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Zentrifugierte Emulsionen

Die neue Single von Rosalía

Mit der Diplom-Arbeit ihres Flamenco-Studiums hat Rosalía dem Flamenco als solchem eine Frischzellenkultur verpasst: das Album „El Mal Querer“ hat die Rhythmiken, Tänze, Melodien und Texte einmal mit dekonstruiertem RnB, Hiphop-Attitüde und Pop durchlüftet, und traditionellen Flamenco-Experten sprachen schon dieser Platte den Flamenco ab, während weltweit Pop-Exegeten der Meinung waren, hier hören wir die abgedrehteste Musik der Welt. Vielleicht war der Popentwurf aber tatsächlich noch ihrem Diplom geschuldet, denn die erste Single nach „El Mal Querer“ ist nun erschienen, und „A Palé“ ist nur noch in Prisen und Partikeln Flamenco, hier hört man sozusagen Zentrifugalkräfte und Emulsionen der Zutaten ihrer bisherigen Musik, die sich als freie Radikale im Popraum loopen. Selten klang Pop avantgardistischer und gleichzeitig minimaler. Wo soll das noch hinführen? Wahnwitz im Quadrat, schaut euch das mal an:

 

 

Von Chamberpopschaum umgeben

Wenn nur noch Koch-Rezept-Allegorien helfen, muss die Musik wunderbar sein: Das Album „Athena“ von Sudan Archives

Es gibt im Songwriting einen grundlegenden Unterschied zwischen MusikerInnen, die auf der Gitarre komponieren und denen, die am Klavier Lieder schreiben. Fast immer kann man das auch hören - wer zum Beispiel an Songs von Elton John denkt, denen hört man das Piano auch dann an, wenn es in der letztendlichen Aufnahme, die man kennt, gar nicht oder zumindest nicht vordergründig zu hören ist. Nun ist „Sudan Archives“ auf den Plan des Pop getreten, und es gibt keinen Zweifel, dass das komponierende Instrument bei ihr die Geige ist. Das allein schon ist bemerkenswert, aber bei Sudan Archives kommt hinzu, dass die Geige nicht nur so gespielt und eingesetzt wird, wie man das von einer Geige gewohnt ist, denn hier legt die Violine rhythmische Pfade, wird betrommelt und geloopt, agiert melodisch gegenläufig zur Stimme, und ihr Klang wird elektronisch verfremdet - heißt mithin: „Sudan Archives“ komponiert nicht nur mit ihrem Instrument, sie legt mit ihm auch den Grundstein für Produktion und Sound ihrer Musik.

Heraus kommt dabei eben Musik, wie man sie noch nicht gehört hat, ein diffuser RnB mit polyrhythmischen Jazztupfern von Chamberpopschaum umgeben und mit Texten besungen, die von Kindheit und der Idiotie einer erwachsenen Welt erzählen, von Befreiung, Liebe und absurd auferlegten Beschränkungen - sowie Sudan Archives sich das Geigespiel selber beigebracht hat, so steht sie in der Welt, und davon erzählt ihre Musik in Form und Inhalt. Das Debüt-Album von ihr, „Athena“, ist eine der bemerkenswertesten Platten der letzten Jahre.

Ehrlichkeit ist keine Jugend

Jeanette Biedermann hat eine in allen Belangen bemerkenswerte Platte veröffentlicht.

In dem Genre Popmusik, in dem selbst die Authentizität meist nur Show ist, verkommt Ehrlichkeit oft zur Attitüde. In den 90ern zumal, als Pop, so es nicht Grunge war, gerade zu einen Plastik- und Künstlichkeitsfetisch entwickelte, kam Jeanette Biedermann auf die Bildfläche, als sexy Rock-Röhre mit Feuern auf dem Schrottplatz und Lieder wie „Rocking On Heavens Floor“, „Run With Me“ oder „Right Now“ - aus dem Setzkasten der Rock-Lyrik und dem Gewürz-Regal des Poprock wurde hier ein weitestgehend sinnfreier Pop zelebriert, der sehr erfolgreich war. Nicht gerade die idealen Voraussetzungen, um nun auf einmal grundehrliche Lieder über, zum Beispiel, die DDR zu singen.

Die Formulierung mag überstrapaziert sein, aber ob man es nun glaubt oder nicht: Jeanette Biedermann hat sich neu erfunden. Zwar mag diese Musik noch immer als Poprock durchgehen, aber sie singt nun selbst geschriebene Lieder mit deutschen Texten, und zwar tolle Texte. In dem Lied „Deine Geschichten“ erzählt sie, dass ihr Vater Peter-Frampton-Platten im Intershop gekauft hat, sie erinnert sich wehmütig aber nicht kitschig an ihn, der offenbar kürzlich gestorben ist, was sie aber nicht rührselig verkauft, sondern nur als Schattierung in einem bemerkenswerten Lied einsetzt. Sie findet singbare Zeilen über die „geliebte Freiheit“, wie sie Zeit für sich findet („Solotrip“) oder wie sie ihr Erfolgsjahrzehnt „in den 90ern“ erlebt hat.

