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Oh my god, I think it’s Karma

Zentrale Erkenntnisse über Liebe und Angst

Marina Lambrini Diamandis sucht schon seit ein paar Jahren die Formel für den perfekten Popsong, und die Suchprotokolle ihrer Forschungsarbeiten bündelt sie immer wieder in Alben. Für ihre Forschungszwecke stehen ihr eine fantastische Stimme und ein präzises Gespür für Melodien zur Verfügung, Melodien, die ihre Kunstfertigkeit von voller Brust- in seichte Kopfstimme und wieder zurück zu kippen, herausfordern, um mit diesen Stimm-Brüchen auch Stimmungen zu brechen. Mit diesen klaren Mitteln findet sie Songs, deren plötzliche Banalität sich mit suchender Ernsthaftigkeit vermischen, zuletzt bündelte sie ihre Lieder auf zwei Alben, die als eines erhältlich sind: „Love & Fear“.

Die Songs auf „Love“ handeln dabei ebenso von Angst, wie die ängstlichen Lieder von Liebe berichten, und aus all diesen gezielten Widersprüchen schält sich ein Sammelsurium von erratischer Popschönheit. Wermutstropfen auf diesem nahezu perfekten Pop-Album: Die Produktion ist ein wenig einlullend, die Lieder klingen durchweg wie aus einem Guss, und die beschriebenen, disparaten Widersprüche werden so ein wenig eingeebnet. So lange aber so schrullig blubbernde Uptempo-Nummern wie „Karma“ dabei heraus kommen, genügt das, um erstaunt schmachtend auf diese Musik zu achten und jemandem dabei zuzuhören, die verstanden hat, was Popmusik alles kann. Marina Lambrini Diamandis ist ohne jede Frage eine der tollsten Popstars, die wir 2019 haben.

Songs zum Sonntag /// 290519

/// Die Band „Golf“ hat nichts mit Autos oder Florian Illies zu tun, aber sie besetzt durchaus ganz bewusst Topoi und Sounds, die Assoziationen wecken, und insofern haben sie dann eben doch mit Autos und der Generation zu tun, die so heisst wie sie. Sie sind nur jünger. Und sie beherrschen den Synthie-Wave der 80er aufs Trefflichste und sind somit der lebende Meta-Beweis zur These von Falco, dass, wer sich an die 80er erinnert, sie nicht erlebt hat: Bass und Beats eher wie von einer Band, der Synthie in drei Schichten - Riff, Fläche, Blubbern aus der Nähe - und darüber dann kühl gehaltener Gesang. Das hat auf ihrem Debüt-Album „Playa Holz“ schon für den, der sowas mag, gut funktioniert, und nun ist ein neues Lied erschienen, das mutmasslich die VÖ von Album Nummer 2 einleitet - „Italien ´97“ heisst diese Single, und an der musikalischen Architektur hat sich nichts geändert, siehe oben. Da kann man zu tanzen, spülen oder aus dem Fenster träumen - lässig. /// Ein Comeback: Jeanette Biedermann. Die hat mit Ohrwurm-Poprock die 90er beschallt, nachdem sie in „Gute Zeiten, schlechte Zeiten“ mitgespielt hatte. Derzeit ist sie in der aktuellen Staffel „Sing meinen Song“ im Fernsehen zu sehen, und zeitgleich also erscheint jetzt auch bald ein neues Album. Dass es auf Deutsch ist, mag schon gar nicht mehr so sehr überraschen, das ist derzeit derart im Trend, das macht Sinn, aber die zweite Single des Albums „DNA“ kramt in Biedermanns eigener DDR-Biographie: Das Lied erzählt die Geschichte eines alten Freundes, der gestorben ist, der Peter-Frampton-Platten im Intershop gekauft hat, und mit dem sie die Wende erlebt hat, der ihr nahe stand. Auf ihrer Website erzählt sie, dass es in dem Lied um ihren Vater geht - das geht aus dem Songtext nicht unmittelbar hervor - ich hab das Lied zunächst anders interpretiert, und das ist ja auch etwas, das für ihn spricht. Man kann diesen Song kitschig finden, das ist er sicher auch, aber in seinem Deutschrock, der ein wenig an „Silbermond“ erinnert, hat er eine ganz eigene, ehrliche Note, und ich finde ihn berührend. Was Jeanette Biedermann hier versucht, ist jedenfalls aller Ehren wert. ///

