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Souveräntro

Woche der nachgeholten Albenbesprechungen - Folge 02:

The wonderful Wall of Retrosounds: The Courettes

Das nominell als Duo firmierende, dänisch-brasilianische Projekt „the Courettes“ klingt auf seiner neuen Platte „The Soul Of... The Fabulous Courettes“ eher wie ein Pop-Rock-Orchester mit voller Breitseite im Sound, und man mag auch gar nicht glauben, dass man hier keine Musik hört, die nicht schon mindestens so alt ist, wie die Musik, die hier mitklingt - Beach Boys, The Zombies, Beatles. Der visuelle sowie soundmässige Erscheinungsbild der Band „The Courettes“ ist nämlich durchweg retro-verliebt und herrlich spleenig - ein Popentwurf irgendwo zwischen 70er Hippie-Pop, Yacht-Rock, Northern-Soul und Prisen aus 80er-Synthiewave. In Kombination mit unwiderstehlich-catchigen Melodien, geschichten UUUUh-Chören, hintergündigen Grooves, fluffig-scharfen Hammond-Orgel-Sätzen und der immer etwas herrlich patzig klingenden Stimme von Songschreiberin und Sängerin Flavia Couri kommt dabei ein derartig tolles Pop-Amalgam heraus, dass man sich ärgert, diese Band nicht schon viel länger zu kennen. 

Von den 13 neuen Songs ist keiner schlecht, viele großartig, einige meisterhaft - etwa die Mamas & Papas- Reminiszenz „Boom Boom Boom“, welche dich so herrlich perlig mit Kastagnetten direkt nach Kalifornien teleportiert, oder das voran treibende „Keep Dancing“, das klingt als hätten die Schwestern der Doobie Brothers die Stones gecovert. Für mich die Entdeckung des Jahres.

- Video zum erwähnten "Keep Dancing" findet sich < Hier >.

Frollein Smillas Gespür für Popentwürfe

Woche der nachgeholten Albenbesprechungen - Folge 01:

Eine Band zwingt sich selber zum Lächeln

Die fünfköpfige Band „Frollein Smilla“ hat vielleicht nicht wie die namenspendende Schwester ein Gespür für Schnee - aber für ihren eigenen Sound, dieses Gespür haben sie schon, und dieser ihr Sound speist sich aus verschiedensten Pop-Sub-Genres - Funk, Rock, Folk, Jazz - und wird von der versierten Band zu einem fluffig-homogenen Chamberpop vermengt, der in der Lage ist, tanzbar flotte Songs auszuschütteln ebenso wie stillere Balladen.

Auf ihrem nunmehr schon vierten Album, das „Keep Smiling“ heißt und auch titelentsprechend trotz-fröhlich daher kommt, hat man zwar - eben auf Album-Länge - auch irgendwann das Gefühl, das die Dynamik-Kurven ein wenig einförmig sind, es könnte einen Tick abwechslungsreicher in den Energieschüben vonstatten gehen, aber in der Summe ist das Meckern auf ziemlich hohen Niveau, denn scharfe Bläsersätze hier (wie im Titelsong des Albums) oder plötzlicher Einsatz von Synthesizer dort („Days goes by“) sowie die Tatsache, dass hier ebenso auf Englisch als auch auf Deutsch gesungen wird, machen „Keep Smling“ zu einem hübschen Durcheinander, der Popstile, wo jemand bewusst nicht aufgeräumt hat. Und man merkt der Band an, dass sie in einem Zeitalter der Popmusik in Erscheinung treten, in denen Songs auf Alben live-erprobt sind, bevor sie aufgenommen und produziert werden. So denkt man denn auch nach vier Liedern: Die will ich aber gerne mal live sehen. Das aber, wie gesagt, ändert nichts daran, dass auch das Album als rundherum gelungen gelten darf.

