popticker

Traurigkeit mit Kontext

Lana Del Reys grandioses Album „Norman Fucking Rockwell“

Wollte man eine Entwicklung in Lana Del Reys’ Musik über inzwischen 5 Alben benennen, so könnte man sagen, dass der Grundsound ihrer Musik im Laufe der letzten sieben Jahre einen Tick handgemachter geworden ist - mehr Piano, mehr tatsächliche Streicher, weniger Elektronik. Sonst hat sich nicht viel getan, noch immer wird mit pastellfarbener Unterkühlung ein hollywoodhaftes Amerika herauf beschworen, das sich in lethargischer Verzückung in Autokinos und American Diners abspielt. Dennoch kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass die Musik insgesamt schärfer, queerer, wütender und, ja, politischer klingt. Vermutlich liegt das daran, dass sich das tatsächliche Amerika so radikal von dem entfernt hat, nachdem sich die Musik von Lana Del Rey sehnt. Der Popentwurf, der einst eine marketing-originelle Attitüde im Pop-Zirkus war, wurde zu einem aufmüpfig utopischen Statement, und damit einher ging, dass Elizabeth Wooldridge Grant, wie Lana mit bürgerlichem Namen heisst, sich immer mehr mit der ursprünglich recht anonym-öffentlichen Kunstfigur Del Rey identifizieren kann

Hinzu kommt, dass Lana Del Reys’ Songwriting sich dieser gesteigerten Identifikation und Bedeutung ihrer Musik bewusst zu sein scheint, und die Doppeldeutigkeiten in den neuen Songs ganz herrliche Kurven, Umwege und Irrtümer provozieren. Das fängt schon mit dem Titel-Lied „Norman Fucking Rockwell“ an, in dem der besungene Rockwell, amerikanischer Maler und Illustrator, erfolgreich in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, plötzlich als Maler und Erfinder der Figur Lana Del Rey angesprochen wird - da findet das schraffiert-utopische, in sich ruhende Amerika Anschluss an seine patriotischen gemalten Ursprünge. Das ist ein wahnsinnig kluger und bewegender Song. Der dann mit dem zweiten Stück auf der Platte „Mariners Apartment Komplex“ noch gesteigert wird: „You took my sadness out of context / at Mariners Apartment Komplex“ - ein unheimlich präsenter, traurig hoffnungsvoller Folksong. Das dritte Lied sucht dann wieder in der Norman Rockwell - Illustrator - Lana Del Rey - Schleife Umwuchten: „You write, I tour, we make it work / You're beautiful and I'm insane / we’re American made“. Und so schön klingen die Klaviere und Streicher.

So geht das weiter, 4 Seiten, 14 Lieder lang, kein Ausfall - ein verstörend amerikanisches, erratisches Album voller Traurigkeit und trotziger Hoffnung, wenn das letzte Lied dann „hope is a dangerous thing for a Woman like me to have - but I have it“ heisst. Ich war bislang nicht Fan von Lana Del Rey, aber „Norman Fucking Rockwell“ ist nicht weniger als ein fucking Meisterwerk.

Kein Fomo

Ein paar Eindrücke meiner ersten zwei Tage auf dem Reeperbahnfestival

Zwei Grundregeln gelten für das Reeperbahnfestival: Man sollte, erstens, die Angst ablegen, etwas zu verpassen. Der Fachbegriff für diese Angst ist übrigens „Fomo“, welcher wiederum die Abkürzung der englischen Formulierung „fear of missing out“ ist. Wer das Reeperbahnfestival mit Fomo angeht wird wahrscheinlich einen Nervenzusammenbruch erleiden, denn bei 600 Konzerten in vier Tagen, verpasst man naturgemäss fast alle. Man sollte, zweitens, die wenigen Flaggschiffe und bekannten Acts meiden, denn wer eine Stunde für Mando Diao ansteht, läuft Gefahr, umsonst gestanden zu haben.

Also auf ins Getümmel: Am ersten Festivaltag habe ich zwei Formationen gesehen, die aus zwei Frauen bestanden: „Ider“ suchen einen britischen Soul und kreieren in paralleler Stimmführung einnehmende Hit-Melodien. Live spielen sie mit Ableton auf dem Mac, einer Gitarre und einem Schlagzeug. Faszinierend wie gestochen scharf ihre Live-Versionen den Songs auf ihrer prima Platte „emotional education“ entsprechen. Gleiches könnte man mutmasslich auch für die beiden Musikerinnen von „I’m not a blonde“ sagen, ich kenne nur deren Platte nicht, aber sie nutzen auch Ableton und ergänzende Instrumente für den electro-clashigen Synthiepop. Ein kurzes Konzert, das unglaublich gute Laune machte.