Stiller Klebstoff aus der Provinz

Den Blick auf Deutschpop werfen - Folge 10

Der Sound des Songzyklus „Klebstoff“ hält es als Album zusammen: Sphärisch flächige Chöre und Synthesizer, dahinter organisches Schlagzeug und darüber echofrei der fast kalt zurückhaltende Gesang von Mine, die Texte voller vier- bis fünffach um die Ecke gedachter Allegorien erdenkt: „Was ich mag, fass ich an / Was ich fasse, leidet dran / Klebstoff an meiner Hand / Ich wünschte du wärst mir unbekannt / Doch jetzt nehme ich dich mit / Ob du es willst oder nicht.“ Das ist aber auch schon alles, das sich über diese Musik rasch in Worte fassen lässt, denn der zugrunde liegende Popentwurf ist äusserst sonderbar, und er besteht in diesem Sinne vor allem darin, wie die Musik eben ist - jenseits von Worten, die ermöglichen würden, darüber zu sprechen. Wer hier einen Zugang findet, hat garantiert eine tiefe Liebe zu diesem Album, es ist Popmusik wie keine andere, aber ich empfinde subjektiv eine komische Distanz - schade. Ich würde diese Musik gerne lieben.

Auf der Digital-Version der neuen Langspielplatte von Alexa Feser „A!“ findet man einige der Lieder in Akustik-Versionen, und hier kann man ganz gut verstehen, wie diese Popmusik gebaut ist: Auf Klavierballaden lädt man elektrische Beats, verflächelt das Ganze mit Deutschpop-Gitarrenlicks und „Aaaah“ und „Ouuuh“-Chören und schaut ernst in Mikrofon und Kamera. Das klappt auch soweit ganz gut, sogar über Albumlänge, aber was fehlt, ist das, was sich der an sich gut singenden Alexa Feser mal in den Weg stellt. Die Texte der Lieder generieren sich immer nah an der Sprechphonetik ihre eigene Melodie, und dadurch gehen Text und Gesang immer Hand in Hand, und niemals bricht das eine mal dem anderen weg, oder es geschieht irgendetwas Unerwartetes, und wenn doch, macht sich das nur auf der einen Ebene, auf der es geschieht, bemerkbar. Ein Beispiel: Wenn Alexa Feser singt „Du weißt, wir beide haben gehofft, wir beide trennen uns nie oder nur mit dem Tempo von Rost.“ bringt das Wort „Rost“ tendenziell eine andere Farbe in den Song, aber diese andere Farbe besteht eben auch nur in dem Wort - melodisch singt sie das weg wie erwartbare Begriffe in solchen Liedern, Liebe, Zeit, wir und so weiter. Alles bleibt schön, und das wenige Merkwürdige merkt man so wenig, so dass es auch besagte Würde, gemerkt zu werden, verwirkt.

Das komponierende Instrument ist bei Jenniffer Kae mutmasslich eher die Gitarre als das Klavier, und elektronisch wird hier auch nichts darauf ergänzt: Die erste Langspielplatte dieser in diversen Background-Funktionen und Casting-Formaten bereits in Erscheinung getretenen Sängerin kommt sehr akustisch daher, es klingt nach Folk, nach Country gar, Chamberpop und Unplugged-Session - „Stille“ der letzte und stärkste Song des Albums „halb 4“ hat waschechte Blues-Harmonien: „Nach Einfachheit und Leichtem, nach Sinnlichkeit und Echtem, ich sehn’ mich nach Stille, wie schön es wär’, einfach zu treiben, in Frieden mit der Zeit, vielleicht mit dir, vielleicht allein.“ - zwar neigt Jenniffer Kae auch hin und wieder dazu, die gesungenen Vokale in das „Ö“ hinein zu ziehen, und es schleicht sich diese seichte Schluffheit in die Haltung, die nach verträumter Emotionalität klingen soll, aber zum Glück singt sie Texte, die das verhindern, weil man sie im Singen verstehen muss und ihnen andere Melodien abverlangt als die blosse Auflösung der Sprechphonetik in Musik. Viele Songs schrammen so knapp am Kitsch vorbei, und das ist wiederum ja eine hohe Kunst des Songwritings - in der Summe jedenfalls eine recht schöne und bemerkenswerte Platte.