Selten kippt ihr Popentwurf in den Schlager, und wenn doch, scheint das sehr bewusst. Sie biedert sich auch nicht dem derzeitig allseits präsenten Ouh-Oh-Deutschpop an, sondern hält die Lieder in einer Schwebe zwischen fast schon zu naher Ehrlichkeit und augenzwinkernder Referenz an ihr früheres Image der antiseptischen 90er-Femme-Fatale. Und sie widersteht der Versuchung läppischer Sing-Aussprache, bei der quasi jeder Vokal zum „Ö“ wird. Das Album „DNA“ ist nicht wirklich meine Musik, aber es ist von verblüffender Souveränität und durchweg gelungen.

You are my swimming pool

Die wunderschöne EP „Big Blue“ der fabelhaften Songwriterin Bess Atwell

In merkwürdigen Gefilden der Popmusik gibt es immer solche, die an Merkwürdigkeiten schrauben, die jenseits dessen, wie Popmusik bislang funktioniert haben könnte, Sounds und Strukturen generieren, die man noch nicht gehört hat - so kommt das Neue in die Welt, und das ist sicher auch gut so. Wieder andere musizieren Althergebrachtes erneut, kanonisieren das Dagewesene, indem sie es covern, wieder auflegen, remixen, pflegen und mit neuen Ohren hören wollen. Sicher sind dies nicht die einzigen wesentlichen Strömungen von Popmusik, aber sie nehmen für sich genommen so viel Aufmerksamkeit auf sich, dass die beständig an der Popularmusik als Kulturtechnik weiter Denkenden manchmal im Schatten stehen, Musiker*innen, die Songs schreiben und mit den wesentlich zur Verfügung stehendem Instrumenten erschallen lassen.

Pop würde aber ohne diese Menschen den Boden unter den Füssen verlieren. Und da kommt nun Bess Atwell ins Spiel, im Spezifischen deren neue EP „Big Blue“, welche den Song als Kern der Popmusik anerkennt und mit bekannten künstlerischen Mitteln erklingen lässt - ohne so eine unprätentiöse Popmusik würde sie, die Popmusik, zur Gänze wohl in der Sackgasse landen. Genannte EP umfasst 5 Songs irgendwo zwischen flächigem Folk, gezupften Slowrock und leicht brüchigem Indiepop, simpel gehalten, unaufgeregt produziert und zur Gänze sympathisch und wunderschön. Bess Attwell strickt aus einer Allegorie, einer Idee einen Songtext, der immer knapp über der Oberfläche des Privaten das Allgemeine sucht, feinsinnig Zwischenmenschliches so leichtfertig und lässig singt, dass man sich wieder erkennt, und sich dann oft erst hinterher fragt, warum jemand für die Singende wohl ein Swimming Pool sein könnte - was singt die denn da? Und warum fühl ich mich gemeint, obwohl ich nichts verstanden habe?

Wenn solche Songs nicht mehr gemacht würden, würde auch die Suche nach Neuem einfrieren, insofern zieht der Popticker seinen Hut vor 5 so wunderbaren Liedern.

< HIER > geht es zur Website von Bess Atwell

Synthies aus Troja

Caroline Smith alias „Your Smith“ und ihre Suche nach dem perfekten Popsong

Einen Text über die singende Songwriterin, die sich „Your Smith“ nennt, wollte ich damit beginnen, wie lässig britisch ihre Musik sei. Jetzt stelle ich heute fest: Sie ist gar nicht britisch. Also zumindest nicht die Person Caroline Smith, sie stammt aus Minneapolis. Aber die Musik, so fange ich jetzt doch an, ist sehr lässig und irgendwie schon auch britisch. Die Sängerin, deren Suche und Findung einer Popidentität mit stimmigen Popentwurf sich in der Veröffentlichungspolitik von Singles und EPs widerspiegelt, hat im Zuge eben dieser Suche einen Künstlernamen erfunden, eben „Your Smith“, der somit nicht am Ziel sondern am Beginn dieser Suche stand und sich inzwischen mit Leben und Musik gefüllt hat. Die Suche nach dieser Musik ist wiederum nicht weniger als die lakonische Hoffnung auf den perfekten Popsong als solchen - und ist somit bislang wirklich passender in Singles und EPs aufgehoben als in einer LP, die ja immer auch ein kohärentes Statement ist oder zumindest sein könnte. Die Lieder, die also für sich genommen erscheinen, und es wären inzwischen genug, um ein Album zu füllen, sortieren sich im gewissen Sinne in zwei Kategorien: Die, die auf einem Rhythmus basieren, und die, die auf einer Akkordfolge beruhen.