Link ::: < Website > ::: Frollein Smilla

Songs zum Wochenende

::: zum zweiten Mal hintereinander NACH dem Wochenende ::: Wenn man im Fall der neuen Band „Van Adam“ überhaupt noch Deutschpop sprechen möchte, müsste man den Begriff so weit fassen, dass er auch noch zu dem Pianopo von Ana Depenbusch oder den politischen Liedern von Konstantin Wecker passen würde. Aber vielleicht tut man dem Songwriting dieses Duos aus München damit auch keinen Gefallen: Der allererste Song dieser Formation heißt „Kind“ und ist ein zerwurschtelt-assoziatives Kunstlied nahe eines poetischen Kabaretts: „Glaubst Du an Dich selber noch?“, heißt es da, „Wer wir eigentlich sind? Ganz tief in uns drin als innerliches Kind, das innerliche Kind in mir ist irgendwie weg.“ - ein Song also über den Verlust von Naivität und Spontanität, das sich nach stiller, rein Klavier begleiteter Strophe zum Refrain mit Akkordeo und Schlagzeug auflädt, in eine kurze Polka kippt, ein Flötensolo verbaut, um später wieder zur Ruhe zu finden. Da muss man sich wirklich erst reinhören, aber man ist durchaus gespannt, was von diesem Duo noch kommen könnte. ::: YouTube-Audio < hier > ::: JPD ist ein Songwriter, der sich für seine neuen Single „Maschinen“ den Rapper Yrrre an Bord geholt hat. Der Song handelt vom guten alten Zauberlehrling, der seine Geister nicht mehr los wird: „Erst schufen wir die Maschinen. Dann fuhren wir die Maschinen. Dann ging es uns viel zu gut Und dann schlugen uns die Maschinen.“ - das alles in einem gechillten Traptonfall, in dem sich Sporen von Folk finden. Mich holt es nicht ab, aber in seiner sturen Langsamkeit schlummert ein beiläufiger Sog. ::: LINK ::: Video < hier > :::  Yvonne Catterfeld wird nicht müde, sich neu zu erfinden. Während ihr vorletztes Album den Folk im vor sieben Jahren noch sehr erfolgreichen Deutschpop suchte, übertrug sie die erlangten Erkenntnisse vor drei Jahren auf englische Soul-Songs, die auf dem Album „change“ sehr unplugged daher kamen. Ihr kommendes Album „move“ wird zwar erst im März 25 erscheinen, aber es gibt nach dem Titelsong bereits eine zweite Single. Sie heißt „in between“ und ist eine Art Easy-Listening-Gute-Laune-Soul, dem man nicht viel vorwerfen kann, ausser dass es Easy-Listening-Gute-Laune-Soul ist - als Song okay, aber auch „move“ selber war jetzt nicht soooo Aufsehen erregend - für ein ganzes Album müsste da noch was kommen. ::: Video < hier> ::: Über einen neuen Song von Blufunk-King Keziah Jones freue ich mich eigentlich immer. „Melissa“ aber kommt so seicht groovend daher, pumpt sich mit Bläsern auf, und ist einfach eine himmlisch schöne Afro-Soul-Ballade, dass ich mich um so mehr freue. ::: Video < hier > :::

Dann bin ich gerne woke

Das Reeperbahnfestival als utopisches Model

Am Samstag ist das Reeperbahnfestival zu Ende gegangen - 45 000 Menschen, 90 Locations, 480 Konzerte in vier Tagen; ich selber habe 14 Konzerte gesehen und liege damit eher im unteren Bereich klassischer 4-Tages-Tickets-Hedonisten: Wenn man insbesondere Freitag und Samstag schon früh in den Tag startet, kann man ohne Weiteres 40 Auftritte besuchen. Okay, das schafft man auch nur, wenn man an einem Ort mit direkt mehreren Bühnen verweilt - wie dem Molotow, das insgesamt vier Locations beherbergt - und wenn man über die Jahre ein Gefühl dafür entwicakelt hat, wo man noch reinkommt, ohne 20 Minuten anzustehen.

Ganna

Als Mensch, der ohnehin liebt, wenn Menschen Musik lieben - ganz gleich welches Genre - erlebte ich das Reeperbahnfestival in diesem Jahr einmal mehr als ein Ort realer Utopie, in dem Musik und Miteinander zu einer Art Sensibilität führen, die man sonst im Alltag vermisst. In Diskursen, in denen bereits von postwoken Zeiten die Rede ist, mögen die verschiedenen Verhaltenskodexe, für die sich Zuschauer:innen wie Musiker:innen hier verpflichten, die Awarenessteams, an die man sich wenden kann, abgrundtief naiv wirken, aber Tatsache ist, dass ich selten Konzerte erlebe, in denen es derart friedlich, empathisch und rücksichtsvoll zugeht wie während der vier Tage des Festivals. 

