popticker

Kapitänsbinde der Revivalindustrie

Neuester 80er-Trend: Covern

Man fragt sich bei der mindestens vierten Welle des 80er-Revivals allmählich, ob es nicht noch mehr Dekaden gibt, die sich re- oder upcyclen liessen. Aber naja: Die 50er sind dann doch schon zu lang her, die 60er fallen wegen ihrer Unschärferelation im Verhältnis zu den 70ern aus dem Kult-Raster und sind mit zum Beispiel der Rockabilly-Bewegung oder dem nachhaltigem Erfolg der Beatles oder der Stones zudem konstant manifestiert erinnert, die 70er bis zu den 90er sind die großen Poptalgiezugpferde, und alles, was danach kam, ist noch nicht lang genug her, um rückblickenden Konsens darüber zu erzielen, was an den Nullern oder Zehnern so prägend war, dass man es nun aus dem Kühlschrank holen könnte - auch wenn man sich bei der so genannten „Class of 2005“ (Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs, Arctic Monkey) allmählich zaghaft an Reissues versucht.

Zweifelsohne aber tragen die 80er tragen immer noch die Kapitänsbinde der Revivalindustrie, und nun rückt offenbar das gezielte Covern von Hits aus der Zeit von Magnum, Zauberwürfeln und Schulterpolstern in den Fokus der steten Revitalisierung: Gleich drei Konzeptalben aus den letzten Wochen tun dies, und um es gleich vorweg zu sagen: In zwei von diesen drei Fällen ist das Ergebnis entsetzlicher Mist.

Von Alex Christensen und seinem angeblichen Berlin-Orchestra blieb das zu erwarten - diese unselige Verbindung hat bereits auf drei Alben Songs der 90er, in denen der Produzent Christensen musikalisch zuhause ist, in Orchestermusik übersetzt, was überraschender Weise meist kaum zu hören war, denn was an Orchester eigentlich dazu erfunden wurde, hat man dann wiederum durch billige Beats und gestauchten Breisound wieder hinfort produziert, so dass die neuen Versionen der Eurodance-Klassiker kaum anders klingen, als die Originale - Ergebnis also: nervige Lieder werden mit großen Brimborium nicht verbessert. Nun hat sich Herr Christensen also die 80er vorgenommen, und wenigstens hat er jetzt also großartige Lieder, von denen er das Niveau aber nicht halten kann - wer es hinbekommt einen der größten, schönsten, erhabenen Songs der 80er, der Popmusik als solcher gar, „Smalltown Boy“ von Bronski Beat klingen zu lassen wie einen matschigen Möchtegern-Lloyd-Webber-Song, der hat nicht nur versagt, der hat sich schuldig gemacht. Und Ronan Keating, der das „singt“, dem gebührt fortan Berufsverbot. Und Alex Christensen sowieso. Das Album „Classical 80s Dance“ bitte canceln.

80er-Hits übersetzt hat auch Ex-Teenpopstar LaFee - und zwar im sprachlichem Sinne: Sie singt Madonna, Nik Kershaw oder Alphaville auf Deutsch. Sinniger Weise heißt das Album, auf dem sie diese Songs versammelt, „Zurück in die Zukunft“. Wobei das „Zurück“ in diesem Falle den Status von Doppeldeutigkeit erlangt, denn ihr 80er-Projekt ist gleichzeitig ihre erste Veröffentlichung von Musik nach zehn Jahren. Nun wissen die meisten Leser meines Bloges sicher nicht, wer das ist, LaFee, und um ganz ehrlich zu sein, der Autor dieses Bloges wußte das bislang auch nicht, aber damit ihr jetzt nicht googlen müsst, habe ich das mal getan: LaFee war ein Teenpopstar, der im von Viva und der Bravo geebnetem Fahrwasser von 2006 bis 2011 deutschsprachigen Poprock veröffentlichte - ein Image-Entwurf irgendwo zwischen Avril Lavigne und Helene Fischer, auch wenn die beiden in der Hochphase von LaFee noch nicht all zu bekannt waren. Nun schaut sie also in erwähnt doppeltem Sinne 10 bzw. 30 Jahre zurück, und wer macht diesem Ex-Popstar nun für dieses Vorhaben wohl ein Identitätsangebot - klar der Schlager. (Dessen Identitäten anbietende Strategie ich kürzlich < HIER > versucht habe, zu erläutern.) Der Spagat zwischen Schlager und Dekaden-Revival funktioniert überraschend gut - hier greift meine These von Pop, in dem man das Neue wieder-erkennt, vorzüglich, denn wir meinen Eurodance-Schlager zu hören und merken dann: Hoppla, das ist ja Cyndi Lauper („Wenn du fällst, lass dich fallen, ich steh’ hinter Dir / Zeit heilt die Zeit“). Oder man erkennt in den Zeilen „Und wenn der Regen auf uns fällt, wirst du mein Regenbogen sein“ plötzlich Pia Zadora und Jermaine Jackson - Freunde der Nacht, versteht mich nicht falsch, wenn ich sage, dass das Ganze funktioniert, das ist schon auch ziemlich furchtbar, was LaFee hier macht, aber funktionieren tut es.