Auf Caroline Smith gestossen bin ich durch die britisch batzige Uptempo-Soulnummer „The Spot“, die auf einem klaren Bumm-Tschk-Klack-Beat fusst, dessen Becken-Tschk hin und wieder mit einem Doppelschlag auf der Kuhglocke zu beschleunigen scheint. Der Song ist bestechend klar, und in dem Video tanzt Smith so unwiderstehlich cool durch englisch erscheinende Strassen in den USA, dass es eine Freude ist. "In Between Plans" wiederum baut auf einem Gitarren-Riff auf, das fluffig leicht verhallt einleitet und sich dann zugunsten des Gesangs zurück zieht, um dann erst wieder zum Refrain ein wenig dessen Textzeilen unterstreicht.

„Your Smith“ macht nicht viel Aufhebens um die Refrains ihrer Songs. Die musikalischen Konklusionen vertrauen der Grundidee der Lieder. Die Vorgehensweise ist im gewissen Sinne die Königsdisziplin des Songwriting und, wenn man so will, sowas wie die DNA von Popmusikl. Auf diese Weise auch bekommt man recht viele Sound-Einflüsse aus Subgenres untergemogelt. Während „The Spot“ eher nach Soul klingt, schaut sich „In Between Plans“ im Indiefolk um, „Wild Wild Woman“ benutzt Synthiewave als trojanisches Pferd, um dann doch Gitarren-Pop zu sein, und „Bad Habit“ beweist, dass Caroline Smith selbst Balladen unterkühlen kann. Aber niemals wirken zaghafte Zitate und Anspielungen angestrengt oder überbordend - die Musik von Smith bleibt immer bescheiden und dadurch heimelig und sympathisch. Irgendwann wird aber auch hier der Moment erreicht sein, in der die Suche an einem Album ankommt. Darauf freut sich der Popticker.

Train comes back and we still don’t know it's destination

Eine kurze Geschichte des Poptrios Sugababes anlässlich deren Comebacks in der originalen Besetzung

Eine erfreuliche Pop-Nachricht aus England: Die Sugababes kommen zurück. Oder sie gründen sich wieder. Oder sie erfinden sich neu. Man weiß es ja nicht. Das Trio trat jedenfalls in der letzten Woche in der „Graham Norton Show“ auf und sang ein neues Lied, namentlich waren dies Siobhan Donaghy, Keisha Buchanan und Mutya Buena Wer sich jetzt ein wenig auskennt, wird erkannt haben, und wer sich nicht auskennt, dem sei gesagt: Diese drei Musikerinnen sind die drei Gründerinnen der Sugababes. Das wäre nicht weiter bemerkenswert, wenn zur letzten Formation, die unter dem Namen „Sugababes“ Musik veröffentlichte, kein Gründungsmitglied mehr gehörte. Wie es dazu kommen konnte, das ist auch ein wenig die Geschichte eines Popentwurfs im Wandel schneller Popzeiten, eine übergreifende Idee jenseits der Konkretion, wer sie zu welchem Zeitpunkt verkörperte und nun wieder verkörpert, und das ist wiederum um so verblüffender, als das die ursprüngliche Idee der Sugababes eine Abgrenzung vom Popzirkus war, der Versuch nämlich Bubblegum-Pop für Teenager authentischer und persönlicher auszuformen.

Doch der Reihe nach. Der Signature-Song der Sugababes war natürlich im Jahre 1999 ihr erster Hit, „overload“, jene lakonische Pop-Perle mit den ikonischen Hook-Zeilen „Train comes, I don’t know ist destination. It’s a one-way-ticket to a madman’s situation“. Dieser pfiffige Refrain katapultiert das Lied aus seiner eigentlichen Umlaufbahn der gesungenen Teenager-Probleme in eine übergreifend britisch-kryptische Pophymne. Der Song kommt mit schluffig scharfem Bass-Beat-Gerüst ungeheuer schnell in Fahrt - der Gesang setzt schon nach 15 Sekunden Intro ein und ist damit noch heute streaming-zeitgemäss. Die drei original Sugababes finden eine bewundernswert beiläufige Art, engagiert zu wirken, und der Sound von Synthie, Beat, Samples, rhythmisierten Störplickern und echofreier Gesangsmischung auf durchweg nur zwei Akkorden plufft irgendwo zwischen Hip-Hop und britischer Soul-Musik. Und „Overload“ beinhaltet, das vergisst man oft, ein Gitarren-Solo mittendrin. In dem Video wirkten die drei Sugababes so herrlich entspannt und privat, dass das Lied um so mehr als Abkehr vom überkandideltem ultra-inszeniertem Überpop von Formationen wie Spice Girls oder Take That wirkte, der Ende der 90er die Charts verstopfte. „Overload“ gelang das, was einen Hit auch heute noch im Zeitalter der Postcharts der Popmusik im Wesentlichen ausmacht: Die Balance zwischen Indie- und Mainstream, den großen Popkonsens zu finden - der Song wurde und wird von Schulschwänzerinnen auf Innenstadtbänken ebenso geliebt wie von intellektuellen SPEX-Leser*innen und langbärtigen Hippierockern.

