an das Angstland“ passt, Überleitung missglückt, denn der Popentwurf, der hier zugrunde liegt, ist eine Zumutung für Popmusik, eine bewusste Überforderung, die doch ein Album sein könnte. Wohin will das? Echokammerfolkpop mit reigenartigen Gitarrenlinien und naiven Melodien, die mit Kinderliedern flirten, Indiepop, der mit diesen ganzen Effekten ein lyrisches Dystopia heraufbeschwört. Hier bricht sich auch die Sehnsucht nach Naturlyrik Bahn: „Oh dass ich doch nur eine Pflanze werde und dass mir dieser enge Stängel verholzt. Kein teckerndes Lachen, keine Gebärde, kein Bein mehr, kein Stolz. Meine Finger wären Blätter aus Leder Richtung Fensterscheibe gestreckt.“, dichtet Brandi in „WIND“, ein Song, in dem plötzlich auch Dirk von Lowtzow auftaucht. Die vier Lieder, die sich „an das Angstland“ richten, oder aber dieses beschreiben bis überwinden, heißen in Großbuchstaben „WIND“, „FRIEDEN“, „FRIST“ und „WUT“, sie fühlen sich an wie Theatermusik, wie Eisler zu schiefer Lyrik und entfalten in ihrer Sonderbarheit einen geigenartigen Sog. ///

Die besten Alben & Songs 2020

ALBEN

01 ok.danke.tschüss / kaputt weil’s nicht funktioniert

02 Haim / women in music part III

03 Hayley Williams / Petals For Armor

04 Lianne La Havas / Lianne La Havas

05 Halsey / Manic

06 The Chicks / Gaslighter

07 Austra / Hirudin

08 Kylie / Disco

09 Sophie Hunger / Halluzinationen

10 Soccer Mommy / color theory

 

 

SONGS (wie immer ohne welche, die auf den Alben drauf sind, weil die sind natürlich auch gut)

01 Billie Eilish / My Future

02 Pet Shop Boys / Monkey Business

03 Suzane / Le potin

04 Khruangbin & Leon Bridges / C-Side

05 Porridge Radio / Give / Take

06 Pomplamoose / prioritise mois

07 Christine & The Queens / people, I’ve been sad

08 Dua Lipa / Future Nostalgia

09 Claire Laffut / Étrange Mélange

10 Billie Eilish / no time to die

 

2020 war auch ein Jahr der EP, des kurzen Albums - in den nächsten Tagen kommt noch was zu den schönsten EPs des Jahres.

There must be something in the water

Hoher Männerüberschuss im Halbfinale von „The Voice Of Germany: Der popticker untermauert seine These, dass in der Casting-Show mit zweierlei Mass gemessen wird

Am Sonntag 13.12.20 findet das Halbfinale der zehnten Staffel von „The Voice Of Germany“ statt. Unter den zehn Finalist*innen sind gerade mal zwei Frauen - da hilft es auch nicht viel, dass eine von ihnen, Paula Dalla Corte, am Sonntag drauf das Finale gewinnen wird: Dieses Ungleichgewicht ist blöd. Nachdem der Popticker bereits statistisch nachgewiesen hat, dass in den Blind-Auditions bei den Frauen weniger gebuzzert wird, muss man sich fragen, ob in dieser Show gleiche Massstäbe für alle gelten. Mir drängt sich der Verdacht auf, dass technische Brillanz bei Männern mit offenen Mündern honoriert wird, während sie bei Sängerinnen quasi als Grundvorraussetzung angesehen wird, um überhaupt da sein zu dürfen. Der Raum für künstlerische Entfaltung ist daher bei den männlichen Teilnehmern größer, es genügt, wenn sie beiläufig auch die ein oder andere handwerkliche Begabung mitbringen, oder umgekehrt, wenn sie nur diese haben, aber keinerlei Idee erkennen lassen, für welche künstlerische Idee sie stehen könnten. Der Türspalt zum Halbfinale war für Frauen zumindest in diesem Jahr viel schmaler - wenn sie technisch nicht brillant waren, wurde ihnen gesagt, das reiche nicht, selbst dann wenn ein noch so eigensinniger Popentwurf zu erkennen war, wurde er eben nicht erkannt. Das führt in der Summe zu einer Vielzahl an Männern im Halbfinale, die technisch brillant, aber künstlerisch langweilig singen.