Wirklich toll aber ist die kleine, feine EP „Aisles“ von Angel Olsen, die fünf 80er-Songs Sphäre, Zuseligkeit und fiebrige Unzufriedenheit abringt - mit 5 Liedern manifestiert sich ein klarer Popentwurf, der erkennen lässt, was Angel Olsen aus dem 80ern interessant findet, und wie sie das ins Heute singt. Ihre Version von Billy Idols "eyes without a face" zum Beispiel, für mich das gelungenste Cover auf dieser schönen Platte, malt in surrealer Einsamkeit eine schöne Pop-Perle auf die 80er-Leinwand. So schau ich gerne zurück.

Pop in Startblöcken

Ab morgen: Eine neue Rubrik im Popticker

In den letzten Wochen und Monaten bekomme ich immer wieder Mails von Sänger:innen und Sängern, Bands oder Promoter:innen, die mir vorab Videos oder Songs in einem Audioformat schicken, und die mich bitten über sie, über Newcomer:innen zu schreiben. Alle diese Veröffentlichungen, auf die hingewiesen wird, haben eines gemeinsam: Es handelt sich um deutschsprachige Popmusik. Es ist schleichend geschehen, dass dieser Popticker als ein Blog wahrgenommen wird, in dem es vor allem eben darum, um deutschsprachige Popmusik geht, dabei war dies zunächst nur eine Rubrik. Nichts desto Trotz oder gerade deswegen finde ich ich schmeichelhaft, dass man mir Musik schickt - möglicher Weise überschätzt man allerdings meinen Leserkreis, mein Blog hat schon bessere Zugriffszahlen gesehen. (Mir fehlt derzeit die Zeit zu bloggen, das mag der Grund sein, aber da es nach wie vor ein Hobby ist, macht mir das nichts aus.)

Im gewissen Sinne fällt es mir deutlich schwerer, Musik zu beschreiben, für die ich Leidenschaft hege, und so besteht der Schwerpunkt deutschsprachigen Pops eben auch in Musik, die ich „privat“ gar nicht höre. Dieser Umstand hat wiederum zur Folge, dass ich mir immer Mittelalter-Rock anhöre, um dahinter zu kommen, warum viele Menschen dieses Genre sehr lieben. Inzwischen gibt es in diesem Popsegment Songs, die ich tatsächlich objektiv gelungen finde, und diese Objektiv-Schimäre entpuppt sich dann durch die Hintertür meines Geschmacks wieder als durchaus subjektiv. Hinzu kommt, dass ich mit dem gezielten Hören deutschsprachiger Pomusik Sängerinnen gefunden habe, die ich nachhaltig, subjektiv, leidenschaftlich toll finde - Mia Diekow zum Beispiel, die vor drei Jahren ein vollkommen merkwürdiges Folk-, Blues-, Pop-Album gemacht hat, „Ärger im Paradies“, mit kryptischen, poetischen, herrlich doppeldeutigen Texten, Musik, Songs fernab von jedem Versatzstückpop. Oder Antje Schomaker, deren stete leichte Ironie in Texten und Popentwurf Türen zu einer Alltäglichkeit, Beiläufigkeit aufstößt, die man sonst so nicht oft im Deutschpop findet. Oder Wilhelmine, deren Selbstsuche in Popsongs in eben diesen Songs Mut und Philosophie stiftet.

Grund genug also, nicht nur davon geschmeichelt zu sein, dass man mir Musik schickt - willkommen in der neuen Rubrik „Pop in Startblöcken“, wo ich jetzt unregelmässig regelmässig Newcomer höre. Los geht es morgen, am Freitag den 27.08. mit Isa Jansen und Josua Schwab - beide schreiben Songs und singen sie, beide suchen ihren Popentwurf mithilfe von Mitmusiker:innen, beide veröffentlichen gerade EPs mit schönen Liedern. Bis morgen.

 

Pop als Kulturtechnik

Marina findet zu sich mit einem Album des Jahres. Mindestens.