Dazwischen habe ich noch eine geschminkte Sängerin gesehen: Die Schwedin Cornelia Adamsson nennt sich „Virgina & The Flood“ und spielte im kleinen Mojo-Jazz-Café einen sphärischen Countryfolk, der irgendwo zwischen Kate Bush und Davendra Banhart schwebt. Vor ein paar Jahren nannte man es Freak-Folk. Adamsson ist eine tolle Songwriterin und ihre Auftritt war eindeutig ein Highlight meines ersten Festivaltages.

Im völlig überfüllten „Molotow“ spielte dann noch die Band von Bonos Sohn, die so klingt, als wären die anderen Bandmitglieder auch U2-Söhne.

Nicht all zu begeistert war ich bei „Jules Aho“i, der ein wenig klingt wie Mumford & Sons, aber der handgemachte Blues-Folk passte sehr gut in das grosse Mojo. Dort habe ich auch den zweiten Festivaltag begonnen: „Les Amazones D’Afrique“ sind eine Art Kollektiv, fast könnte man sagen eine Worldmusic-Supergroup, zu der Sängerinnen aus Mali, Benin, Gabon und Nigeria gehören. Sie machen nach Eiger Aussage feministischen Afro-Funk, und so ist das auch: Die nominell aus 12 Musikerinnen und unzähligen (berühmten) Gästen (wie Angélique Kidjo und Nneka) bestehende Formation traten in Hamburg mit DJ, Schlagzeug und Gitarristen und vier Sängerinnen auf. Sieben Leute auf der Bühne, die sie selber kleine Besetzung nennen, setzten erwähnten Afropunk derart auf den Punkt ins Mojo, das man schwerlich nicht tanzen konnte. Das ist wirklich ganz toll, schaut euch das an, wenn die mal irgendwo in euere Stadt kommen.

Der gestrige zweite Festivaltag wurde so für mich ein Tag der Weltmusik, denn danach ging es mit einer Zwischenstation mit Düsseldorfer Country-Folk im Kaiserkeller in den Nochtspeicher, den ich als Location eh schon liebe, und dort spielte Aziza Brahim. Ihr Album „Soutak“ war 2016 Platte des Jahres in diesem Blog. Aziza Brahim stammt aus der Westsahara, die Sahrauis sind ein Volk, dessen Heimaterde von Marokko als Territorium beansprucht wird, Marokko erkennt die von den Sahrauis ausgerufenen „Demokratische Arabische Republik Sahara“ nicht an, viele Sahrauis leben seit den 90er Jahren in Flüchtlingslagern in der algerischen Sahara. Aziza Brahim singt von der Entwurzelung und dem Leid ihres Volks, von Kriegen und von der Sehnsucht nach Ruhe, Frieden und Heimat. Ihre Lieder sind von emotionaler und politischer Dringlichkeit.

Für ihre derzeitige Tour durch Europa hat sie eine klassische Bandbesetzung - Bassist, Gitarrist und Schlagzeuger dabei - zusammen gestellt, die ihre wunderbaren Lieder jazziger interpretieren. Die vier Musiker*innen strahlen ein polyrhythmische Ruhe und Dringlichkeit aus, ein erhabenes Konzert von grosser musikalischer Schönheit - Berlinerinnen, geht da hin, sie spielt morgen, 21.09. in Berlin.

Danach habe ich noch die auch einen Post weiter unten erwähnte Ami Warning gesehen. Ihr deutschsprachiger Soulpop kann sich live vermutlich besser entfalten, wenn es früher als nachts ist und man nicht schon vier Konzerte in den Beinen hat - denn hier muss man eigentlich den Texten zuhören. Aber Warning hat sich eine tolle Band engagiert, und das würde ich gerne noch mal sehen - gestern nacht, ich habe das angedeutet, konnte ich den Auftritt nicht mehr so recht goutieren, obwohl ich, siehe einen Post weiter unten, die aktuelle Platte sehr liebe.