Und was man an dem Song liebte, wurde von Mutya Buena, Siobhan Donaghy und Keisha Buchanan auch verkörpert. Ihre Glamour-Verneinung wirkte glamourös, ihre Uncoolness war cool, und die Tatsache, dass sie ihre Songs selber schrieben, war in einer Popzeit, in der durchgecastete Konzept-Formationen den Teenies den Kopf verdrehten, fast schon eine Unverschämtheit. Hinzu kam ihr souveräner Umgang mit ihren Stimmen mit paritätischer Strophenverteilung und vereinzelter Zeilenverstärkung als auch in gegenläufigen chorischen Harmonien oder paralleler Melodieführung. Während Siobhan Donaghy mit ihrer Stimme und der Art zu singen britisches Understatement und eine Prise Folk einbrachte, zog Keisha Buchanan eine Ebene Soul und RnB unter, und Mutya Buena zentrierte das Ganze mit deepem Poptimbre.

Dennoch versprach „Overload“ auch mehr Konsens als das Debüt-Album „One Touch“ einlösen konnte. Die lakonische Coolness findet sich allenfalls noch in der unterspannten Uptempo-Nummer „Lush Life“, aber dieser Song war nicht mal eine Single. Das Album ist keinesfalls misslungen, aber es beinhaltete keine Hits mehr für Teenager oder Indiellektuelle - geschweige denn einen Zweiten, der beide Hörerschaften ansprach. Und so verlor ihr Plattenlabel „London Records“ das Interesse an den Sugababes. Zeitgleich verliess Siobhan Donaghy das Trio aus privaten Gründen, und die Sängerin Heidi Range nahm ihren Platz ein.

Heidi Range stand von vornherein für einen anderen Popentwurf oder sagen wir lieber einen anderen Berufsethos: Pop als Dienstleistung. Range war einige Monate zuvor schon kurzzeitig Mitglied bei der Formation „Atomic Kitten“, die zeitgleich dann einen deutlich gestyllteren Popentwurf verfolgte. Mit hohem professionellem Anspruch nahm Heidi Range nun aber die ihr zugewiesene Rolle bei den Sugababes ein, und ihr Verzicht auf größere Individualisierungs-Eskapaden an der Seite der mitunter exzentrisch uncoolen Mutya Buena und Keisha Buchanan legten den Grundstein für den kommerziellen Erfolg, ohne dass das Image der lakonischen alternativen Girl-Group Schaden nahm. „Island Records“ roch den Braten und gab dem Trio einen Vertrag über mindestens zwei Alben. Das erste, „Angels With Dirty Faces“, erschien Anfang 2002. Es ist eine höchst unterhaltsame, clever abwechslungsreiche Pop-Platte. Schon die Vorab-Single „Freak Like Me“ schaffte wieder den schweren Spagat zwischen Mainstream-Format-Radio und Futter für Pop-Connaisseure. Der Track ist ein Mash-Up aus zwei Songs: „Are friends electric?" des 80er-Electronic-Pioneers Gary Numan aus dem Jahre 1979 und einem Hip-Hop-Soul Song der Rapperin Adina Howard au dem Jahre 1987, der ebenfalls „Freak like me“ heißt. Mit der Single überführten die Sugababes einen frühen Trend der Musikbearbeitung auf dem Computer in den Mainstream, den so genannten Bastardpop, bei dem zwei oder mehr Hits miteinander fusioniert werden.

Überhaupt enthält dieses zweite Album einige Kabinetts-Stückchen des Bubble-Pop, die sich heute noch brillant anhören: Das getragene, ultracoole „stronger“ mit dem scharfen Schlagzeug-Beat auf einer Ballade, das nach Triphop und „Massive Attack“ klingt, (und ein feministischer Aufruf zu mehr Selbstbewusstsein und Ehrlichkeit ist), oder die Überschreibung von Stings „Shape of my heart“, die bei den Sugababes einfach nur „Shape“ heißt, eine Ballade, in der der abwechselnde Gesang sich trotz niedrigem Tempo fast rappend rhytmisiert, wodurch eine rätselhafte Schönheit entsteht. Mit dem dazu gehörigen retro-futuristischem Rokoko-Musikvideo, in dem die drei Sugababes Kleider tragen, deren Bustiers aus umherflatternden Schmetterlingen bestehen, wird erstmalig ein Paradigmenwechsel sichtbar. Zwar bleibt die britische Beiläufigkeit noch Bestandteil des Images, aber der Popentwurf wird jetzt glamouröser zelebriert und dahin gehend inszeniert. Auch andere Videos sind nun von großer Opulenz und stylischer Ästhetik. Signifikant für diesen bewussten Twist im Erscheinen des Poptrios ist eine kurze Szene in dem erwähnten Video zu „shape“: Ein gockelgangiger Mann mit Federschmuck versucht Mutya mit dem Radschlag wie ein Pfau zu beeindrucken. Mutya ringt sich darauf allenfalls ein müdes Lächeln mit Augenaufschlag ab.