Marina Diamandis, unter ihrem Vornamen bekannt, früher Marina & The Diamonds genannt, schreibt und komponiert Lieder, in denen bereits die Merkmale und Stärken ihres Gesangs, ihrer Stimme, ihr Timbre, ihre Art zu phrasieren mitgedacht sind, ohne dass diese Lieder all zu gedacht wirken. Diese aussergewöhnliche Popsängerin braucht daher keinen Signature-Song, um einen Signature-Sound zu haben. Diese ihre Unverkennbarkeit liegt unter Anderem in der Art, wie sie ohne viel Aufhebens von Brust- zu Kopfstimme und wieder zurück springen kann, wie sie geliehene Akkorde in Melodie-Bögen webt, ohne die Eingängigkeit ihres Popentwurfes zu verlassen, wie sie mit wenigen Tupfern Pop-Lässigkeit in Pathos überführen kann und dabei auch die Disko nie vergisst.

Mag ihre letzte Platte, ein Doppelalbum namens „Love & Fear“, ein wenig ideen-überladen gewesen sein, ihr neuester Streich „Ancient Dreams In A Modern Land“ ist nicht weniger als ein Meisterwerk: Aus Rock, Pop, Jazz, Soul strickt sie einen Zehn-Song-Zirkel, ein feministisches Pop-Pamphlet mit Coolnes an der Klippe zum ironischen Kitsch, ein Empowerment mit fluffiger Popschwüle, eine Selbstermächtigung von und mit Disco und Piano.

All dies wird flankiert von selbstzweifelnd lyrischen Kleinoden, von Songtexten, die plötzliche Tiefen in Bubblegumlieder ziehen, offensive Blödsinnigkeiten in Songs, die von Depression handeln, von scharfer Konfrontation von Traurig- und Fröhlichkeit. Wer schreibt zum Beispiel so eine Strophe: „I’ve escaped many vices / like drugs and alcohol / but I can never escape / the war inside my skull / You know that love’s a gift / but it can also be a curse / always the optimist / dealing with somebody else’s can of worms“. Das Alles für die Pianoballade „Pandoras Box“, die sich auf seichten Akkorden mit Streichern aufbäumt, im Refrain komische Melodie-Kurven nimmt und gerade genug Pathos trinkt, damit man auch beim Hören merkt, dass hier eine Lyrikerin textet.

Dieses Album zeigt Popmusik als menschliche Kulturtechnik - so perfekt, dann man nie Perfektion riecht. Grandios.

Retro-Techniken für die Nuller

Die No Angels leisten Pionier-Arbeit

Die No Angels, die großen Künstlerinnen des Gewesen-Seins, des No Angels-gewesen-Seins, um genau zu sein, haben einmal wieder den Aggregatzustand des Seins, des No-Angel-Seins, um noch genauer zu sein, angenommen - sie sind zumindest temporär keine Ex-No-Angels mehr. Anlass dieser Schubumkehr raus aus dem Popstar-Ruhestand ist das 20-jährige Jubiläum ihres Debut-Albums „Elle’Ments“, von dem nun eine Celebration-Version erschienen ist. Auf dieser, sinniger Weise „20“ benannten Zusammenstellung finden sich freilich auch Songs jenseits der Elle’mente der Girlformation wieder, weshalb es eigentlich mehr ein Best-Of-Album als eine Wiederauflage des Debüts ist. 

Die No Angels haben also die entsprechenden Songs noch einmal aufgenommen und / oder remixen lassen: Sie haben die Stimme von Vanessa Petruo heraus gerechnet (denn Petruo arbeitet derzeit als Neurowissenschaftlerin an der University Of Southern California und hat dem No-Angels-Sein und dem Ex-No-Angels quasi auch adieu gesagt), sie haben die Teeniepop-Elemente der Originale ein wenig entschlackt und die Lieder insgesamt ein wenig entzuckert, um sie weniger gealtert erscheinen zu lassen. Sehr viel mehr Ideen hatte man für die Neuversionen nicht, aber die braucht es ja vielleicht auch gar nicht. Das Album ist als Retro-Projekt angelegt und organisiert: Menschen möchten das, was ihnen einst etwas bedeutete, wieder hören, ohne daran erinnert zu werden, selber 20 Jahre älter als 2001 zu sein. Das ist ein normaler Re-und-Upcycling-Prozess des Retro-Industrie-Zweigs der Popkultur.

Man könnte konstatieren, dass der Schwerpunkt des Retro-Hypes sich derzeit in zwei Richtungen wieder raus aus den 90ern bewegt: Die Reise geht zum gefühlt dritten Mal zurück in die 80er, während dem das Album „20“ der No Angels das Retro-Tor in die Nuller aufstösst. In diesem Sinne wird hier vielleicht auch Pionier-Arbeit geleistet, denn die Popkultur hat für die 80er und die 90er bereits Codes, Chiffren, Sounds und Reflexionsmuster heraus gebildet, einen Werkzeugkoffer also für kollektiv-popkulturelle Gedächtnisräume. Aber für die 00er gibt es diese Retro-Techniken noch nicht. In diesem Sinne ist No Angels’ „20“ mehr die Fragestellung, wie man es machen kann, als eine umfassende Blaupause für zukünftige Retro-Produkte des Nuller-Jahrzehnts. 