Als die ukrainische Sängerin und Künstlerin Ganna zum Beispiel an Mikrofon und Loopmaschine ihre filigranen und eher stillen Folk-Jazz-Song schichten möchte, ist für eben dies der DJ draussen vor dem „Mojo-Jazz-Café“ zu laut und dreht seine Anlage dann für 40 Minuten leiser, obgleich ihm auch sehr viele Menschen bei Cocktails zuhören. Als die portugiesische Sängerin Ana Luna Caiano zu später

Zaho De Sagazan

Stunde ihren ebenfalls sehr stillen Neo-Fado zelebriert, gehen die Leute nur in den Pausen zwischen den Liedern, und ohne, dass diesen Einlass jemand so regelt, kommen auch dann nur neue Zuschauer:innen herein. Das sind nur zwei kleine Beispiele für friedvolles, rücksichtsvolles Verhalten. Wenn eine solche Aufmerksamkeit und Solidarität die Folge sind, dann bin ich gerne woke.

Musikalischer Höhepunkt sind für mich die durch Zufall entdeckten Prismala, die aus Drums, Bass und zwei Telecastern einen Funk-Soul entfachen, der irgendwo zwischen Prince, Keziah Jones und der 80er-Band „The Christians“ einen ungeheuren Live-Sog entfacht. Der flibbernde Elektrodance von Noga Erez aus Tel Aviv brachte - für mich unmittelbar nach den genannten Prismala - die große Freiheit 36 in Ekstase, und mit Zoha De Sagazan habe ich am Freitag Abend nichts weniger als die Zukunft der Popmusik gesehen: Ihr Kraftwerk huldigender Synthie-Chansons zeigt noch einmal, dass große Traditionen die schöne Chance haben tradiert zu werden.

Songs zum Wochenende - diesmal zum Wochenstart

::: 230924 ::: Als sich irgendwann Ender der 70er, Anfang der 80er aus dem Punk-Überdruss der Postpunk schälte, speiste der sich aus zwei Gegenideen: Zum einen gab es die, die die Musik wieder mit Melodien füllen wollten, und zum Anderen die, die Elektronik und Synthesizer für sich entdeckten. Irgendwo zwischen diesen beiden Polen fächerte sich das auf, was wir heute Postpunk nennen, und obgleich diese Übergangs-Genres meistens welche sind, die am weniger von Retrowellen mitgerissen werden, hören wir heute Postpunk allerorten. Er klingt auch in der neuen Single von „Yodelice" durch, die „Let us never hit the ground“ heißt und mit elektronischem Beat, Synthieflächen und verhallten Gitarren-Schlenkern um die Ecke kommt; als hätte eine Joy Division-Coverband einen eigenen Song geschrieben. Irgendwie fehlt hier der letzt Kick an Willen, zu erzählen, wo diese Popmusik hin will, aber gut gemacht ist das allemal. :::

"Let us never hit the ground" air YouTube < hier >

::: Scheinbar verlangsamte Breakbeats mit etwas gedrücktem Falsett besungen und dahinter stöbern verzerrte Gitarrenlinien durch den Soundentwurf - wo sind wir denn nun gelandet? Bei der neuen Single von Sid Vision, der also zumindest dem Namen nach auch als Postpunker bezeichnet werden kann, aber wenn man ein Genre für den neuen Song „OTB“ benennen müsste, und zum Glück muss man es ja nicht, dann würde ich sagen, wir haben hier mit experimentellem Deutschpop zu tun. Was also es nicht alles gibt. :::