Die beiden stärksten Lieder des Albums „Shape“ und „Stronger“ führen dann auch zutage, dass die Zurückhaltung von Heidi Range diese gleichzeitig ins stimmliche Zentrum der Chorsätze und des paritätischen Zeilenpingpongs gerückt hat. Ranges professioneller Arbeitsethos wird zum Fundament des Klangbildes der Sugababes. Die hemdsärmelige, eher zufällige Sound-DNA der Sugababes, das saubere Nebeneinander dreier Charaktere und echo- wie tremolofreier Stimmen, das aus dem Hip Hop entlehnte Ineinanderfliessen von Stimmreihung und chorischen Effekten auf flächig breiten Pop-Synthies mit Folk-Gitarren und RnB-Beats wurde mit Heidi Ranges bürohaftem Popfleiss anwendbar und und so zum Rezept eines gelungenen Sugababes-Songs. Diese Sichtbarwerdung einer Art Pop-Formel hat letztlich zur Folge, das die Sugababes jenseits ihrer Sängerinnen auch als Idee einer Formation im Pop-Markt Bestand haben. Zwar wird eben diese Idee, wie wir noch sehen werden, in der Folge auch fortwährend beschädigt, erweist sich aber mit der Übernahme des Namens Sugababes durch die drei Gründungs-Mitglieder im Jahre 2019 letztlich als nachhaltig und stabil.

Zunächst wird auf dem nächsten Album, dass die Nummer der Studioalben-Zählung im Namen trägt, und also „three“ heißt, die Dominanz von Heidi Range deutlich. Der Hit-Pop wird zum über allem schwebenden Ideal in der Ausrichtung. Die Charts sind noch relevant im Jahre 2003, und das Konstrukt der alternativen Girl-Group, welches ursprünglich Gründungsethos und Alleinstellungsmerkmal des Trios war, wird vom Pop nach Vorschrift abgelöst. Das funktioniert teilweise auch trotzdem noch ganz gut: Der gitarrengriffige Singalong-Hit „Hole In The Head“ holt fast schon Britpop in den Sound, „In The Middle“ ist eine veritabler Synthiepophit, und die Idee „Quand j’ai peur de tout“ von Patricia Kaas für den Film „Love actually“ auf Englisch zu covern, ist auch nicht blöd. Dennoch bleibt „Three“ in der Summe eine Platte ohne Ambitionen, und sie hat auch keine Höhepunkte wie die ersten beiden Alben - die Umbesetzung mit Heidi Range anstelle von Siobhan Donaghy hat zunächst zum künstlerischen Zenith nun aber auch zur beginnenden Erosion der Idee und der Formation Sugababes geführt.

Das vierte Album „taller in more ways“ wird dann das erste des Trios, das man getrost vergessen kann. Gut, einen Ultra-Ohrwurm wie „Push the Button“ muss man auch erst mal hinkriegen, aber das war’s dann auch schon. Die Songs wirken uninspiriert, der souveräne Umgang mit den Stimmen der drei Sängerinnen, sei es in der Abwechslung oder im chorischen Satz, ist verloren gegangen, und weder das britische Understatement noch das zuvor durchaus feministische Selbstbewusstsein finden sich wieder. Das was jenseits der jeweiligen Mitglieder die Sugababes ausmachte, ist nicht gepflegt worden, und Mutya Buena erkennt diese Situation und schmeisst entnervt hin. Die vier der 11 Songs auf Album Nummer Vier, in denen Buena die meisten Solo-Parts sang, werden rasch in der neuen Besetzung neu eingesungen; die Neue im Bunde hieß Amelie Berrabah.

Mit dem Dreiergespann Buchanan, Range, Berrabah wurden dann neben dem halben Album noch die beiden Platten „Change“ (2008) sowie „Catfights & Spotlights“ (2010) veröffentlicht. Beide Platten überführten den Bandnamen zwar erfolgreich in ein weiteres halbes Jahrzehnt seiner Existenz, aber wirkliche Perlen oder gar Impulse gingen von diesen künstlich am Leben erhaltenen Sugababes nicht mehr aus. Nachdem mit Keisha Buchanan Mitte 2009 das letzte verbliebene Gründungsmitglied das Trio verließ und diese durch Jade Ewen ersetzt wurde, kann man nur noch von einem Verrat an den eigentlich geretteten Bandnamen und seinem dahinter steckenden Popentwurf sprechen. Die auf dem siebten Album veröffentlichen Lieder sind seelenlose Tracks, die den Namen Sugababes verschmutzen. „Get Sexy“ zum Beispiel ist eine Bankrotterklärung von Pop an sich, eine Eurodancenummer, die partout sexy sein will, und nicht einmal mehr die Sporen einer Melodie enthält. An diesem Punkt nun wurde nun der Name Sugababes gerettet, in dem das Projekt 2011 zunächst für beendet erklärt wurde - zum Glück muss man sagen.