/// Songs zum Sonntag /// 010919 ///

/// Der Titelsong zum erst im November erscheinenden Album von Max Herre, „Athen“, ist eine großflächige lyrische Geschichte einer episodenhaften Liebe. Ein Paar will nach Athen, offenbar kommen sie da nicht an oder realisieren paralysiert, dass, wenn sie doch ankommen sollten, mit dieser Reise nicht das erreichen werden, was sie zu erreichen hofften. Die Musik ist hier fast verschwindend, Synthieflächen auf denen Herre spricht, hin und wieder auch noch mit Autotune verzerrt, kein Beat, keine wirkliche Melodie, der Song, wenn man ihn noch so nennen will, ist nahe der spoken poetry auf hörbarem Hintergrund. Dadurch entsteht so ein zerbrechlicher Pathos, dem man sich einerseits schwer entziehen, den man andererseits auch kaum aushalten kann. Tendenziell scheint das Album durchaus musikalischer zu sein, als diese gesprochene Eloge ist - drei weitere Songs, die es auch sind, gibt es bereits, und sie signalisieren ultra-entschleunigten, sensitiven Nachdenk-Hip-Hop. So viele Widersprüche als Pop-Stil zu binden wird ein schwieriges Unterfangen - und es ist aller Ehren wert, unabhängig davon, ob es gelungen ist. Meine Wiese ist es nicht. /// Auf ihrer neuen Platte „Lover“ hat Taylor Swift auch die großartigen Dixie Checks zum Song geladen - „Soon You’ll Get Better“ heißt der, und es ist eine klassische Trost-Ballade im Country-Stil, leise, fluffige Blues-Harmonien, paritätische Textaufteilung, schmmrige Melodie - mutmasslich von der Songwriterin und Sängerin der Dixie Chicks Natalie Maines geschrieben. Abgesehen davon, dass ich sowieso schon glücklich bin, mal wieder deren Stimme zu hören, ist dieses Lied doch ein wenig zu wenig. Da haben zwei Kräfte, die jeder für sich schon Millionen von Platten verkauft haben, darauf vertraut, zusammen automatisch ein Meisterwerk zustande zu bekommen, „Soon You’ll Get Better“ aber ist allenfalls passabel geworden. Schade. ///

Ausweglos schön

Lou-Adriane Cassidy aus Frankreich hat eines der schönsten Pop-Alben des Jahres aufgenommen

Das Debüt-Album der französischen „Voice“-Teilnehmerin Lou-Adriane Cassidy zeigt den französischen Chanson in seiner ganzen Klarheit und Schönheit, in seiner Stabilität aber auch, in Nachbarschaften reinzuschnuppern. Schon der Opener, der Album-Titel-Song „La fin du monde à tour les jours“ zeigt mehre solcher Ausflüge - klingt am Anfang noch Jazz durch, atmet die kaltschnäuzige Intonierung eher Popluft, bevor dann schmachtende Streicher das Lied in die französische Breite ziehen - ein B-Teil stürzt das Ganze dann sogar noch in einen Prog-Rock-Garten - was ist hier denn eigentlich los?

„La poussière“, der zweite Song des Albums dann, ist flapsiger Indie-Rock - trocken aufgespielt mit tollem Bass-Lauf und wieder diesen ironischen Streichersätzen, die es auch schon im ersten Stück gab. Das ist so verdammt gut gemacht, immer zwischen zynischer Trockenheit über das Ende der Welt hinüber schlendernd in die trotzige Ausweglosigkeit der Schönheit des Lebens; davon handeln die Texte, es sind lyrische Kleinode über die Notwendigkeit nicht zu verzweifeln, auch wenn sie nur vom Regen („il pleut“) handeln. Cassidy beherrscht die stete Doppeldeutigkeit von Pop-Songs, wenn man im Stück „l’antidote“ (mit der schönen ersten Zeile „küss mich übermütig, mein Gegenmittel“) über weite Strecken nicht weiß, ob sie vom Meer oder einer Person singt, und ein wunderschönes Break in einen plötzlichen Walzer diese Zweischneidigkeit in Emotion überführt. Lou-Adriane Cassidy kann aber auch eine kleine, feine Gitarren-Ballade in jazziger Chanson-Schwebe halten, die, wie sollte es anders sein, von der Liebe handelt („la petite mort“).