Kann sich noch jemand an das Subgenre Electroclash erinnern? Jene Fusion aus Rock, Synthie, NDW und New Wave also? Das gibt es auch immer noch oder wieder oder immer wieder oder weder noch. Jetzt von der Band mit dem Namen „Exclusive“, die singen auf Deutsch und versuchen sich, ich hab das angedeutet, an Electroclash. Das Problem dabei: Das sind Milchbubis aus München, ihnen fehlt die Wut, ihnen fehlt das Problem. Der Schmock, den Rock und jeglicher Clash braucht, ist nicht da, hier musizieren 5 junge Männer auf der Suche nach Unzufriedenheit und wirken dabei doch recht zufrieden: „Wenn man immer wieder Daft Punk hört und deine Mutter sich beschwert, weisst du, du hast schon verloren. / Wenn deine Freundin Witze macht, und darüber lachen kannst, weisst du, du bist schon gestorben.“ - abgesehen davon, dass hier gleich in der ersten Grammatikkonstruktion, die versucht, ein Satz zu sein, das besungene Objekt von „man“ zu „du“ wird, fragt man sich, was daran ein Problem ist, wenn man über die Witze seiner Freundin lacht. Hier dichtet ausgehende Adoleszenz auf der Suche nach einem Pop-Rezipienten, und auch wenn die Musik recht stilsicher mackert und angehend amtlich produziert ist, (hier ist auch vom neuen, immerhin dritten Album „Lieder für die Autobahn“ die Rede), man möchte „Exclusive“ hinterher rufen: Lebt erst einmal ein wenig, bevor ihr wütende Musik machen wollt.

Dann schon lieber „Provinz“, eine Band aus der Provinz um Ravensburg, die sind gefühlt noch jünger als die Münchner Milchbubis, aber sie singen von nichts, von dem sie noch hoffen, es erst durch ihre Musik zu erleben, sondern, was sie singen, davon wissen sie auch schon - zum Beispiel von Grossstadtskepsis (in der Tradition von Kraftclub(?)): „Sag, was soll der ganze Lärm? / Hype um nichts / Alle kommen sie her / doch versprechen könnt ihr nichts!“ - vielleicht bin ich nicht unbedingt die Hauptzielgruppe dieser Musik, aber das ist so klarer, ehrlicher, schöner Indierock, dass man denkt: Wenn es sowas noch gibt, dann ist die Spotifyisierung der Popwelt noch nicht abgeschlossen, und dass ein Major-Label vier Leuten aus der Provinz noch eine Chance gibt und sie erst mal nur eine EP mit dem Titel "reicht dir das" veröffentlichen lässt, heisst auch, dass noch nicht alles verloren ist: Es gibt noch Bands aus Probenkellern, aus dieser Provinz möchte man unbedingt mehr hören.

Die Zeitreisende

Lenas fast-Konzept-Album „Only Love, L“

Es gehört zu den Mythen der Popkultur, dass, wer durch die Zeit reist, sich aus der Geschichte heraus halten sollte, da sonst, wenn die Vergangenheit zur vorläufigen Zukunft des Zeitreisenden wird, die Vergangenheit dahin gehend verändert wird, dass die entsprechende Einmischung aufgrund dieser Einmischung gar nicht erfolgt wäre, wodurch man natürlich in einer Art Nichtzeitschleífe gerät. Nun hat Lena Meyer-Landrut natürlich keine Zeitreise gemacht, aber sie hat an sich selber in der Vergangenheit einen Brief in Form eines Songs geschrieben, und wenn dieser Brief bei ihrem früheren Ich angekommen wäre, hätte sie dieses Lied vielleicht gar nicht geschrieben.

Das wäre sehr schade, denn „Dear L“ ist ein grandioser Popsong, der zwischen bestürzend klarem Selbstbezug und fluffiger Pop-Leichtigkeit einen Mittelweg findet, von dem man vorher nicht geahnt hätte, dass es ihn gibt: Auf dem Riff einer leicht verzerrten E-Gitarre warnt sich Lena selber vor Rückschlägen, rät auf die Mutter und die eigene Intuition zu hören und überführt die fluffige Soulpopnummer in einen regelrechten Blues - schöner hätte ein neues Lena-Album kaum beginnen können. In Kombination mit dem dann folgenden „Thank You“, eine Anklagegesang gegen Hatespeech, Mobbing und Shitstorms im Internet, ist der Weg für ein durchweg fantastisches Pop-Album geebnet.