Bereits 2012 gab es einen halbherzigen Versuch der Gründungsmitglieder einer Reunion unter dem freilich nicht ganz griffigen Namen „Mutya Keisha Siobhan“. Die hatten zu diesem Zeitpunkt schlicht nicht die Rechte an dem Namen „Sugababes“ - aber das scheint sich jetzt geändert zu haben. Zwar ist das in der „Graham Norton Show“ präsentierte Lied "Flowers" auf einer vom britischen „DJ Spoony“ kuratierten Dancefloor-Compilation zu hören und fungiert unter dessen Namen featuting Sugababes. Was wir da aber hören, einen triphoppigen Hybridbeat unter geloopten Streichern, parallele Stimmführung im Refrain und paritätische Aufteilung der Strophen - es scheint durchaus, als wäre diesem DJ Spoony und den neuen alten Sugababes die Zutatenliste eines gutes Sugababes-Liedes bekannt. Zudem scheint weitere Musik in Vorbereitung, denn auf die Frage, ob es die Reunion nur anlässlich dieses Feature gäbe, sagten die drei, Nein, man arbeite derzeit an „etwas“, denn schliesslich werde ihr Debüt-Album 2019 zwanzig Jahre alt; und auf Nortons Frage, woran man denn da arbeite, bestätigten sie dessen Mutmaßung, er handele sich vermutlich nicht um Schokolade oder ein Auto. Man darf also gespannt sein.

Vielleicht wäre es geschickt gewesen für dieses Comeback auch Heidi Range mit an Bord zu holen, die nach Keisha Buchanan die zweitlängste Zeit Mitglied dieses Trios war, das vielleicht auch als Quartett funktionieren würde. Aber dass der Name noch erhalten ist und trotz einiger Kratzer wie gesagt auch jenseits der Tatsache, wer gerade mitsingt, für einen Popentwurf steht, ist die hübsche Geschichte einer Charts-Band, die es nun noch mal in der Ära der Postcharts versuchen will. Der Popticker freut sich darauf.

Traurigkeit mit Kontext

Lana Del Reys grandioses Album „Norman Fucking Rockwell“

Wollte man eine Entwicklung in Lana Del Reys’ Musik über inzwischen 5 Alben benennen, so könnte man sagen, dass der Grundsound ihrer Musik im Laufe der letzten sieben Jahre einen Tick handgemachter geworden ist - mehr Piano, mehr tatsächliche Streicher, weniger Elektronik. Sonst hat sich nicht viel getan, noch immer wird mit pastellfarbener Unterkühlung ein hollywoodhaftes Amerika herauf beschworen, das sich in lethargischer Verzückung in Autokinos und American Diners abspielt. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass die Musik insgesamt schärfer, queerer, wütender und, ja, politischer klingt. Vermutlich liegt das daran, dass sich das tatsächliche Amerika so radikal von dem entfernt hat, nachdem sich die Musik von Lana Del Rey sehnt. Der Popentwurf, der einst eine marketing-originelle Attitüde im Pop-Zirkus war, wurde zu einem aufmüpfig utopischen Statement, und damit einher ging, dass Elizabeth Wooldridge Grant, wie Lana mit bürgerlichem Namen heisst, sich immer mehr mit der ursprünglich recht anonym-öffentlichen Kunstfigur Del Rey identifizieren kann

Hinzu kommt, dass Lana Del Reys’ Songwriting sich dieser gesteigerten Identifikation und Bedeutung ihrer Musik bewusst zu sein scheint, und die Doppeldeutigkeiten in den neuen Songs ganz herrliche Kurven, Umwege und Irrtümer provozieren. Das fängt schon mit dem Titel-Lied „Norman Fucking Rockwell“ an, in dem der besungene Rockwell, amerikanischer Maler und Illustrator, erfolgreich in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, plötzlich als Maler und Erfinder der Figur Lana Del Rey angesprochen wird - da findet das schraffiert-utopische, in sich ruhende Amerika Anschluss an seine patriotischen gemalten Ursprünge. Das ist ein wahnsinnig kluger und bewegender Song. Der dann mit dem zweiten Stück auf der Platte „Mariners Apartment Komplex“ noch gesteigert wird: „You took my sadness out of context / at Mariners Apartment Komplex“ - ein unheimlich präsenter, traurig hoffnungsvoller Folksong. Das dritte Lied sucht dann wieder in der Norman Rockwell - Illustrator - Lana Del Rey - Schleife Umwuchten: „You write, I tour, we make it work / You're beautiful and I'm insane / we’re American made“. Und so schön klingen die Klaviere und Streicher.

So geht das weiter, 4 Seiten, 14 Lieder lang, kein Ausfall - ein verstörend amerikanisches, erratisches Album voller Traurigkeit und trotziger Hoffnung, wenn das letzte Lied dann „hope is a dangerous thing for a Woman like me to have - but I have it“ heisst. Ich war bislang nicht Fan von Lana Del Rey, aber „Norman Fucking Rockwell“ ist nicht weniger als ein fucking Meisterwerk.