„C’est la fin du monde à tour les jours“ ist ein brillantes Pop-Album, das quasi auslotet, wie man Pop überhaupt noch machen könnte, das man aber eben auch einfach nur hören kann.

Oh my god, I think it’s Karma

Zentrale Erkenntnisse über Liebe und Angst

Marina Lambrini Diamandis sucht schon seit ein paar Jahren die Formel für den perfekten Popsong, und die Suchprotokolle ihrer Forschungsarbeiten bündelt sie immer wieder in Alben. Für ihre Forschungszwecke stehen ihr eine fantastische Stimme und ein präzises Gespür für Melodien zur Verfügung, Melodien, die ihre Kunstfertigkeit von voller Brust- in seichte Kopfstimme und wieder zurück zu kippen, herausfordern, um mit diesen Stimm-Brüchen auch Stimmungen zu brechen. Mit diesen klaren Mitteln findet sie Songs, deren plötzliche Banalität sich mit suchender Ernsthaftigkeit vermischen, zuletzt bündelte sie ihre Lieder auf zwei Alben, die als eines erhältlich sind: „Love & Fear“.

Die Songs auf „Love“ handeln dabei ebenso von Angst, wie die ängstlichen Lieder von Liebe berichten, und aus all diesen gezielten Widersprüchen schält sich ein Sammelsurium von erratischer Popschönheit. Wermutstropfen auf diesem nahezu perfekten Pop-Album: Die Produktion ist ein wenig einlullend, die Lieder klingen durchweg wie aus einem Guss, und die beschriebenen, disparaten Widersprüche werden so ein wenig eingeebnet. So lange aber so schrullig blubbernde Uptempo-Nummern wie „Karma“ dabei heraus kommen, genügt das, um erstaunt schmachtend auf diese Musik zu achten und jemandem dabei zuzuhören, die verstanden hat, was Popmusik alles kann. Marina Lambrini Diamandis ist ohne jede Frage eine der tollsten Popstars, die wir 2019 haben.

Songs zum Sonntag /// 290519

/// Die Band „Golf“ hat nichts mit Autos oder Florian Illies zu tun, aber sie besetzt durchaus ganz bewusst Topoi und Sounds, die Assoziationen wecken, und insofern haben sie dann eben doch mit Autos und der Generation zu tun, die so heisst wie sie. Sie sind nur jünger. Und sie beherrschen den Synthie-Wave der 80er aufs Trefflichste und sind somit der lebende Meta-Beweis zur These von Falco, dass, wer sich an die 80er erinnert, sie nicht erlebt hat: Bass und Beats eher wie von einer Band, der Synthie in drei Schichten - Riff, Fläche, Blubbern aus der Nähe - und darüber dann kühl gehaltener Gesang. Das hat auf ihrem Debüt-Album „Playa Holz“ schon für den, der sowas mag, gut funktioniert, und nun ist ein neues Lied erschienen, das mutmasslich die VÖ von Album Nummer 2 einleitet - „Italien ´97“ heisst diese Single, und an der musikalischen Architektur hat sich nichts geändert, siehe oben. Da kann man zu tanzen, spülen oder aus dem Fenster träumen - lässig. /// Ein Comeback: Jeanette Biedermann. Die hat mit Ohrwurm-Poprock die 90er beschallt, nachdem sie in „Gute Zeiten, schlechte Zeiten“ mitgespielt hatte. Derzeit ist sie in der aktuellen Staffel „Sing meinen Song“ im Fernsehen zu sehen, und zeitgleich also erscheint jetzt auch bald ein neues Album. Dass es auf Deutsch ist, mag schon gar nicht mehr so sehr überraschen, das ist derzeit derart im Trend, das macht Sinn, aber die zweite Single des Albums „DNA“ kramt in Biedermanns eigener DDR-Biographie: Das Lied erzählt die Geschichte eines alten Freundes, der gestorben ist, der Peter-Frampton-Platten im Intershop gekauft hat, und mit dem sie die Wende erlebt hat, der ihr nahe stand. Auf ihrer Website erzählt sie, dass es in dem Lied um ihren Vater geht - das geht aus dem Songtext nicht unmittelbar hervor - ich hab das Lied zunächst anders interpretiert, und das ist ja auch etwas, das für ihn spricht. Man kann diesen Song kitschig finden, das ist er sicher auch, aber in seinem Deutschrock, der ein wenig an „Silbermond“ erinnert, hat er eine ganz eigene, ehrliche Note, und ich finde ihn berührend. Was Jeanette Biedermann hier versucht, ist jedenfalls aller Ehren wert. ///