Verblüffend an der Souveränität, mit der hier in 13 Songs irgendwie jeder mitgenommen wird, der einen Bezug zu Lena hat, ist vor allem, dass sie an genau diesen Marktanforderungen des Popbetriebes gescheitert war, und die Arbeit an dem Album mit dem Arbeitstitel „Gemini“ einstellte. In dem sehr schönen Podcast der Reihe „Und was machst Du so?“ (auf Bento, Link < HIER >) schildert Lena Meyer-Landrut den Moment, an dem sie den Glauben an diese Platte verloren hatte - während einer Autofahrt: „Warum mache ich dieses Album? Ich hab’ gar keinen Grund, ich mach das nächste Album, um das nächste Album zu machen - das fühlt sich so kacke an.“ „Only Love“ nimmt die jungen Menschen mit, für die Lena auch eine Influencerin ist, ESC-Exegeten finden sich hier wieder, sie denkt an ihre LGBT-Fans, und auch die Indiepophörer jenseits der 40 (so wie ich) finden hier Songs, die sie prima finden. Das Album spaziert immer oben erwähnten Mittelweg zwischen banaler Oberfläche und überraschender Tiefe entlang, es nimmt und zitiert sich aus vielen Richtungen aktueller Popmusik ein paar Zutaten zusammen, wirkt aber nie kopistischj, abgeschmackt oder kalkuliert. Dass diese Musik generationsübergreifenden Zusammenhalt generiert, kann man allein daran ablesen, dass sie auch allen meinen drei Kindern und meiner Frau gefällt - das ist sonst noch niemandem geglückt. Ach doch: Billie Eilish.

Meine persönlichen Lieblingssongs sind der erwähnte Brief „Dear L“, das herrlich schwülstige und gleichzeitig leicht ironische „private thoughts“ sowie das trappig-hüpfende „sex in the morning“ - alles drei auch Lieder mit schönen Themen. Eine wunderbare Platte, ohne jeden Zweifel Lenas bislang Beste.

Songs zum Sonntag /// 310319

/// Marina Diamandis’ Song-Veröffentlichungs-Dramaturgie für ihr Doppelalbum „Love & Fear“ offenbart inzwischen, dass sie die unter „Fear“ versammelten Lieder noch im Unklaren lässt - will sagen: Alle vier der von diesem Projekt veröffentlichten Lieder befinden sich auf dem „Love“-Teil des Albums. So auch der Uptempo-Sommerhit „Orange Trees“, bei dem man erstmalig das Gefühl hat, dass diese erhaben großartige Sängerin ein wenig unter ihrem Niveau bleibt, weil der Song ihr nichts abverlangt. Solche Lieder braucht es aber eben auch auf einem Song-Zyklus, sie werden auf Album-Länge vermutlich zurückhaltend überleiten (in dem Fall in das noch sommerhitigere „Baby“, welches schon auf dem aktuellen Album von „Clean Bandit zu haben ist), aber als Single ist es, naja, wie gesagt, ein wenig wenig. Ändert nichts an Vorfreude. /// Pink wiederum, die macht jetzt ein wenig auf Electro-Swing: Das zweite Lied ihrer neuen im April erscheinenden neuen Platte heisst „hustle“ und schielt auf die Lindyhop-Szene. Dennoch verlässt es zu keiner Sekunde den Pfad des Popsouls und hat einen bestechenden Refrain - das ist risikofreier Kalkulationspop, gegen den man naturgemäss nicht all zu viele Argumente findet, ausser dass es risikofreier Kalkulationspop ist. ///