Kein Fomo

Ein paar Eindrücke meiner ersten zwei Tage auf dem Reeperbahnfestival

Zwei Grundregeln gelten für das Reeperbahnfestival: Man sollte, erstens, die Angst ablegen, etwas zu verpassen. Der Fachbegriff für diese Angst ist übrigens „Fomo“, welcher wiederum die Abkürzung der englischen Formulierung „fear of missing out“ ist. Wer das Reeperbahnfestival mit Fomo angeht wird wahrscheinlich einen Nervenzusammenbruch erleiden, denn bei 600 Konzerten in vier Tagen, verpasst man naturgemäss fast alle. Man sollte, zweitens, die wenigen Flaggschiffe und bekannten Acts meiden, denn wer eine Stunde für Mando Diao ansteht, läuft Gefahr, umsonst gestanden zu haben.

Also auf ins Getümmel: Am ersten Festivaltag habe ich zwei Formationen gesehen, die aus zwei Frauen bestanden: „Ider“ suchen einen britischen Soul und kreieren in paralleler Stimmführung einnehmende Hit-Melodien. Live spielen sie mit Ableton auf dem Mac, einer Gitarre und einem Schlagzeug. Faszinierend wie gestochen scharf ihre Live-Versionen den Songs auf ihrer prima Platte „emotional education“ entsprechen. Gleiches könnte man mutmasslich auch für die beiden Musikerinnen von „I’m not a blonde“ sagen, ich kenne nur deren Platte nicht, aber sie nutzen auch Ableton und ergänzende Instrumente für den electro-clashigen Synthiepop. Ein kurzes Konzert, das unglaublich gute Laune machte.

Dazwischen habe ich noch eine geschminkte Sängerin gesehen: Die Schwedin Cornelia Adamsson nennt sich „Virgina & The Flood“ und spielte im kleinen Mojo-Jazz-Café einen sphärischen Countryfolk, der irgendwo zwischen Kate Bush und Davendra Banhart schwebt. Vor ein paar Jahren nannte man es Freak-Folk. Adamsson ist eine tolle Songwriterin und ihre Auftritt war eindeutig ein Highlight meines ersten Festivaltages.

Im völlig überfüllten „Molotow“ spielte dann noch die Band von Bonos Sohn, die so klingt, als wären die anderen Bandmitglieder auch U2-Söhne.

Nicht all zu begeistert war ich bei „Jules Aho“i, der ein wenig klingt wie Mumford & Sons, aber der handgemachte Blues-Folk passte sehr gut in das grosse Mojo. Dort habe ich auch den zweiten Festivaltag begonnen: „Les Amazones D’Afrique“ sind eine Art Kollektiv, fast könnte man sagen eine Worldmusic-Supergroup, zu der Sängerinnen aus Mali, Benin, Gabon und Nigeria gehören. Sie machen nach Eiger Aussage feministischen Afro-Funk, und so ist das auch: Die nominell aus 12 Musikerinnen und unzähligen (berühmten) Gästen (wie Angélique Kidjo und Nneka) bestehende Formation traten in Hamburg mit DJ, Schlagzeug und Gitarristen und vier Sängerinnen auf. Sieben Leute auf der Bühne, die sie selber kleine Besetzung nennen, setzten erwähnten Afropunk derart auf den Punkt ins Mojo, das man schwerlich nicht tanzen konnte. Das ist wirklich ganz toll, schaut euch das an, wenn die mal irgendwo in euere Stadt kommen.

Der gestrige zweite Festivaltag wurde so für mich ein Tag der Weltmusik, denn danach ging es mit einer Zwischenstation mit Düsseldorfer Country-Folk im Kaiserkeller in den Nochtspeicher, den ich als Location eh schon liebe, und dort spielte Aziza Brahim. Ihr Album „Soutak“ war 2016 Platte des Jahres in diesem Blog. Aziza Brahim stammt aus der Westsahara, die Sahrauis sind ein Volk, dessen Heimaterde von Marokko als Territorium beansprucht wird, Marokko erkennt die von den Sahrauis ausgerufenen „Demokratische Arabische Republik Sahara“ nicht an, viele Sahrauis leben seit den 90er Jahren in Flüchtlingslagern in der algerischen Sahara. Aziza Brahim singt von der Entwurzelung und dem Leid ihres Volks, von Kriegen und von der Sehnsucht nach Ruhe, Frieden und Heimat. Ihre Lieder sind von emotionaler und politischer Dringlichkeit.

Für ihre derzeitige Tour durch Europa hat sie eine klassische Bandbesetzung - Bassist, Gitarrist und Schlagzeuger dabei - zusammen gestellt, die ihre wunderbaren Lieder jazziger interpretieren. Die vier Musiker*innen strahlen ein polyrhythmische Ruhe und Dringlichkeit aus, ein erhabenes Konzert von grosser musikalischer Schönheit - Berlinerinnen, geht da hin, sie spielt morgen, 21.09. in Berlin.