Natürlich würde man „Elle’ments“ auch zu viel der guten Popverantwortung aufbürden, wenn es als wegweisendes Album der Nuller bezeichnen und als solches in die Retro-Küche schicken würde. Aber zumindest was Castingshows anbelangt, die zweifelsohne ein prägendes Element der Nuller waren, sind die No Angels im deutschen Raum einzigartig: Keine Castingformation oder irgendein Solokünstler hat besseren oder erfolgreicheren Bubble-Pop zustande gebracht. In Zusammenarbeit mit entsprechenden Produzenten und Hitschreibern (ich habe nachgeschaut, es sind leider nur Männer) wurde hier handwerklich stimmig der von Frauen repräsentierte und gesungene, von männlichen Produzenten geprägte RnB-Pop aus den USA nachgebaut. Und so markiert diese Platte durchaus auch den Beginn des Popjahrzehnts - in die 90er passten und passen die No Angels auch nicht mehr rein.

Dementsprechend wirken die teil-entschlackten Neu-Versionen vor allem dann pfiffig, wenn die Reduktionen nicht die damals schon zitierten Sounds und Beats betreffen. Bei der ein oder anderen Neuversion muss man sich fragen, warum man schon damals zitierte Elemente von „Elle’Ments“ für die Neufassungen weggelassen hat, weil man das Gefühl hat, gerade sie sind für sich schon retro. So klingt denn zum Beispiel die Celebration-Version von „Feel Good Lies“ deutlich muffiger als das Original - die an Timbaland erinnernden Zwischen-Beats, die zusammen-gestauchten, Destinys-Child-artigen Chöre machten die Single damals zu einem der besten No Angels-Songs überhaupt, während die nun erschienene Überschreibung öde und leer klingt.

Aber summa-summarum muss man dem heute erschienenen Jubiläums-Album attestieren, als das, was es sein möchte, zu funktionieren, und vor allem fällt auf, dass die No Angels und ihr Popentwurf selbst aus heutiger Sicht angenehm divers sind. Man kann sich gut vorstellen, dass die vier Sängerinnen im gerade beginnenden Popjahrzehnt ihren Platz finden.

Pop kuratieren - oder auch nicht

Mega-Sampler oder EPs - und was Future Trance mit Lena zu tun hat

Klammheimlich hat sich in einschlägigen Album-Charts ein neues Darreichungsmodell von Popmusik ökonomisch etabliert: Der Mega-Sampler mit der Überwältigung durch Masse. In den aktuellen Top 20 finden sich gleich sechs Song-Sammlungen mit über 40 Titeln: Der Sampler zum Eurovision Songcontest zum Beispiel umfasst alle teilnehmenden Songs (okay, das sind „nur“ 39), auf den „Bravo-Hits“ waren ehedem schon immer viele Lieder, aber auf der neuen Ausgabe „Volume 113“ finden sich gleich 49 brandaktuelle Hits. Auf dem Sampler zur Fernseh-Show „Sing meinen Song“ finden sich 50 Cover, und den Rekord bricht „Udopodium“, der Tribute-Sampler zu Lindenbergs 75. Geburtstag mit sinniger Weise 75 Liedern. Und dann gibt es noch zwei neue Trance-Techno-Sampler mit jeweils 50 bzw. 61 Tracks. 

Die ökonomische Idee, die dahinter steckt, liegt auf der Hand: In Zeiten, in denen potentiell die gesamte Musik-Geschichte  für einen Abopreis per Stream einen Weg in die Ohren finden kann, muss mit Hörer:innen gerechnet werden, die nicht einsehen, für 10 Euro gerade mal 10 Lieder zu bekommen. 75 Udo-Lindenberg-Lieder kauft vielleicht auch, wer an sich nicht mehr Musik mehr kauft. Aber auf Sampler und Best-Of-Boxen mehr und mehr Songs zu packen ist wohl auch eine Entwicklung, die mit 75 Liedern auch schon an  ihrem Endpunkt angelangt sein mag. Hundert wären eventuell noch drin. Aber da müssen es dann schon die Stones sein. Oder Bowie oder Dylan. Noch mehr als 100 wäre dann spätestens irgendjemandes Gesamtwerk.