Nach Frankreich schielen

Blick auf Deutschpop werfen - Folge 09

Pop besteht nach meiner in diesem Blog entwickelten Sichtweise oftmals dadurch, dass wir das Neue wieder-erkennen - eben weil es nicht nur neu ist, sondern sich in Klang, Melodien, Arrangements und so weiter auf Anderes beruft, das schon bekannt ist. Wenn sich dieses Wieder-Erkennen primär aus einem benennbaren (Pop-)Jahrzehnt speist, klingt Musik retro. Wenn es wiederum aus hockaktuellen Pop-Zitaten besteht, könnte es sich um eine Mode oder einen Trend halten; womit wir bei Anna Loos wären. Die Sängerin und Schauspielerin hat die Auszeit ihrer Stammband „Silly“ zum Anlass für ein Solo-Album genutzt, das soeben erschienen ist - „Werkzeugkasten“ heisst es, und auch wenn Frau Loos für diese Platte nur einen Song mit Peter Plate geschrieben hat, kann man hier von der Peter-Plate-isierung des Deutschpop sprechen. Plate, das sei hier nicht unerwähnt, ist Mitglied von Rosenstolz, hat aber in letzter Zeit vor allem als Co-Komponist, Songschreiber und Produzent gewirkt: Er hat Sarah Connor ans Deutsche rangeführt, Bibi-und-Tina-Ohrwürmer ins Hier und Jetzt übersetzt und so unterschiedlichen Künstler*innen wie Max Raabe, Barbara Schönberger oder Michelle Lieder oder ganze Alben auf den Leib geschrieben und produziert. In Anna Loos’ Werkzeugkasten kann man sehen, wie seine Masche durchwirkt, auch wenn er selber wie gesagt nur bei einem Song mitgearbeitet hat: Da hören wir urbanen Schlager mit Breitwand-Gitarren-Echos, verhalltes Schlagzeug, simple Klavier-Akkordfolgen und Effekt-Streicher sowie eine Song-Lyrik, die im Wesentlichen aus Bewegungs- und Zeit-Sprachmustern besteht. „Echt und für immer“, „Startschuss“, „Wie beim ersten Mal“ oder „hier“ heissen dann die Lieder, und das sind dann so Zeilen wie „Ich hab’ den Startschuss schon gehört, aber da wo ihr hinrennt, will ich nicht hin.“ - ich auch nicht.

Elke Brauweiler wiederum scheint nach Frankreich zu wollen oder zumindest zu schielen. Oder sie schielt vielmehr aus dem Chansons, die sie gesungen hat, in Richtung des Deutschpop. Wie auch immer, ich bekomme das Sprachbild nicht so richtig hin. Jedenfalls ist das erste deutschsprachige Solo-Album von Elke Brauweiler (mit ihrer Band „Paula“ hat sie schon deutsch gesungen) ein ungewöhnliches und ein sehr gelungenes noch dazu - es heisst schlicht „Freund“: Spärliche Arrangements mit leichten Folk- und Jazz-Prisen und elektronischen Tupfern, zurück gehalten und dennoch fluffiger Gesang und höchst originelle Texte, deren zweite und dritte Ebenen sich teils auch erst beim zweiten und dritten Hörer erschliessen - „bist nicht du ohne all die schönen Beulen“ ist zum Beispiel eine Zeile aus dem Opener des Albums, ein Satz, der grammatisch nicht vollzählig ist, eigentlich ungelenk zum Singen erscheint und in seinem Sinn auf einer Strecke von acht Wörtern zweimal die Richtung wechselt. Derartig komplexe Du-Bilder kennt man sonst eben doch eher in dem französischen Chanson-Pop, und so ist dieses per Crodfunding finanzierte Album wirklich eine kleine Perle im deutschsprachigen Pop, mag ich sehr.

Auf einer ähnlichen Wiese in Berlin picknickt Phela mit ihrer kommenden Freitag erscheinenden zweiten Langspielplatte „Wegweiser“ (auf iTunes kann man vier Lieder schon vollständig, die restlichen in Ausschnitten hören). Diese Musik kommt ein wenig akustischer und folkiger daher als die von Elke Brauweiler, aber das gleichzeitig Selbstbewusste und Zerbrechliche in dem Popentwurf ist durchaus eine Verbindung - es sind dies leise Lieder mit bescheidenem Pathos und feinem Gespür geschrieben wie gesungen, und sie scheinen näher an der Sängerin als die ihres Debuts, das an manchen Stellen klang, wie sie glaubte, auf einem Debüt klingen zu sollen, um einige Platten zu verkaufen. Nach allem, was man schon von diesem Album hören kann, ist „Wegweiser“ tatsächlich eines, das dem Deutschpop einen Weg aufzeigt, authentisch und nicht kitschig zu sein.