Sid Vision auf YouTube < hier >

::: Vielleicht kein Experiment - aber ein paar jenseitige Ideen wünscht man sich für die neue Single des Killerpilze-Sängers Jo Halbig dann schon: „Stark“ plätschert ein wenig orientierungs- und nahezu melodielos, ganz nah am Sprechduktus dahin. Per se hat hier jemand alles richtig gemacht: Breiter Bandsound irgendwo zwischen Indierock und Deutschpop-Folk, gute Hook im Refrain, aber eben, ja: „Wo bleibt die Melodie?“, will man dem Songwriting-Camp hinterher rufen. :::

 Jo Halbig YouTube-Channel  < hier >

::: Wir bleiben beim Deutschpop, jenes Genre also, das ökonomisch zwar tot scheint - sich aber über mangelndem Nachwuchs sicher nicht beschweren kann: Auch der Sänger, der sich Kahro nennt, veröffentlicht heute seine neue Single „Rot und Gelb“; und das ist eines von diesen Liedern, deren Strophenzeilen immer nur bis zur Mitte des Riff-Durchgangs andauern, wonach man dann immer gefühlt zu lang auf die nächste Zeile wartet - nimmt irgendwie Tempo und Spannung raus. Auch zum Refrain steigert sich das Ganze nicht so recht, so dann ich der Summe glaube: Dieser Song könnte ein wenig schneller als im hier verwendeten Uptempo deutlich besser funktionieren, zumal das Thema Einsamkeit eine gewisse Intensität gut vertragen könnte - der Song also ist in seiner Idee aller Ehren wert aber in seiner Ausfertigung doch einfach ein wenig langweilig. Aber ach, irgendwie auch völlig okay. Wenn wir sowas nicht mehr hätten, gäbe es bald auch nichts Anderes mehr.

Kahro Website < hier >

In die Ecke gedrängt

Warum bezieht sich ausgerechnet Rea Garvey auf Deutschpop?

Der grundsympathische Rea Garvey hat ein neues Album veröffentlicht. Zwar ist der Poprocksänger vermutlich nicht mehr im direkten Sinne davon abhängig neue Musik zu veröffentlichen (nicht einmal touren müsste er vermutlich), denn aus rein ökonomischer Sicht ist der gebürtige Ire inzwischen ein Allrounder, der in der Schnittmenge zwischen Casting-Show, Unterhaltungs-TV und Pop-Fernsehen seine Identität gefunden hat. Aber natürlich speist sich eben diese Identität aus der Tatsache, dass er an sich Musiker ist, und um dies in Erinnerung zu rufen, kann eine neue Platte zumindest nicht schaden, und, so weit so gut - seine Alben erreichen auch nach wie vor die Top-Ten der Albumcharts in Deutschland, Österreich und der Schweiz.

Da nimmt es zunächst nicht nicht wunder, dass Garveys Musik sich auch auf Pop aus dem deuschsprachigem Raum zu beziehen scheint: Synthie-Flächen mit akustischen Gitarren, echo-breite Stimmen mit geschichteten Ouh-Oh-Chören, sich öffnende Refrains in gedämpfter Euphorie - eine Musik, die Probleme zu erörtern scheint, die es nur in ihr gibt und daher nie aus sich heraus findet - man könnte also sagen: Deutschpop mit englischen Texten. 

Aus zwei Gründen verblüfft dieser Popentwurf aber doch: Zum Einen ist Deutschpop derzeit ein geschrumpelter Riese im Koma: Vom Schlager überrumpelt und in die Ecke gedrängt ist unklar ob das Genre noch mal zu erwecken ist. Und zum Anderen hat Rea Garvey den Deutschpop auch gar nicht nötig denn ein gewisses Gespür für popblubbernde Melodien im Rockgewand hat er ja schon - wenn er sich Mühe gäbe, käme vielleicht irgendwann noch mal ein Ohrwurm wie „Supergirl“ heraus. So sehr man der Musik auf diesem neuen Album „Halo“ also irgendwas Positives abgewinnen möchte, so wenig Chancen hat man da: Diese Platte hat nicht einen originellen Gedanken, nicht eine verblüffende oder auch nur eingängige Melodie - sie dudelt so vor sich hin und irgendwann ist sie dann vorbei.