Eine Liste mit 60 Trance-Tracks wiederum, oder eine Bravo-Compilation mit 50 Hits sind Sampler gewordene Algorithmen, Spotify-Playlists die man für 9,99 € kauft - in gewisser Weise manifestiert sich hier eine neue Form des Popmusik-Sammelns - wer „Future-Trance 95“ hat und die 96 kauft, braucht nicht alle anderen 94 Folgen, um das Gefühl zu bekommen, die Mehrheit aktueller Future-Trance-Musik zu besitzen, denn 120 Tracks hat er ja schon. 

Die umgekehrte Hoffnung hegt indes wohl Lena Meyer-Landrut: Dass nämlich Hörer:innen, die ihre Musik schon besitzen, vielleicht auch einmal streamen. Lena hat jedenfalls ihren Back-Katalog unter drei thematischen Aspekten zu Playlisten kuratieren lassen - „confidence“, „kind“ und „optimism“. Das Ganze ist ein recht hübsches Unterfangen, war aber mit der Löschung ihres gesamten Instagram-Bestands und dem Veröffentlichen eines Trailers zu „optimism“ vielleicht ein wenig over-promoted: Die Sängerin schürte damit natürlich die Hoffnung auf neue Musik, die dann aber eben enttäuscht wurde. Grundsätzlich ist die Idee des Kuratierens von Playlisten aber eine schön Strategie, dem Überangebot und der schieren Masse an Popmusik überschaubar scheinen zu lassen und eben nicht 75 Lindenberg-Songs auf einmal auf den Markt zu werfen. (Ich mache das mit meiner eigenen Musik auch und erstelle mir selber Playlisten zu „Bäumen“, „das Meer“ und tatsächlich auch „Optimismus“.) 

Selbst in die Veröffentlichung neuer Musik findet dieses Kuratieren als Gestus Einzug: Ein Gewinner der Corona-Krise ist als Pop-Release indes nämlich die EP, also das kurze Album, bei dem Künstler:innen zum Beispiel im Lockdown entstandene Popentwürfe rasch in die Tat umsetzen - als würde man eben zu einer Idee, Songs auswählen, ohne ein ganzes Album denken, machen und promoten zu müssen. (Zum Boom der EP schreibe ich nächste Woche etwas) - der Kurator als Kraft, welche künstlerische Energie in Bahnen lenkt und in einen Zusammenhang rückt. Tendenziell - wie gesagt - finde ich das eine schönere Strategie als Marktverstopfung mit Mega-Samplern. Ich weiß auch gar nicht, was Future-Trance ist.

Die Erosion der Charts

Schafft Transparenz! Pop-Charts haben mal Spass gemacht

Wenn man die aktuellen iTunes-Charts (Mittwoch den 17. März habe ich diesen Text angefangen) mit den offiziellen deutschen Albumcharts vergleicht, stellt man fest, dass sie zur Gänze unterschiedlich sind. Nehmen wir nur mal die Top 3: Auf iTunes finden sich die Drei Fragezeichen, Puccini mit Boccellli und ein völlig unbekannter Country-Star, in den „offiziellen Albumcharts“, was immer hieran offiziell ist, finden wir zweimal deutschen Rap sowie einmal Meta-Seemannsmusik. (Alle drei Charts-Neueinsteiger übrigens, die mit sieben Alben ohnehin die Top-Ten dominieren). Diese extremen Unterschiede sind derzeit ständig zu beobachten, und sie bilden einen Musikmarkt ab, in dem Menschen, die Musik runterladen, zur Gänze andere Musik hören, als solche die streamen, Vinyl kaufen oder noch andere Kauf-Vorlieben haben. Der Versuch in einem übergreifendem Marktsinn abzubilden, was in der Popmusik derzeit angesagt ist, ist zum Scheitern verurteilt und eine überkommenes Ritual aus alten Popzeiten. Der Markt ist so ausindividualisiert, dass ein Vergleich durch Listen gar keinen Sinn mehr macht. 

Konsequenter Weise rücken bei Streaming-Diensten andere Prinzipien in den Vordergrund. Die dortigen Listungen bilden das eigene, individuelle Hörverhalten ab - Selbst-Charts sozusagen. Diese Selbst-Charts vergleichen nicht mehr das Hörverhalten vieler sondern beschreiben das des Einzelnen für ihn. Natürlich kann man sich auch auf Spotify Charts anschauen, aber diese kann man mit Schiebereglern näher zu sich führen, indem man Hört-Ort, Zeitraum, Genres, Stimmungen und so weiter anhand seinen Interessen anpasst. So verkleinert sich mit Pop-Up-Menüs die Hörer:innen-Bubble bis hin zu erwähnten Selbst-Charts also, welche nur noch mein eigenes Hörverhalten kartografieren.