Stiller Klebstoff aus der Provinz

Den Blick auf Deutschpop werfen - Folge 10

Der Sound des Songzyklus „Klebstoff“ hält es als Album zusammen: Sphärisch flächige Chöre und Synthesizer, dahinter organisches Schlagzeug und darüber echofrei der fast kalt zurückhaltende Gesang von Mine, die Texte voller vier- bis fünffach um die Ecke gedachter Allegorien erdenkt: „Was ich mag, fass ich an / Was ich fasse, leidet dran / Klebstoff an meiner Hand / Ich wünschte du wärst mir unbekannt / Doch jetzt nehme ich dich mit / Ob du es willst oder nicht.“ Das ist aber auch schon alles, das sich über diese Musik rasch in Worte fassen lässt, denn der zugrunde liegende Popentwurf ist äusserst sonderbar, und er besteht in diesem Sinne vor allem darin, wie die Musik eben ist - jenseits von Worten, die ermöglichen würden, darüber zu sprechen. Wer hier einen Zugang findet, hat garantiert eine tiefe Liebe zu diesem Album, es ist Popmusik wie keine andere, aber ich empfinde subjektiv eine komische Distanz - schade. Ich würde diese Musik gerne lieben.

Auf der Digital-Version der neuen Langspielplatte von Alexa Feser „A!“ findet man einige der Lieder in Akustik-Versionen, und hier kann man ganz gut verstehen, wie diese Popmusik gebaut ist: Auf Klavierballaden lädt man elektrische Beats, verflächelt das Ganze mit Deutschpop-Gitarrenlicks und „Aaaah“ und „Ouuuh“-Chören und schaut ernst in Mikrofon und Kamera. Das klappt auch soweit ganz gut, sogar über Albumlänge, aber was fehlt, ist das, was sich der an sich gut singenden Alexa Feser mal in den Weg stellt. Die Texte der Lieder generieren sich immer nah an der Sprechphonetik ihre eigene Melodie, und dadurch gehen Text und Gesang immer Hand in Hand, und niemals bricht das eine mal dem anderen weg, oder es geschieht irgendetwas Unerwartetes, und wenn doch, macht sich das nur auf der einen Ebene, auf der es geschieht, bemerkbar. Ein Beispiel: Wenn Alexa Feser singt „Du weißt, wir beide haben gehofft, wir beide trennen uns nie oder nur mit dem Tempo von Rost.“ bringt das Wort „Rost“ tendenziell eine andere Farbe in den Song, aber diese andere Farbe besteht eben auch nur in dem Wort - melodisch singt sie das weg wie erwartbare Begriffe in solchen Liedern, Liebe, Zeit, wir und so weiter. Alles bleibt schön, und das wenige Merkwürdige merkt man so wenig, so dass es auch besagte Würde, gemerkt zu werden, verwirkt.

Das komponierende Instrument ist bei Jenniffer Kae mutmasslich eher die Gitarre als das Klavier, und elektronisch wird hier auch nichts darauf ergänzt: Die erste Langspielplatte dieser in diversen Background-Funktionen und Casting-Formaten bereits in Erscheinung getretenen Sängerin kommt sehr akustisch daher, es klingt nach Folk, nach Country gar, Chamberpop und Unplugged-Session - „Stille“ der letzte und stärkste Song des Albums „halb 4“ hat waschechte Blues-Harmonien: „Nach Einfachheit und Leichtem, nach Sinnlichkeit und Echtem, ich sehn’ mich nach Stille, wie schön es wär’, einfach zu treiben, in Frieden mit der Zeit, vielleicht mit dir, vielleicht allein.“ - zwar neigt Jenniffer Kae auch hin und wieder dazu, die gesungenen Vokale in das „Ö“ hinein zu ziehen, und es schleicht sich diese seichte Schluffheit in die Haltung, die nach verträumter Emotionalität klingen soll, aber zum Glück singt sie Texte, die das verhindern, weil man sie im Singen verstehen muss und ihnen andere Melodien abverlangt als die blosse Auflösung der Sprechphonetik in Musik. Viele Songs schrammen so knapp am Kitsch vorbei, und das ist wiederum ja eine hohe Kunst des Songwritings - in der Summe jedenfalls eine recht schöne und bemerkenswerte Platte.

