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Mischmasch, Mischungen und Amalgame - was heute so erscheint -

- die Freitgagskolumne /// Der synthetische Latino-Vibe kombiniert mit der meta-ironischen Kapitalismus-Kritik („Gib mir in High Five wir pfeifen auf den Zeitgeist / Nach ein zwei Mai Tai tanzt jeder seinen Lifestyle“) lässt zwischen deutschem Rap die NDW durchscheinen: Die Rede ist von „Highlife“ der ersten hoch-deutsch getexteten Single der Bayern-Hip-Hopper „dicht & ergreifend“ - das macht Spaß, weil eben die NDW-Anleihen hin und wieder in einen grenzenlosen Zynismus kippen: „In meinem Bunker hängt ein echter DaVinci / denn der Atomschlag ist nur das Hinspiel.“ /// YouTubeChannel < hier > /// NDW-Referenzen könnte man auch „Kommando Elefant“ unterstellen, auch Kapitalismus kritisieren sie („Du sagst, der Kapitalismus ist ein schlechtes System, aber was will man ändern - ausser zu gehen?“), gleichzeitig aber sucht diese Band ein flächige Tiefe, die irgendwie an urbanen Schlager erinnert - jedenfalls mit ihrer neuen Single „Herz aus Gold“. Daraus dann erwächst ein unfassbar merkwürdiges Synthpop-Amalgam, das in keine Schublade passt aber auch nicht so recht in mein Ohr findet. /// Lyric-Video < hier > /// „Holztechnik Meyer“ ist in dieser Woche der beste Songtitel, der mir begegnet ist. Er stammt von der Band „Figur Lemur“, die hier in Popticker schon das zweite Mal vorkommt, und man kann sich recht sicher sein, dass die bald berühmt werden: Der sozialkritische Indie-Pop mit Punk-Attitüde und Rap-Remiszenzen ist eine so scharfzüngige Mischung - das gefällt mir irre gut. „Holztechnik Meyer“ ist eine Geschichte von epischer Breite, traurig und wütend und hinter dem Tellerrand unfassbar politisch: Toll! /// Video-Premiere heute 18 Uhr < hier > /// Zum Schluss aber noch was Abgefahrenes: "julakim Trio" kommt mit deutschsprachigem Latino-Punk ums Eck - ihre neue Single "CREDO" erscheint heute. Das ist eine so abgefahrene Mixtur, wie sie klingt - sehr wütend, sehr smooth. /// Video-Premiere heute 16 Uhr < hier > ///

Pop universal

Die Pet Shop Boys bleiben souverän

Die Pet Shop Boys sind eine der wenigen Popformationen, deren Musik einerseits genügend Identität mitbringt, um immer wie Pet Shop Boys zu klingen, die aber andererseits auch formbar genug und variabel ist, um die jeweiligen Strömungen an Sounds im Laufe der Jahrzehnte in sich aufzunehmen und also dementsprechend sehr 80s, 90s und so weiter zu klingen. Auf ihrem neuen Album „nonetheless“ haben sie dieses Spiel der amorphen Popidentität im Sinne eines einsetzenden Alterswerk auf die Spitze getrieben, so dass ihre Musik inzwischen so klingt wie eine Art Universalpop - die Songs können im Retroradio laufen, in der Cocktail-Lounge, auf der Tanzfläche und beim Strassenfest; und all dies in Göttingen, in Athen oder San Remo, in Los Angeles, Melbourne und natürlich in ihrer britischen Heimat sowieso.

Erstaunlicher Weise funktioniert dies nicht nur über musikalische Koordinaten, sondern ebenso über die Inhalte ihrer Lieder: Ob sie über sich selber singen, über die Liebe, soziologische Themen, politische gar, ob sie über queere Kultur reflektieren - oder gar wie es auf dem neuen Album geschieht - über deutschen Schlager nachdenken („the schlager hit parade“) - ihre unterkühlte Klugheit, beiläufige und gleichzeitig unheimlich scharfe Bilder zu entwerfen, machen die Songtexte auf gleich-clevere Art universalistisch, dass sie auch jenseits ihrer konkreten thematischen Fokusse funktionieren. 

Natürlich bringen diese geschilderten Umstände mit sich, dass die Musik der Pet Shop Boys in erheblichen Masse von den einzelnen Songs abhängt - wenn nicht genug den universalistischen Ansprüchen genügen, wird das Album nix; passiert auch. „nonetheless“ jedoch ist über weite Strecken gelungen, teils brillant: „Feel“ ist klassischer Pet Shop Boys-Synthpop mit plötzlichen Streichern und Captain-Future-Zitaten und ein wundervoll alltäglicher Liebes-Song; „a new bomemia“ ist fast eine 70s-Schmonzette, die mit den Mitteln der späten 80er erzählt wird - und handelt davon, wie schwerer es im Älterwerden wird, gesellschaftliche Identitäten mit Modellcharakter zu finden; „the secret of happiness“ klingt wie ein Chanson aus einem Tanzfilm der 30er-Jahre; und „Bullet For Narcissus“ ist 90s-Dancefloor über Eitelkeit. In der Summe haben wir hier also ein Album, das mit 10 Songs in trockener Gesamtheit die Popmusik als solche vermisst - das können so auch nur Neil Tennant und Chris Lowe.