Natürlich aber analysiert Spotify das Hörverhalten seiner Nutzer:innen dennoch übergreifend und sicherlich auch mit dem ein oder anderen Tool, das der Idee von Charts ähnelt. Vor allem aber sucht man hier nach Parallelen: Nutzer, die dies und das gehört haben, haben auch dies und jenes gehört. Im gewissen Sinne sind das die eigentlichen Streaming-Charts, die Charts 2.0, denn diese Parallelen bilden das Herzstück des Online-Marketings, und beim Streaming inzwischen auch das der erwähnten Selbst-Charts. Um die Sache persönlicher zu gestalten, ernennt man diese Parallelen einfach zu Subsubgenres und gibt ihnen einen Namen - zum Beispiel „Escape-Room“, „K-Witch-House“ oder „Signum-Echo“. Diese Genres sind im musikalischen wie popkulturellen Sinne teils völlig absurd - unter ihnen können sich Metal wie Techno oder der neueste Schrei „Hyper-Pop“ subsumieren. Würde Amazon dieselbe Idee realisieren, würde, weil mehrere Menschen Einlegesohlen, Erotik-Krimis und Fimo-Knete gekauft haben, daraus eine Produkt-Kategorie kreiert werden, und man würde sie zum Beispiel „Chip-Crow-Objects“ nennen. Zu Ende des Jahres würde jeder Amazon-Kunde seine Selbst-Charts erhalten, laut derer er in den vergangenen 12 Monaten am meisten „Chip-Crow-Objects“ und „Sarry-Dots“ gekauft habe.

Anders als bei dieser absichtlich abwegigen Idee, verfolgt Spotify mit seinen individuellen Jahres-Resümees („Du hast in diesem Jahr 17 neue Genres entdeckt - weiter so“) eine Strategie: Die Hörerinnen werden gelobt und bekommen daher das Gefühl, aktiv ihren Musikgeschmack zu erweitern. Sicherlich stimmt das auch, aber sich dabei auf extra erfundene Subsubgenres zu berufen, die de facto keinen Sinn machen, ist doch schon recht abenteuerlich. Hier offenbart sich, dass es Spotify nicht um Musik geht, man muss sich wohl im Gegenteil davon verabschieden, dass der Streaming-Dienst ein Musik-Anbieter ist: So sehr auch Playlisten kuratiert, Hörverhalten kartografiert und Genres benannt werden, so sehr ist Spotify vor allem daran interessiert, dass man möglichst viel Zeit in ihren Datenströmen verbringt. Spotify verführt wie Facebook oder Instagram zu endlosem Scrollen.

Doch zurück zu den Charts: Wie könnten Listen darüber, was gerade am meisten angesagt ist, heute aussehen? Zu allererst müssten sie transparent werden, um sie wieder in Beziehung setzen zu können. Wer weiß zum Beispiel gerade, wie die aktuellen „offiziellen Single- und Albumcharts“ entstehen? Wikipedia sagt dazu Folgendes: „Zurzeit umfasst das Portfolio rund 2.500 Anbieter, die eine für die Chartermittlung hinreichende Meldung abgeben können. Neben dem Einzelhandel oder Onlineanbietern, können auch spezielle Vertriebsformen (Download, Großhandel, Streaming oder Teleshopping) ihre Berücksichtigung finden, wenn sie den Direktverkauf am Endkunden statistisch erfassen und melden können. Über die Teilnahme am Panel entscheiden Prüfungsbeauftragte.“ - tja, was heißt das nun? Was machen diese Charts für einen Sinne, die keine Sau begreift? Oder: Was bilden die wichtigsten Downloads-Charts auf iTunes ab? Welchen Zeitraum? Warum ist ein Lied dort auf Platz eins? Weil es in der letzten Stunde oft gekauft wurde? Innerhalb der letzten 24 Stunden? Keiner weiß es, und wenn die Charts abbilden sollen, was angesagt ist, man aber gar nicht weiß, wodurch die Behauptung entsteht, es sein angesagt, was macht das dann noch für einen Sinn.

Die einzigen Charts, von denen ich weißt, wie sie entstehen, sind die Album-Charts des auf Vinyl spezialisierten Versandhändlers JPC - sie werden täglich gegen 10 Uhr aktualisiert, hat man mir auf Anfrage mitgeteilt. Derzeit auf Platz 1: „Pink Floyd live in Knebworth 1990“.