Kann sich noch jemand an das Subgenre Electroclash erinnern? Jene Fusion aus Rock, Synthie, NDW und New Wave also? Das gibt es auch immer noch oder wieder oder immer wieder oder weder noch. Jetzt von der Band mit dem Namen „Exclusive“, die singen auf Deutsch und versuchen sich, ich hab das angedeutet, an Electroclash. Das Problem dabei: Das sind Milchbubis aus München, ihnen fehlt die Wut, ihnen fehlt das Problem. Der Schmock, den Rock und jeglicher Clash braucht, ist nicht da, hier musizieren 5 junge Männer auf der Suche nach Unzufriedenheit und wirken dabei doch recht zufrieden: „Wenn man immer wieder Daft Punk hört und deine Mutter sich beschwert, weisst du, du hast schon verloren. / Wenn deine Freundin Witze macht, und darüber lachen kannst, weisst du, du bist schon gestorben.“ - abgesehen davon, dass hier gleich in der ersten Grammatikkonstruktion, die versucht, ein Satz zu sein, das besungene Objekt von „man“ zu „du“ wird, fragt man sich, was daran ein Problem ist, wenn man über die Witze seiner Freundin lacht. Hier dichtet ausgehende Adoleszenz auf der Suche nach einem Pop-Rezipienten, und auch wenn die Musik recht stilsicher mackert und angehend amtlich produziert ist, (hier ist auch vom neuen, immerhin dritten Album „Lieder für die Autobahn“ die Rede), man möchte „Exclusive“ hinterher rufen: Lebt erst einmal ein wenig, bevor ihr wütende Musik machen wollt.

Dann schon lieber „Provinz“, eine Band aus der Provinz um Ravensburg, die sind gefühlt noch jünger als die Münchner Milchbubis, aber sie singen von nichts, von dem sie noch hoffen, es erst durch ihre Musik zu erleben, sondern, was sie singen, davon wissen sie auch schon - zum Beispiel von Grossstadtskepsis (in der Tradition von Kraftclub(?)): „Sag, was soll der ganze Lärm? / Hype um nichts / Alle kommen sie her / doch versprechen könnt ihr nichts!“ - vielleicht bin ich nicht unbedingt die Hauptzielgruppe dieser Musik, aber das ist so klarer, ehrlicher, schöner Indierock, dass man denkt: Wenn es sowas noch gibt, dann ist die Spotifyisierung der Popwelt noch nicht abgeschlossen, und dass ein Major-Label vier Leuten aus der Provinz noch eine Chance gibt und sie erst mal nur eine EP mit dem Titel "reicht dir das" veröffentlichen lässt, heisst auch, dass noch nicht alles verloren ist: Es gibt noch Bands aus Probenkellern, aus dieser Provinz möchte man unbedingt mehr hören.

Die Zeitreisende

Lenas fast-Konzept-Album „Only Love, L“

Es gehört zu den Mythen der Popkultur, dass, wer durch die Zeit reist, sich aus der Geschichte heraus halten sollte, da sonst, wenn die Vergangenheit zur vorläufigen Zukunft des Zeitreisenden wird, die Vergangenheit dahin gehend verändert wird, dass die entsprechende Einmischung aufgrund dieser Einmischung gar nicht erfolgt wäre, wodurch man natürlich in einer Art Nichtzeitschleífe gerät. Nun hat Lena Meyer-Landrut natürlich keine Zeitreise gemacht, aber sie hat an sich selber in der Vergangenheit einen Brief in Form eines Songs geschrieben, und wenn dieser Brief bei ihrem früheren Ich angekommen wäre, hätte sie dieses Lied vielleicht gar nicht geschrieben.

Das wäre sehr schade, denn „Dear L“ ist ein grandioser Popsong, der zwischen bestürzend klarem Selbstbezug und fluffiger Pop-Leichtigkeit einen Mittelweg findet, von dem man vorher nicht geahnt hätte, dass es ihn gibt: Auf dem Riff einer leicht verzerrten E-Gitarre warnt sich Lena selber vor Rückschlägen, rät auf die Mutter und die eigene Intuition zu hören und überführt die fluffige Soulpopnummer in einen regelrechten Blues - schöner hätte ein neues Lena-Album kaum beginnen können. In Kombination mit dem dann folgenden „Thank You“, eine Anklagegesang gegen Hatespeech, Mobbing und Shitstorms im Internet, ist der Weg für ein durchweg fantastisches Pop-Album geebnet.