Meta-Ironien und Sahmise

Was heute so erscheint - die Freitagskolumne /// Nicht ganz so düster wie sein letztes Album „schwarz“ fällt die neue Single seines neuen Albums „Dagobert und die wahre Musik vom südlichen Blütenland“ aus - Dagobert also, konstatiert in diesem neuen Lied "Fremder", er sei ein „Fremder in seinem eigenen Leben“ geworden zu souligen Space-Orgeln und fluffigem Beat findet die Schweizer Kunstfigur, der so gar nicht kunstfigürlich daher kommt, zurück zum Pop. Vielen finden ihn blöd, ich mag ihn sehr gern. /// Minimal produziert mit Trap-Beat und japanischer Shamise (eine drei-saitige Langhalslaute - hier vermutlich vom Computer generiert) klingt die neue Single "Läute die Glocken" von „Diotima & Rafael“ - irgendwo zwischen Hip Hop und Weird-Folk zerfallen die Lyrics auch in Laute: „Aberkannt – Männerhand / Gratulant – Wortgewandt / Denunziant – hierzuland anerkannt / Schlechtes Spiel, gute Miene / Viel Geld, kein Friede / Geld, kein Friede“ - womit sich die Form und der Inhalt irgendwo die Hand geben, ohne dass man so recht durchsteigt, worum es eigentlich geht: Sehr strange, sehr nice /// < Video > /// Noch stranger klingt „CLÅRA“ - was beginnt wie klassischer Deutschpop, mit tiefem, tremolofreiem Gesang, wird irgendwann von 90er-Reminiszenz-Beat unterwandert, und bald hört man eine Popmusik, die man so nicht erwartet hätte, und die es so vielleicht auch noch nicht gab: Trip-Hop-Deutschpop - ich werde damit noch nicht so recht warm, aber es ist doch so aussergewöhnlich, dass ich es Euch nicht vorenthalten wollte. /// /// Instagram & Linktree: < Hier > /// Wieder mischen sich die 90er dazwischen in unserem nächsten Song für heute: Karoline Kaminski braucht etwa eine Minute um die mir etwas zu oft lodernden Trap-Beats zu überwinden und aus besagtem Jahrzehnt die zerquetschten Kürbisse etc. zu zitieren - schrammelnde Gitarren sind also, könnte man sagen, so selten geworden, dass sie, wenn sie im Pop auftauchen, für sich schon auf anderen Jahrzehnte verweisen - kurios. Aber Frau Kaminski hat auf jeden Fall genug Rock-Cuzpe , um die eigene Soft-Spot, heutig klingen zu wollen, weg zur rocken: "I want less of you" zitiert sich zu trashig selber zu Boden, dass man die gemässigten Klänge der jeweiligen Strophen gut gebrauchen kann - lässige Sache. /// Bento-Seite < Hier > /// Stilbruch vermischen sich als Streichertrio mit sich als Band, und der Kitt zwischen den Stilen ist Pop und Schlager - leider halten weder Lyrics noch Komposition mit der Originalität dieses Popentwurfs mit - zumindest empfinde ich das bei ihrer neuen Single "mit dem Herzen sehen" so, dennoch hat der Stilbruch von Stilbruch etwas Lässiges. /// < YouTube-Kanal >  /// Ado Kojo benutzt für sein Stil-Amalgam auch Pop und Schlager - damit verklebt er freilich nicht wie bei Stilbruch Klassik und Rock - sondern HipHop und Soul: "Schmetterlinge" findet so zu einem mir etwas zu deutschpoppigem Popsoul, der in seiner dreisten Ohrwurm-Affinität und Naivität an einen Hit der 90er erinnert: Aymans "Mein Stern" - ich finde das objetikv nicht so gelungen, aber es erreicht schon ein Guilty-Pleasure-Ohr. /// Instagram < Hier > /// Und Vincent Gross singt sich weiter durch die Karte einer normalen Bar. Nach seinem Ouzo-Song ist er nun, das ist kein Witz, angelangt bei Aperol-Spritz. Der Text ist dabei so dämlich, dass man geneigt ist, das Post-Ballermann-Pop zu nennen - dann würde es auf einmal like-bar sein, aber wahrscheinlich meint er es ernst: „Sommer, Sonne, heißer Sand / Viel zu trockenе Luft am Strand / Ich brauch' keinen Milchkaffee / Und auch keinеn Eistee [Refrain] Ich trink' heut, das ist kein Witz / Aperol, Aperol, Aperol Spritz.“ - ich fürchte, es wird morgen DER Hit auf dem Schlagermove morgen - furchtbar ! /// 