Songs zum Sonntag /// 240219

Es gilt als ungeschriebenes Gesetz, dass wer sich popmusikalisch in Richtung des Mainstreams bewegt, um so schlechtere Musik macht. Eine Indieband zum Beispiel klingt je Album mehr nach U2 oder Coldplay und hat seine Seele verkauft, eine Jazz-Sängerin verlässt den Untergrund und klingt mit der jeder Single mehr nach Rihanna und dem globalalisierten Soulpop. Bei Marina Lambrini Diamandis (besser bekannt unter dem Namen Marina & The Diamonds) ist es genau umgekehrt: Je mehr sie sich allgemein gültigen Anforderungen an erfolgreichen Popmusikprodukten annähert, um so mehr öffnet sich ihre Musik einer Offen- und Klarheit, und diese gegensätzliche Bewegungen führen inzwischen zur schönst blubbernden Popmusik, die es gibt. Ihre neueste Single „Handmade Heaven“ ist soeben erschienen, und ob diesem Song ein ähnlich fantastisches Meisterwerk wie das letzte Album „FROOT“ folgt, kann man natürlich noch nicht wissen, aber die Songkunst von Frau Diamandis ist hier wieder einmal von erratischer Schönheit - verschlungene Sing-Melodie, welche sich a-capella beginnend immer mehr musikalisch auflädt, sanfte Wechsel zwischen Kopf- und Brusstimme, klassisch geschichtete Chöre bestehend aus einer Stimme, und zum Refrain geht es nicht wie in 80% aller Songs in der Tonhöhe hinauf - sondern herunter. Das ist von nahezu erschreckender Souveränität und gleichsam Indiepop wie Katy-Perry-Konkurrenz - ich nehme mal an, dass das Doppel-Album „Love + Fear“ eben schon toll ist, ich freu mich riesig drauf. Allein schon dem totgesagten Genre "Album" eine Doppelplatte Blubberpop aufzubürden, ist doch mal ein Statement.

Songs zum Sonntag /// 030219

Die Israelische Sängerin Riff Cohen hat bislang mit zwei Alben einen grandiosen Weltpop erfunden, der mit arabischen Beats, drei Sprachen und französischen Melodien von zerrissener Fröhlichkeit erzählte. Die neue Single „tomber de haut“ gibt sich verhältnismäßig gradlinig chansonhaft und zurückhaltend französisch - wenig überraschend, lebt Cohen doch seit 2008 in Paris. Das Lied ist ungewöhnlich für sie, aber nicht nur weil man das so denkt, wenn man ihre bisherige Musik kennt, meint man, hier schlummert irgendwas drin, in dieser Ballade, das sich frei brechen könnte - düster und in Moll leitet sie ein, um dann indiepophaft pseudoharmonisch fast zu plätschern, und man denkt eben die ganze Zeit, jetzt passiert gleich was ganz, ganz Anderes, aber diese Schwebe hält sich in der Schwebe - das ist wirklich gross und gibt Anlass zu größten Hoffnungen bezüglich des Albums, das sich bestimmt anschliesst. /// Vampire Weekend haben ja auch einen weltmusikalischen Indiepop erfunden, Afrobeats zwischen Paul Simon und „feels so unnatural, Peter Gabriel too“. Nach drei Alben hat der Gitarrist die Band verlassen, und sie haben sehr lange über neuen Songs gegrübelt. So ganz verrät die neue Single „Harmony Hall“ noch nicht, wo die Reise hingeht, der letzte Melodie- und Beat-Kick fehlt mir noch, das ist ein wenig zu nah am easy-listening - kann meine Vorfreude auf das Album aber jetzt auch nicht zerstören. /// Vor ein paar Tagen habe ich ein altes Album von Corey Hart aus dem Regal gezogen, „Fields Of Fire“, sowas wie eines der Lieblingsalben, die man nicht an die grosse Glocke hängt, weil man weiss, dass das peinlich sein könnte und nicht zum Distinktionsmerkmal im eigenen Musikgeschmack taugt. Schwamm drüber. Aber wie es der Zufall will hat der Sänger, der mit „sunglasses at night“ seinen grössten Hit hatte justament an dem Tag, an dem ich besagtes Album aus dem Regal zog, das erste Lied einer bald erscheinenden EP veröffentlicht: „dreaming time again“ ist etwas saftloser Country-Rock, und würde man nicht wissen, dass das Corey Hart ist, man würde es nicht erkennen. Ein Lied, das mich zwar irgendwie freut, das man aber auch wirklich nicht rasch wieder vergessen kann. Welches? /// Für Annett Louisan wiederum sind die schönsten Wege aus Holz. Aus dem Versteckspiel von Konkretion und Symbolen, dem Wechselspiel von Rätselhaftem und Klarem schlägt diese Sängerin und Texterin oder Mittexterin ihrer eigenen Lieder immer wieder lyrisch singbares Kapital, und immer wenn man denkt, jetzt wird es zu naiv oder zu zerbrechlich oder zu albern oder zu kitschig kommt noch einmal eine andere Strophe um die Ecke, und auf ähnlichem Wege funktioniert das erste Lied, wie gesagt „die schönsten Wege sind aus Holz“, der neuen Platte „grosse kleine Liebe“ - ein verschwindend instrumentierte Klavierballade, die fast wie von einer Spieluhr instrumentiert wirkt, und darauf der klar an der Sprechmelodie entlang hangelnde Gesang - das kann so nur sie, und auch wenn man’s nicht mögen muss, was muss man schon mögen: Ich mag es.