Verblüffend an der Souveränität, mit der hier in 13 Songs irgendwie jeder mitgenommen wird, der einen Bezug zu Lena hat, ist vor allem, dass sie an genau diesen Marktanforderungen des Popbetriebes gescheitert war, und die Arbeit an dem Album mit dem Arbeitstitel „Gemini“ einstellte. In dem sehr schönen Podcast der Reihe „Und was machst Du so?“ (auf Bento, Link < HIER >) schildert Lena Meyer-Landrut den Moment, an dem sie den Glauben an diese Platte verloren hatte - während einer Autofahrt: „Warum mache ich dieses Album? Ich hab’ gar keinen Grund, ich mach das nächste Album, um das nächste Album zu machen - das fühlt sich so kacke an.“ „Only Love“ nimmt die jungen Menschen mit, für die Lena auch eine Influencerin ist, ESC-Exegeten finden sich hier wieder, sie denkt an ihre LGBT-Fans, und auch die Indiepophörer jenseits der 40 (so wie ich) finden hier Songs, die sie prima finden. Das Album spaziert immer oben erwähnten Mittelweg zwischen banaler Oberfläche und überraschender Tiefe entlang, es nimmt und zitiert sich aus vielen Richtungen aktueller Popmusik ein paar Zutaten zusammen, wirkt aber nie kopistischj, abgeschmackt oder kalkuliert. Dass diese Musik generationsübergreifenden Zusammenhalt generiert, kann man allein daran ablesen, dass sie auch allen meinen drei Kindern und meiner Frau gefällt - das ist sonst noch niemandem geglückt. Ach doch: Billie Eilish.

Meine persönlichen Lieblingssongs sind der erwähnte Brief „Dear L“, das herrlich schwülstige und gleichzeitig leicht ironische „private thoughts“ sowie das trappig-hüpfende „sex in the morning“ - alles drei auch Lieder mit schönen Themen. Eine wunderbare Platte, ohne jeden Zweifel Lenas bislang Beste.

Songs zum Sonntag /// 310319

/// Marina Diamandis’ Song-Veröffentlichungs-Dramaturgie für ihr Doppelalbum „Love & Fear“ offenbart inzwischen, dass sie die unter „Fear“ versammelten Lieder noch im Unklaren lässt - will sagen: Alle vier der von diesem Projekt veröffentlichten Lieder befinden sich auf dem „Love“-Teil des Albums. So auch der Uptempo-Sommerhit „Orange Trees“, bei dem man erstmalig das Gefühl hat, dass diese erhaben großartige Sängerin ein wenig unter ihrem Niveau bleibt, weil der Song ihr nichts abverlangt. Solche Lieder braucht es aber eben auch auf einem Song-Zyklus, sie werden auf Album-Länge vermutlich zurückhaltend überleiten (in dem Fall in das noch sommerhitigere „Baby“, welches schon auf dem aktuellen Album von „Clean Bandit zu haben ist), aber als Single ist es, naja, wie gesagt, ein wenig wenig. Ändert nichts an Vorfreude. /// Pink wiederum, die macht jetzt ein wenig auf Electro-Swing: Das zweite Lied ihrer neuen im April erscheinenden neuen Platte heisst „hustle“ und schielt auf die Lindyhop-Szene. Dennoch verlässt es zu keiner Sekunde den Pfad des Popsouls und hat einen bestechenden Refrain - das ist risikofreier Kalkulationspop, gegen den man naturgemäss nicht all zu viele Argumente findet, ausser dass es risikofreier Kalkulationspop ist. ///