Songs zum Wochenende

130924 ::: Elektropop mit Deutschpunk-Texten - diesen Spagat versuchen „Kommando Elefant“ mit ihrem Popentwurf im Allgemeinen und mit ihrer neuen Single „Gier frisst Hirn“ im Besonderen: Frontale Konsumkritik mit Beats und Sounds irgendwo zwischen Techno, NDW und Europop - mangelnde Originalität kann man diesem Track wahrhaftig nicht vorwerfen. ::: YouTube Kanal "Kommando Elefant" <HIER> ::: Figur Lemur ist Punk als Attitüde vermutlich auch nicht fremd, aber ihr Sound hat wahrhaftig gar nichts davon. Die neue Single „Taube im Gleis“ klingt eher, als habe man einem Trap-Track die Beats und Autotune ausgetrieben und käme dabei  mehr oder minder durch Zufall bei einem Meta-Pianopop an. Und mit diesem sind die 6 Singles der EP „Es ist noch nicht alles verloren“ dann auch komplett: Das Quartett beschreibt darauf eine postindustrielle Tristesse irgendwo zwischen und Düsseldorf und Dortmund und findet in Texten und Sounds einen leicht kippenden Realismus gespickt mit poetischem Euphemismus. Mit beschriebenen künstlerischen Spagats ist die Band einer der spannendsten Newcomer seit langer Zeit. ::: YouTube Kanal "Figur Lemur" <HIER> ::: Und wieder der heutige gemeinsame Nenner:  „AUT of ORDA“ holen sich da die Gitarren aus dem Punk. Ihre neue Single „Eigentlich vom Land“ klingt als würde eine Limp Bizkit-Coverband nun Austropop hören und spielen: Roughe Wiener Schmäh mit rauhen Gitarren - kann man machen. ::: YouTube Kanal "Aut of Orda" <HIER> :::

Die wichtigsten Alben der Popgeschichte als Rebusse

Der Corona-Zeit-Erfolg und Facebook nun  endlich hier im Blog! Welches Album wir hier dargestellt? Antworten gerne in die Kommentare - ich schalte sie dann nach zwei, drei Tagen frei, damit Andere noch rätseln können ...

 