Die Links: Riff Cohen < HIER > /// Vampire Weekend < HIER > /// Corey Hart < HIER > /// Annett Louisan < HIER >

Kitsch und Kairos

Einige Gedanken zum Einsatz von Sequencern bei Pop-Konzerten anlässlich der kürzlich besuchten Auftritte von Laing und Jain

Jain drückt auf ihre im Ärmel eingebaute Fernbedienung

Jemand hat Jain für ihre Konzerte eine Fernbedienung für ihren Rechner gebaut, mit dem sie ihr Audio-Logic oder welches Programm auch immer sie benutzt, steuern kann. Zwar kehrt sie auf der Bühne immer wieder wie eine MC zum zentralen Pult zurück, aber um Breaks innerhalb ihrer Songs aufzurufen, Übergänge abzuspielen und B-Teile einzuleiten, muss sie eben nicht an den Computer. Mit diesem System ist sie mobil und kann unterwegs mit Fernbedienung und Mikro hüpfen, tanzen, sich euphorisch schütteln und natürlich singen.

Laing hingegen rufen die vorgefertigten Sequenzen, Beats und Loops nicht per Fernbedienung ab, hier erledigt dies der Schlagzeuger - das macht auch Sinn, da er adäquat zu seinem Hauptberuf ohnehin für Rhythmik und Timing zuständig ist und dementsprechend dafür auch Talent hat. Und so haben Nicola Rost und ihre beiden Mitstreiterinnen Platz, Agilität und Freiheit für ein Popkonzert, das aber eben ebenso wie bei Jain einen leicht faden Nebengeschmack hat: Ein Großteil der Musik kommt aus dem Rechner, Sequenzen werden hier abgespielt, letztlich wohnen wir einem Playback-Konzert bei.

Der Grund für die Abwesenheit von Instrumenten ist natürlich ein rein ökonomischer. In Zeiten, in denen die Einnahmenerwartung von Musiker*innen bei Konzerten die vom Plattenverkauf übersteigt, ist der Live-Auftritt eben keine Werbe-Massnahme mehr, sondern zentrale Einnahmequelle im Gefüge des Popmarktes, und je weniger Musiker*innen auf der Bühne ihrem Beruf nachgehen, desto weniger müssen bezahlt werden. Proben muss man auch weniger, wenn man nicht die Instrumental-Spuren der Alben möglichst adäquat live nachbauen muss. Da liegt es nahe, die Sequenzen abzuspielen, die man in mühseliger Kleinarbeit am Computer und im Studio zusammen gefrickelt hat, und Laing und Jain sind hier nur zwei Beispiele von Konzerten, denen ich in den letzten paar Wochen beigewohnt habe, bei denen Playbacks zum Einsatz kamen. (Zwei weitere: die Prog-Folk-Band „the day“ verzichtet auf einen Keyboarder, obgleich in ihrem Popentwurf Synthie-Flächen eine zentrale Rolle spielen, Kylie Minogue spielt mit ihrer Band eine Bastardpop-Version von Kylies Hit „slow“ auf den originären Synthie-Sequenzen von „being boiled“ von Human League).