Hinweis: die Abbildungen sind Screenshots der "offiziellen Albumcharts", der "iTunes-Charts Albums" und den "JPC-Viny-Charts von 19. März 2021 um 10 Uhr

/ Songs zum Sonntag // 240121 ///

/// Billie Eilish und Rosalía, diese beiden Jahrhundert-Talente des Pop, haben zusammen einen Song aufgenommen. „Lo Vas A Olividar“ ist eher eine Seance über zwei, drei spanische Melodie- und Text-Linien, eine Reduktion, ein Ausmailbild ohne Farben oder vielmehr ein Ausmalbild ohne Linien; jedenfalls kaum Instrumente, die musikalisch bündeln, ein Ausdruck vollkommener künstlerischer Freiheit, wie es ihn im Pop insbesondere in Zeiten des Streamings kaum mehr gibt. Und somit ein Schimmer der Hoffnung und Schönheit. /// So empfinde ich auch die neue Single Birdy - unaufgeregt unkitschiger Pianofolk (auch wenn sie auf dem Cover mit Gitarre zu sehen ist): „Surrender“ klingt nach heimeligen Kamin und unaufgeregtem Rotwein, der Soundtrack zur Illusion des freiwilligen Zuhausebleibens. /// In der Reduktion zwischen klassischer Folk-Band bei Birdy und den Farbtupfern zweier hinreissender Stimmen von Rosalía und Billie Eilish zu verorten ist der Titelsong des kommenden Albums von Lana Del Rey „Chemtrails Over The Countryclub“: In klassischer Del-Rey-Manier verhallen hier pastellene Piano-Tupfer und Besen-Sticks am Schlagzeug in eine immer ungreifbarere Sehnsucht nach einem Amerika, das nicht mal mehr am Retrohimmel leuchtet. Unfassbar gut; aber auch leicht deprimierend. ///

Justus Jonas und Chris Norman

Die Postcharts von Freitag den 22.01.21

- neue Kolumne: Postcharts am Freitag

Mangelnde Stilvielfalt kann man der Spitze der Album-Charts derzeit nicht vorwerfen: Auf Platz eins ist deutsch-gerufener Trap-Rap mit Relikten von Sprache, auf Platz zwei befinden sich nordisch-mythische Männer-Choräle von einer Metalband für eine Wikinger-Serie, den dritten Rang belegt kosmopolitischer Dancefloor, und auf Platz vier sind die drei Fragezeichen. Wenn man dafür noch eine Klammer finden wollte, so muss man wohl auf einen Begriff zurückgreifen, der in Zeiten der Pandemie auch für den Netflix-Boom verantwortlich zeichnet: Eskapismus; die genannten vier Alben handeln von Orten, wo man gerade nicht ist: Muckibude, Mittelalter, Tanzfläche und Rocky Beach. So ist in allen Alben auch Corona drin - wenngleich immer nur in zweiter Ableitung.

Auf den Plätzen 5 bis 50 wird es ein wenig eintöniger: Viel Metal (spacige Cover mit mystisch überhöhten Bandlogos), viel Schlager (der gerne gerne mit rechtfertigendem Trotz zusammen gestellt wird: Ich Mag Schlager, Schlager ist toll, lasst mich doch in Ruhe, ich höre halt Schlager - so heißen die dann) und viele Best Ofs von alten weißen Männern mit Gitarre - Eric Clapton, Mike Oldfield oder Chris Norman zum Beispiel. Vieles ist dabei auch in den Charts, weil iTunes es gerade für 4,99€ raushaut. In den heutigen Charts regeln nicht Angebot und Nachfrage den Preis, sondern Preis und Angebot regeln die Nachfrage und somit die Chartplatzierung.

Irgendwie traurig. Und jedenfalls kein Abbild dessen mehr, was gerade cool ist. Eben Post-Charts.

Der alte Hase Album

Miley Cyrus spielt Igel

Miley Cyrus hat in den vergangenen Wochen recht rockige Song-Cover lanciert, „Heart Of Glass“ als melodischen Punkrock, „Zombie“ (von den Cranberries) leicht schneller und mit Power-Riff, sie präsentierte zudem einen neuen Look, der man mit Punkrock und Power-Riff beschreiben könnte, und dann streute sich auch noch Gerüchte, sie plane, demnächst ein Album zu machen auf dem sie Metallica-Lieder nachsingt. Es macht schon großen Spaß, Miley Cyrus bei derartigen Selbstkonzeptionierungen zuzusehen. Sie denkt sich neue Erscheinungsfiguren aus, zwischen denen und ihrem öffentlichen Bild der Person Miley sich dann ein Image aufspannt. Solcherlei Imagekampagnen sind an und für sich nichts Neues, vielmehr sind sie inzwischen steter Bestandteil des Popgeschehens, spätestens seit es Musikvideos gibt. Aber was Miley Cyrus sich patentieren lassen könnte, ist die allmähliche Verfertigung des Images beim Inszenieren Desselbigen. Sie geht dann einen Schritt in eine Richtung, prüft, wie sich diese Richtung anfühlt, und korrigiert sie entsprechend. Mancher dieser Schritte sind spontan, manche sind inszeniert. Und genau diese Abwechslung zwischen authentischen und geplanten Popmoves sind äusserst unterhaltsam. Nachteilig wirkt sich freilich aus, dass diese Strategie marketing-technisch wie die Geschichte von Hase und Igel wirkt: Immer, wenn sie irgendwo ankommt, wie jetzt mit einem deutlich rock-orientierten Album, denkt man: Da ist sie ja schon. Und der alte Hase Album-Release zieht dann weiter - und wo immer es ihn auch hinzieht, wird auch wieder Igel Cyrus sitzen und wieder sagen: Ich bin doch schon da. Und wo sie zuvor war, das bricht zusammen. Kein Wunder eigentlich, dass der Signature-Song der Post-Hanna-Montana-Cyrus „Abrissbirne“ heißt.