Ein Lied kann einen Code brechen

Einige Gedanken zum Eurovision Songcontest 2024 - in diesem Jahr nicht in Gesprächsform

Der Eurovision Songcontest ist ein gigantisches Medienspektakel, das sich scheinbar automatisiert zu wiederholen scheint - es gibt Windmaschinen, jedes Jahr größere Bühnen, Trick-Kleider und immer auch Rückblicke auf bisherige Highlights, Fehlgriffe, Kuriositäten und Welthits, und am Ende verlieren die Deutschen. Ein solches Ereignis, das viele Menschen lieben, und das bis in ihren Alltag hinein reicht, erhält sich aber, so ritualisiert es auch erscheinen mag, nicht von selbst. Es gibt Tausende, die die Idee dieses Wettstreits neu denken - sei es, weil sie Fan sind, sei es, weil sie in welcher Form auch immer teilnehmen - und nur durch dieses stete Mitdenken, kann der Eindruck entstehen, dass sich nichts ändert. Das ist wie im Pop selber: Ständig kommen Leute, die denken, es geht alles von vorne los, während dahinter eine Generation nörgelt, das vorgeblich Neue sei ein alter Hut. Daher erkennen wir im Pop neues wieder, ohne dass das einen Widerspruch darstellt. Was die gigantische Show Pop im Allgemeinen und Songcontest im Speziellen voran treibt, sind eben die verschiedensten Leidenschaften, Begeisterungen, Emotionen und Ansprüche, die zum dem scheinbar rituellen, alljährlichen Kompromiss führen, und wenn gar nichts mehr verbindet, so kann man sich im Zweifel aller Zweifel zumindest noch darauf einigen, dass „douze points“ magisch sind. 

Die Hook des Sieger-Titels 2024, Nemos „I Broke The Code, Whoa-Oh-Oh“, lässt in der Rückschau auf einen denkwürdigen Popabend vielerlei mehrdeutige Wortspiele zu, hinter denen das Neue wieder-erkannt wird. Und allein dies auch schon in zweierlei Hinsicht: Einerseits sangen die zugeschalteten Menschen, die die 12 Punkte ihrer jeweiligen Länder verkündeten, „Whoa-Oh-Oh“, wenn ihre douze points in die Schweiz gingen, anderseits benutzen viele Interviewten das Bild des geknackten, gebrochenen Codes. Nemo selber fand noch am Abend des Code-Triumphes eines dieser Sprachbilder: „I had to smuggle my [nonbinary] flag in, cause eurovision said no, and I did it anyway - I hope some other people did that too, but common! That is double standard, as I said: I broke the code, I broke the trophy, the trophy can be fixed, maybe eurovision need some fixing too from time to time.“

Nie zuvor trat bei einem Songcontest deutlicher zutage, dass der merkwürdige Senderzusammenschluss EBU seinen naiven Kodex, der Songcontest müsse unpolitisch sein, mit vielen kleinteiligen Entscheidungen und Regeln verteidigt und nicht merkt, dass ebendiese Entscheidungen und Regeln selber hochpolitisch sind. Im Vorfeld des diesjährigen Wettbewerbs wurde die vorgebliche Politiklosigkeit vor allem in Frage gestellt, da es viele Menschen in ganz Europa nicht für richtig halten, dass Russland aufgrund des Angriffskrieges in der Ukraine nicht teilnehmen darf, Israel aber trotz ihres Vorgehens in Gaza nicht auch suspendiert wird. Ich halte diese Unterscheidung zwischen Angriffs- und Verteidigungskrieg, die dem Entscheidungsgefälle, erstens, zugrunde liegt, für überaus richtig. Zweitens würde jeder potentielle Songcontest-Beitrag in dem autokratischen System Russlands, in dem jedes Denken gegen die Regierung als Extremismus eingestuft wird, ein systemkonformer Beitrag sein, während Israels „Hurricane“ von Eden Golan durchaus auch für eine israelische Zivilgesellschaft steht, die ihrerseits derzeit wieder fast täglich gegen die eigene Regierung auf die Strasse geht. Wer also für eine humanere Vorgehensweise Israels eintreten möchte, könnte im Gegenteil gerade deswegen FÜR eine Teilnahme Israels am Songcontest votieren, sollte aber ganz gewiss nicht gegen Eden Golan und vor ihrem Hotel demonstrieren. Unabhängig aber davon ist natürlich jede Argumentation für oder gegen Russland oder Israel natürlich hochgradig politisch, auch wenn die EBU nicht ganz zu Unrecht schon vor einigen Wochen darauf hinwies, dass die Suspendierung Russlands nicht die primäre Entscheidung ist, sondern eine Folge der Aberkennung der Mitgliedschaft in der EBU, und hierbei könnten laut deren Statuten eben durchaus politische Erwägungen eine Rolle spielen.