Songs zum Wochenende

060924 ::: Junge Sängerinnen, die nach 90s Postpunk und Indierock klingen, sind im Trend, und so könnte man die junge Damona aus Bayern eben mit diesen zwei Siegeln versehen und hätte nicht falsch sortiert: Gitarrenpop, check, trendet, check - aber damit stiehlt man sich auch aus der Verantwortung, etwas über Damonas Musik zu sagen. Ihre neue Single "NO", heute, Freitag den 06.09. erschienen, ist voller kanalisierter Wut und geht ordentlich nach vorne. Der Song handelt von der Ermutigung zum Nein-Sagen, Nein-Schmettern, Nein-Rausschreien - als Attitüde vermutlich so alt wie Rock N’ Roll per se - aber wenn man bei 18-Jährigen immer sagt: „Ach, kenn we schon, verkennt man, dass das, was für uns klingt, als kennen wir es schon, für Jemenschen, die das musizieren, vielleicht der eigene Song ist, der zum ersten Mal so klingt. Oder: Wenn ich mit 52 das in anderen Popentwürfen schon mal gehört habe, heißt das noch lange nicht, dass ein nach Vorne drängender Rock nicht zu Identifikation einlädt: Ich bin hier nicht die Zielgruppe. Für die, die es sind: Guter Song. Zuhören und junges Ohr trainieren. ::: Damonas Website findet ihr < HIER > ::: "LaBrassaBanda“ bleiben im Titel ihrer neuen Single ihrer Vorliebe für den Mitlaut „A“ treu: „Space Bäda“ heißt die neue Single und also rahmen zwei «A» je ein «E» und ein «Ä» - natürlich also geht es hier primär um den Klang vor Worten, mehr als jedenfalls der semantische Code hinter den Worten, und gerappt wird hier zudem im klassischen Brassa-Bayrisch, wo ich zumindest als hessisches Wahlnordlicht kein Wort verstehe. Ich weiß gar nicht, ob „LaBrassaBanda“ überhaupt auch zuhause gehört werden, aber wer diese Musik mal live erlebt hat, muss sie lieben. Auch „Space Bäda“ wird mutmasslich ein Klassiker auf den Ausrast-Setlisten dieser Eigenen-Liga-Formation. ::: Das Video zu "Space Buda" findet ihr < HIER > ::: Die Volksmusik-Band vom Chiemsee ist inzwischen auch schon über 15 Jahre am Start, aber darüber können „Steine“ nur müde lächeln: Der Bluesrock ihrer neuen Single „kilometerweit“ speist sich aus einer 30jährigen Band-Geschichte und kommt daher auch aus einer Zeit, in der sich nur sehr mässig am Erfolg interessierte Bands für deutsche Texte entschieden - die Steine waren damit der Zeit voraus und kommen nun mit neuen Veröffentlichungen schon fast wieder zu spät, um noch vom Deutschpop-Buffett zu profitieren; und vermutlich täte man ihnen auch Unrecht, ihre Musik als Deutschpop zu bezeichnen. „Kilometerweit“ hat jedenfalls einen ganz pfiffig doppelbödigen Text, den man individualistisch und also über das Misslingen von Liebe oder aber gesellschaftlich und daher über Vereinsamung interpretieren könnte. Das Video dazu ist von etwas schrulligem Anachronismus und in Partykellern sowie Doppelhaushälften gedreht und erzählt daher freiwillig wie unfreiwillig komisch von deutscher Mittelstandsprovinz. ::: Besagtes Video der Steine findet sich < HIER > (Premiere 06.09. um 17 Uhr) ::: Missy Higgins erzählt hingegen von einem "Crater" (Krater) in ihrem Wohnzimmer, wo so ein Krater natürlich ein wenig peinlich ist, weil man Gäste immer drauf hinweisen muss, einen Bogen um ihn zu machen, damit niemand reinfällt. Leichte Surrealismen als Allegorien auf seelische Zustände und menschliche Gefühle sind seit je her eine lyrisches Mittel in Higgins’ Songtexten. Wenngleich ihre musikalischen Ideen nicht immer von derartigem Ideenreichtum wie ihre Texte sind, bin ich als Fan erster Stunde sowieso von jedem neuen Lied angetan - Missy Higgins kann von mit aus das Telefonbuch singen, und ich wäre begeistert. Einstweilen verkürze ich mir die Wartezeit auf das gerade bestellte Album mit diesem wunderbaren neuen Song der Australierin. ::: Das Video zu Crater findet ihr < HIER > ::: 060924

So Paris kann Kanada sein

Drei Speerspitzen des französisch-kanadischen Chansons haben zusammen ein Live-Album veröffentlicht

Die franko-kanadischen Singer- und Songwriterinnen Ariane Roy, Lou-Adriane Cassidy und Thierry Larose waren in Kanada zusammen auf Tour, um gemeinsam Songs von ihnen allen Drei zu spielen, und von eben dieser Tournee ist nun ein Live-Album erschienen. Hätte es noch einen Beweis dafür gebraucht, dass sich neben Frankreich und Belgien derzeit auch in Kanada eine rege Szene junger Musiker:innen auf die große Tradition des französischen Chansons beruft und ihn auf seinen Folk- und Pop-Gehalt abklappert, so hätte man diesen Beweis nun in Form des erwähnten Live-Albums, das den schönen Namen „Le Roy, la Rose et le Lou[p]“ trägt.

Pate für den Sound von Tournee und Album stand mutmasslich der etwas rauhere Indierock von Cassidys zweitem Album „Lou-Adriane Cassidy vous dit Bonsoir“ (das zum Besten gehört, das der kanadisch-französische Chanson in der letzten Zeit hervor gebracht hat): Nicht nur sind Mit-Musiker:innen auch Cassidys Band, vor allem aber ist der gleichzeitig schludrige wie präzise Band-Klang so variabel, dass er auf den Folk von Thierry Larose und den Lounge-Funk von Ariane Roy zugehen kann. Jedenfalls erwächst aus dem gemeinsamen Nenner „Poprock“ ein glasklarer, wunderschöne Live-Sound, der wirklich von musikalischen Freundschaften und Spielfreude erzählt. I love it.