„Plastic Heart“ also heißt das neue Album, und es ist gedacht als Peak der rockistischen Unterwanderung des gesamten Popiversums Cyrus, so eben, wie sich das andeutete in besagtem Pop-Moves mit Rock-Grooves und Punk-Riffs, aber „Plastic Hearts“ jetzt eben leidet auch ein wenig darunter, dass man das Gefühl hat, sie ist quasi schon wieder weg, und das Album ist, so wie wir es uns nach „Monster“ und „Heart Of Glas“ vorgestellt haben, viel besser, als es nun in der Realität geworden ist. In dem Album-Hase schreit der Igel Miley: Ich bin doch schon da. Und der Hase antwortet: Und ich bin schon wieder weg. Man könnte auch sagen: Ein Album ist zu langsam für Miley Cyrus.

Aufgeflächt im zweiten Stock

„Licht“ - das neue Album von Nena

Wer Nena kürzlich bereits zur Aluhüterin abschrieb, hat vielleicht doch ein wenig zu schnell gehandelt - ihr merkwürdiges Instagram-Statement, das die Gerüchteküche anheizte, enthielt zwar vielerlei Andeutungen, die man als Elemente einer Verschwörungserzählung lesen könnte, letztlich war es aber nicht mehr als esoterisch und religiös aufgeladene Promotion-Lyrik für ein neues, ebenfalls esoterisch und religiös aufgeladenes Album namens „Licht“. Und nachdem die Wetteinsätze für den nächsten Nervenzusammenbruch eines Promis ohnehin schon warm liefen und Nena zu den gesetzten Sänger*innen gehörte, war der Empörungs-Automatismus nicht mehr aufzuhalten - die Kirche im Dorf lassend habe ich mal „Licht“ angehört.

Nena schreibt schon immer im klassischen Pop-Lyrik-Dreieck von „Ich“, „Du“ und „Wir“, und mit diesen singenden Ichs und Adressaten laviert sie zwischen Zeit- und Schicksal-Allegorien durch die Popwelt und geschickte Melodien. Ihr Popentwurf ist von einer gewissen angeborenen Euphorie und chronischen Optimismus geprägt, und manchmal fundiert er in Geschichten oder Liebesliedern, immer aber ist die Rede von Wundern, Natur, Luftballons und Träumen, Wasser und Bäumen. Da passt Licht, und Licht, das Eintreten in es, ist hier auch im wenig versteckt religiösem Sinne. Das ist natürlich mehr als Ordnung, aber man kann das natürlich auch getrost ablehnen - verschwörerisch ist es wie gesagt in keiner Weise.

Merkwürdiger Weise fehlt dem neuen Album ein wenig der Sound-Pathos, ein Klangbett, das dem ganzen Nenaschen Kratzen an der Grenze zum Wahn eine musikalische Hand reicht. Die Platte ist voll von lakonischem Synthiepop, der sich aber nie mit elektrischen oder realen Streichern vollklebt und auch kaum Ausbrecher in Rock unternimmt. Eher schon hört man, ohne dass ich nun weiß, wer das Album produziert hat, dass Nena kürzlich auf dem Album des Produzenten-Trios „Kitschkrieg“ zu hören war - bröckelnde Beats, die im zweiten Stock aufgeflächt werden wie im Song „Zimmer“, oder Post-Punkt-Remember-Drums mit leicht scharfem Synthie-Riffs wie bei „Zurück in die Zukunft“.

Durch die fehlende Handreichung zwischen Nena-Euphorie und Produktion gehen der Platte in der Summe ein wenig die Hits ab, der leicht ironische Klang mit den ganz und gar uninronischen Texten verfangen sich auch nirgendwo in Ohrwürmern oder Rätseln, die man noch einmal hören möchte - oder kürzer: in der Summe recht mittelmässig.