Danach habe ich noch die auch einen Post weiter unten erwähnte Ami Warning gesehen. Ihr deutschsprachiger Soulpop kann sich live vermutlich besser entfalten, wenn es früher als nachts ist und man nicht schon vier Konzerte in den Beinen hat - denn hier muss man eigentlich den Texten zuhören. Aber Warning hat sich eine tolle Band engagiert, und das würde ich gerne noch mal sehen - gestern nacht, ich habe das angedeutet, konnte ich den Auftritt nicht mehr so recht goutieren, obwohl ich, siehe einen Post weiter unten, die aktuelle Platte sehr liebe.

/// Songs zum Sonntag /// 010919 ///

/// Der Titelsong zum erst im November erscheinenden Album von Max Herre, „Athen“, ist eine großflächige lyrische Geschichte einer episodenhaften Liebe. Ein Paar will nach Athen, offenbar kommen sie da nicht an oder realisieren paralysiert, dass, wenn sie doch ankommen sollten, mit dieser Reise nicht das erreichen werden, was sie zu erreichen hofften. Die Musik ist hier fast verschwindend, Synthieflächen auf denen Herre spricht, hin und wieder auch noch mit Autotune verzerrt, kein Beat, keine wirkliche Melodie, der Song, wenn man ihn noch so nennen will, ist nahe der spoken poetry auf hörbarem Hintergrund. Dadurch entsteht so ein zerbrechlicher Pathos, dem man sich einerseits schwer entziehen, den man andererseits auch kaum aushalten kann. Tendenziell scheint das Album durchaus musikalischer zu sein, als diese gesprochene Eloge ist - drei weitere Songs, die es auch sind, gibt es bereits, und sie signalisieren ultra-entschleunigten, sensitiven Nachdenk-Hip-Hop. So viele Widersprüche als Pop-Stil zu binden wird ein schwieriges Unterfangen - und es ist aller Ehren wert, unabhängig davon, ob es gelungen ist. Meine Wiese ist es nicht. /// Auf ihrer neuen Platte „Lover“ hat Taylor Swift auch die großartigen Dixie Checks zum Song geladen - „Soon You’ll Get Better“ heißt der, und es ist eine klassische Trost-Ballade im Country-Stil, leise, fluffige Blues-Harmonien, paritätische Textaufteilung, schmmrige Melodie - mutmasslich von der Songwriterin und Sängerin der Dixie Chicks Natalie Maines geschrieben. Abgesehen davon, dass ich sowieso schon glücklich bin, mal wieder deren Stimme zu hören, ist dieses Lied doch ein wenig zu wenig. Da haben zwei Kräfte, die jeder für sich schon Millionen von Platten verkauft haben, darauf vertraut, zusammen automatisch ein Meisterwerk zustande zu bekommen, „Soon You’ll Get Better“ aber ist allenfalls passabel geworden. Schade. ///

Ausweglos schön

Lou-Adriane Cassidy aus Frankreich hat eines der schönsten Pop-Alben des Jahres aufgenommen

Das Debüt-Album der französischen „Voice“-Teilnehmerin Lou-Adriane Cassidy zeigt den französischen Chanson in seiner ganzen Klarheit und Schönheit, in seiner Stabilität aber auch, in Nachbarschaften reinzuschnuppern. Schon der Opener, der Album-Titel-Song „La fin du monde à tour les jours“ zeigt mehre solcher Ausflüge - klingt am Anfang noch Jazz durch, atmet die kaltschnäuzige Intonierung eher Popluft, bevor dann schmachtende Streicher das Lied in die französische Breite ziehen - ein B-Teil stürzt das Ganze dann sogar noch in einen Prog-Rock-Garten - was ist hier denn eigentlich los?

„La poussière“, der zweite Song des Albums dann, ist flapsiger Indie-Rock - trocken aufgespielt mit tollem Bass-Lauf und wieder diesen ironischen Streichersätzen, die es auch schon im ersten Stück gab. Das ist so verdammt gut gemacht, immer zwischen zynischer Trockenheit über das Ende der Welt hinüber schlendernd in die trotzige Ausweglosigkeit der Schönheit des Lebens; davon handeln die Texte, es sind lyrische Kleinode über die Notwendigkeit nicht zu verzweifeln, auch wenn sie nur vom Regen („il pleut“) handeln. Cassidy beherrscht die stete Doppeldeutigkeit von Pop-Songs, wenn man im Stück „l’antidote“ (mit der schönen ersten Zeile „küss mich übermütig, mein Gegenmittel“) über weite Strecken nicht weiß, ob sie vom Meer oder einer Person singt, und ein wunderschönes Break in einen plötzlichen Walzer diese Zweischneidigkeit in Emotion überführt. Lou-Adriane Cassidy kann aber auch eine kleine, feine Gitarren-Ballade in jazziger Chanson-Schwebe halten, die, wie sollte es anders sein, von der Liebe handelt („la petite mort“).

„C’est la fin du monde à tour les jours“ ist ein brillantes Pop-Album, das quasi auslotet, wie man Pop überhaupt noch machen könnte, das man aber eben auch einfach nur hören kann.