 

Ein handelsüblicher Sequencer

In der Theorie führt das natürlich zu einem weniger originären Effekt des „Im-Moment-Seins“, aber letztlich ist es vermutlich ohnehin Kitsch, wenn man sich als Konzertbesucher noch einredet, einem Ereignis beizuwohnen, das ein Maximum an Freiheit und Spontanität die Bühne bietet, auch wenn kein Sequencer zum Einsatz kommt. Umgekehrt kann man von Laing berichten, dass ein Genie und Vollprofi wie Nicola Rost den Live-Auftritt so elegant geniesst, dass ihr wundervoll feingeistiger Chansonpop auch ohne Instrumente lebendig und ausreichend live daher kommt - das Konzert im Hamburger Mojo vom letzten Sonntag war grandios, und abgesehen davon sind hier trotz Sequencer ausser Rost noch zwei Sängerinnen, besagter Schlagzeuger und eine Tänzerin auf der Bühne.

Ein wenig mehr Musizieren hätte man sich im Gegensatz dazu bei Jain durchaus gewünscht (sie habe ich im Dezember in Köln gesehen): Dieses Pop-Jahrhundert-Talent ist zwar durchaus dazu in der Lage, über ihre Fernbedienung nicht nur ihren Rechner sondern auch 600 Zuschauer gleichzeitig zum Break in ihrem Hit „Makeba“ zum Hochhopsen zu animieren, auch schichtet und befüllt sie ihre World-Beats teils live mit Stimmen- und Sound-Loops, aber wenn alles dies jetzt auch noch mit Rhythmus-Sektion und Bläser-Ensemble gespielt würde, dann wäre das wirklich das ultimative Pop-Konzert.

10 Hoffnungen für das Popjahr 2019

01 Morrissey sieht ein, dass er häufig kompletten Unsinn daher redet und bedauert in einem Interview, dass er häufig kompletten Unsinn daher redet - er wolle fortan keinen kompletten Unsinn mehr daher reden und sich stattdessen darauf beschränken, gute Musik zu machen.

02 Peter Gabriel ist auf einmal zufrieden mit den Songs, an denen er arbeitet, und veröffentlicht ein neues Studio-Album - 16 Jahre nach „UP“.

03 Isabell „Ment" ist auch zufrieden und veröffentlicht auch ein Album - ihr Erstes. Dies ist eine Hoffnung. Sollte sie noch Zeit brauchen, soll sie sich sie nehmen. (Wer das ist?)

04 Lianne La Havas nimmt sich ein Beispiel und macht auch eine Platte - ihre Dritte. Auch sie darf sie aber auch gerne noch Zeit nehmen. Link hier: Frau Ment und Frau La Haas haben beide eine Schwäche für schöne Gitarren und können sie beide auch sehr toll spielen. (Also die kenne ich auch nicht.)

05 Mark Hollies besinnt sich, Talk Talk nie aufgelöst zu haben, sagt einer kleinen Re-Union-Tour zu und nimmt das Geld einer Crowdfunding-Plattform in die Hand, um - Hoffnungen sind nicht immer originell - ebenso eine Platte zu machen, 27 Jahre nach „Laughing Stock“.

06 Die Platte „Only Love, L“ von Lena ist gut.

07 Der Popticker kuratiert eine Duett-Compilation und stellt dabei unter Anderem folgende Paarungen für gemeinsame Songs zusammen:
Camille & Youssou N’Dour
Norah Jones & Zaz
Sophie Hunger & Sting
Peter Gabriel & Feist (die schon mal „Don’t give up“ zusammen gesungen haben)
Al Stewart & Ment

08 Neue Musik von Ariana Delawari wird veröffentlicht. (auch noch nie gehört?)

09 Der Popticker veröffentlicht eine Reihe von Gesprächen mit Songwriter*innen, in denen er der Frage nachgeht, wie man ein Lied schreibt.

10 Jemand findet heraus, was das Lied „American Pie“ bedeutet.