Es rächt sich einfach, dass in den unsäglichen „Sing Ofs“ das sympathische Voice-Prinzip, nach dem nicht Teilnehmer*innen um Stars, sondern Stars um Kandidat*innen buhlen, umgeworfen wird, und hier die Teams von 11 Sänger*innen auf nur 2 verkleinert werden müssen. Bei diesem Fliessbandvorsingen setzen sich nicht die durch, die eine Popidentität jenseits des gehobenen Karaoke-Gesangs erahnen oder sogar hören und sehen lassen, sondern eher Wettstreiter mit sportiver Herangehensweise - und das sind zumindest in dieser Staffel in der Mehrzahl Männer.

Wie gesagt: Das Ganze wird nach meiner Einschätzung durch die Tatsache konterkariert, dass wohl und hoffentlich eine Frau diese Staffel gewinnen wird: Paula Dalla Corte hat eine naive Brillanz, ein schluffig-glamouröses Star-Appeal, mit dem sie in den erwähnt blöden Sing-Ofs Lewis Capaldis „Bruises“ mit derartiger Hingabe sang, dass man sich zeitweise schon Sorgen machte, ihr könne im Wasser wirklich kalt werden: „There must be something in the water / cause everyday it's getting colder.“ - klar wurde jedenfalls: Hier singt jemand, der Popsängerin werden könnte. (Selbst David Guetta, der sich, da er von Singen nichts versteht und auch einfach kein Musiker ist, als Gast-Coach im Team Samu Haber und Rea Garvey als kompletter Fehlgriff erwies, konnte Paula nicht vom Weg abbringen.) Man kann nur hoffen, dass dieser Sängerin die Zeit bleibt und gegeben wird, das unfassbare Talent zu entwickeln, das in ihr schlummert - von ihr würden sich in meiner Familie jedenfalls, Menschen also von 8 bis 48, eine Platte kaufen - unabhängig von dem Ausgang dieses TV-Wettbewerbs.

Der alte Hase Album

Miley Cyrus spielt Igel

Miley Cyrus hat in den vergangenen Wochen recht rockige Song-Cover lanciert, „Heart Of Glass“ als melodischen Punkrock, „Zombie“ (von den Cranberries) leicht schneller und mit Power-Riff, sie präsentierte zudem einen neuen Look, der man mit Punkrock und Power-Riff beschreiben könnte, und dann streute sich auch noch Gerüchte, sie plane, demnächst ein Album zu machen auf dem sie Metallica-Lieder nachsingt. Es macht schon großen Spaß, Miley Cyrus bei derartigen Selbstkonzeptionierungen zuzusehen. Sie denkt sich neue Erscheinungsfiguren aus, zwischen denen und ihrem öffentlichen Bild der Person Miley sich dann ein Image aufspannt. Solcherlei Imagekampagnen sind an und für sich nichts Neues, vielmehr sind sie inzwischen steter Bestandteil des Popgeschehens, spätestens seit es Musikvideos gibt. Aber was Miley Cyrus sich patentieren lassen könnte, ist die allmähliche Verfertigung des Images beim Inszenieren Desselbigen. Sie geht dann einen Schritt in eine Richtung, prüft, wie sich diese Richtung anfühlt, und korrigiert sie entsprechend. Mancher dieser Schritte sind spontan, manche sind inszeniert. Und genau diese Abwechslung zwischen authentischen und geplanten Popmoves sind äusserst unterhaltsam. Nachteilig wirkt sich freilich aus, dass diese Strategie marketing-technisch wie die Geschichte von Hase und Igel wirkt: Immer, wenn sie irgendwo ankommt, wie jetzt mit einem deutlich rock-orientierten Album, denkt man: Da ist sie ja schon. Und der alte Hase Album-Release zieht dann weiter - und wo immer es ihn auch hinzieht, wird auch wieder Igel Cyrus sitzen und wieder sagen: Ich bin doch schon da. Und wo sie zuvor war, das bricht zusammen. Kein Wunder eigentlich, dass der Signature-Song der Post-Hanna-Montana-Cyrus „Abrissbirne“ heißt.

„Plastic Heart“ also heißt das neue Album, und es ist gedacht als Peak der rockistischen Unterwanderung des gesamten Popiversums Cyrus, so eben, wie sich das andeutete in besagtem Pop-Moves mit Rock-Grooves und Punk-Riffs, aber „Plastic Hearts“ jetzt eben leidet auch ein wenig darunter, dass man das Gefühl hat, sie ist quasi schon wieder weg, und das Album ist, so wie wir es uns nach „Monster“ und „Heart Of Glas“ vorgestellt haben, viel besser, als es nun in der Realität geworden ist. In dem Album-Hase schreit der Igel Miley: Ich bin doch schon da. Und der Hase antwortet: Und ich bin schon wieder weg. Man könnte auch sagen: Ein Album ist zu langsam für Miley Cyrus.