Nach Frankreich schielen

Blick auf Deutschpop werfen - Folge 09

Pop besteht nach meiner in diesem Blog entwickelten Sichtweise oftmals dadurch, dass wir das Neue wieder-erkennen - eben weil es nicht nur neu ist, sondern sich in Klang, Melodien, Arrangements und so weiter auf Anderes beruft, das schon bekannt ist. Wenn sich dieses Wieder-Erkennen primär aus einem benennbaren (Pop-)Jahrzehnt speist, klingt Musik retro. Wenn es wiederum aus hockaktuellen Pop-Zitaten besteht, könnte es sich um eine Mode oder einen Trend halten; womit wir bei Anna Loos wären. Die Sängerin und Schauspielerin hat die Auszeit ihrer Stammband „Silly“ zum Anlass für ein Solo-Album genutzt, das soeben erschienen ist - „Werkzeugkasten“ heisst es, und auch wenn Frau Loos für diese Platte nur einen Song mit Peter Plate geschrieben hat, kann man hier von der Peter-Plate-isierung des Deutschpop sprechen. Plate, das sei hier nicht unerwähnt, ist Mitglied von Rosenstolz, hat aber in letzter Zeit vor allem als Co-Komponist, Songschreiber und Produzent gewirkt: Er hat Sarah Connor ans Deutsche rangeführt, Bibi-und-Tina-Ohrwürmer ins Hier und Jetzt übersetzt und so unterschiedlichen Künstler*innen wie Max Raabe, Barbara Schönberger oder Michelle Lieder oder ganze Alben auf den Leib geschrieben und produziert. In Anna Loos’ Werkzeugkasten kann man sehen, wie seine Masche durchwirkt, auch wenn er selber wie gesagt nur bei einem Song mitgearbeitet hat: Da hören wir urbanen Schlager mit Breitwand-Gitarren-Echos, verhalltes Schlagzeug, simple Klavier-Akkordfolgen und Effekt-Streicher sowie eine Song-Lyrik, die im Wesentlichen aus Bewegungs- und Zeit-Sprachmustern besteht. „Echt und für immer“, „Startschuss“, „Wie beim ersten Mal“ oder „hier“ heissen dann die Lieder, und das sind dann so Zeilen wie „Ich hab’ den Startschuss schon gehört, aber da wo ihr hinrennt, will ich nicht hin.“ - ich auch nicht.

Elke Brauweiler wiederum scheint nach Frankreich zu wollen oder zumindest zu schielen. Oder sie schielt vielmehr aus dem Chansons, die sie gesungen hat, in Richtung des Deutschpop. Wie auch immer, ich bekomme das Sprachbild nicht so richtig hin. Jedenfalls ist das erste deutschsprachige Solo-Album von Elke Brauweiler (mit ihrer Band „Paula“ hat sie schon deutsch gesungen) ein ungewöhnliches und ein sehr gelungenes noch dazu - es heisst schlicht „Freund“: Spärliche Arrangements mit leichten Folk- und Jazz-Prisen und elektronischen Tupfern, zurück gehalten und dennoch fluffiger Gesang und höchst originelle Texte, deren zweite und dritte Ebenen sich teils auch erst beim zweiten und dritten Hörer erschliessen - „bist nicht du ohne all die schönen Beulen“ ist zum Beispiel eine Zeile aus dem Opener des Albums, ein Satz, der grammatisch nicht vollzählig ist, eigentlich ungelenk zum Singen erscheint und in seinem Sinn auf einer Strecke von acht Wörtern zweimal die Richtung wechselt. Derartig komplexe Du-Bilder kennt man sonst eben doch eher in dem französischen Chanson-Pop, und so ist dieses per Crodfunding finanzierte Album wirklich eine kleine Perle im deutschsprachigen Pop, mag ich sehr.

Auf einer ähnlichen Wiese in Berlin picknickt Phela mit ihrer kommenden Freitag erscheinenden zweiten Langspielplatte „Wegweiser“ (auf iTunes kann man vier Lieder schon vollständig, die restlichen in Ausschnitten hören). Diese Musik kommt ein wenig akustischer und folkiger daher als die von Elke Brauweiler, aber das gleichzeitig Selbstbewusste und Zerbrechliche in dem Popentwurf ist durchaus eine Verbindung - es sind dies leise Lieder mit bescheidenem Pathos und feinem Gespür geschrieben wie gesungen, und sie scheinen näher an der Sängerin als die ihres Debuts, das an manchen Stellen klang, wie sie glaubte, auf einem Debüt klingen zu sollen, um einige Platten zu verkaufen. Nach allem, was man schon von diesem Album hören kann, ist „Wegweiser“ tatsächlich eines, das dem Deutschpop einen Weg aufzeigt, authentisch und nicht kitschig zu sein.