Dass die EBU dann freilich die „Booohs“ in der Halle während des Auftritts von Eden Golan heraus filterte und also für das Fernsehpublikum unhörbar machte, ist dann aber auch der Frage würdig. Wenn man die Künstlerin selber vor einer feindlichen Energie hätte schützen wollen, könnte man das gut heißen, aber Eden Golan hat ja die buhenden Zuschauer:innen im Gegensatz zum Fernsehpublikum hören können - ja müssen.

Die Suspendierung des holländischen Beitrags wiederum, nachdem gegen den Sänger Joost Klein eine Anzeige vorlag, kann vermutlich durchaus als eine Entscheidung im Rahmen eines Kodex verstanden werden, der nicht per se politische Dimensionen hat: Klein hatte sich in einer Situation, in der er nicht gefilmt werden wollte, zu einer bedrohlichen Geste gegenüber einer Kamerafrau hinreissen lassen, die ihn doch filmte - was genau dann vorgefallen ist, wissen wir ohnehin nicht. Aber natürlich wurden auch hier sofort Parallelen gezogen: Warum darf der Staat Israel in Gaza Menschen töten, ohne dass die Teilnahme am Songwettstreit davon gefährdet ist, während ein holländischer Sänger wegen des Verdachts einer bedrohlichen Geste ausgeschlossen wird. Spätestens in solchen Äusserungen wurde ersichtlich, dass sich nicht nur die EBU selber in ihrem unbedingten Willen, Politik aussen vor zu lassen, vollständig verrennen kann, sondern auch Fans des ESC. Und, tja, die EBU selber tut dies ohnehin, wenn sie die Non-Binär-Flagge in der Halle verbietet, denn diese Flagge steht ja nun gerade nicht für einen politischen Staat oder eine implizit politische Aussage, sondern symbolisiert eben diesen Wertekanon der Gleichheit Aller, den die EBU vorgibt vor politischen Impetus schützen zu müssen.  Man könnte sogar so weit gehen und sagen, die Botschaft, die mit der non-binary-Flagge ausgesendet wird, nämlich das Recht auf und den Wert der eigenen Individualität jenseits von welchen Kategorien auch immer, ist ein konstatierendes Element der Popmusik als solcher - und pophistorisch vielleicht gar das Scharnier zwischen Rock und Pop - aber das führt jetzt vermutlich zu weit. Klar ist indes, dass die EBU mit dem Eurovision Songcontest ein Produkt verwaltet, über das sie die Deutungshoheit längst verloren hat.

Aber natürlich wurde am Samstag auch musiziert - und erfreulicher Weise wurde der schweizer, vermutlich objektiv anspruchsvollste und musikalisch sozusagen gelungenste Beitrag, „The Code“ von Nemo eben, zum Sieger gekürt. Der Song vermischt Pop, synthetischen Orchester-Bombast, Rap und einen Drum-N-Bass-Beat mit Bondsong-Prisen und einem fluffigen Dream-Pop-B-Teil zu einem Amalgam aus Ideen und Stilen und findet doch und ganz anders als viele andere Beiträge an diesem Abend zu einem homogenen Song - flankiert mit der Performance auf einer silbernen Rampen-Drehscheibe, auf der Nemo den Schwerkräften stimmlich und tänzerisch zu trotzen schien: So gewinnt man den ESC. Überraschen konnte auch der deutsche Beitrag, „Always On The Run“ von ISAAK, der mit rauher Stimme und trotzigem Rockpop Zwölfter wurde, was sich nach mehreren Jahren auf dem letzten Platz wie ein Triumph anfühlt. Mit vielen Beiträgen in Landessprache und erfreulich wenig Europop zeigt sich 2024 um so mehr: Wenn man das Format ernst nimmt und einen guten Song im Gepäck hat, kann man Glitzer-Effekten, Feuerfontänen, Ventilatoren, Dekolletés und sogar der EBU entsagen - und eben dennoch oder gerade deswegen Stimmen einheimsen.

Man kann jedenfalls nur hoffen, dass eben diese musikalischen Erkenntnisse schlussendlich die Gräben, die sich aus politischen Debatten und der albernen Weigerung sie als solche zu Kenntnis zu nehmen, aufgetan haben, überwinden können - im meta-Sinn des deutschen Beitrags 1975, „ein Lied kann eine Brücke sein“ - eben dann, wenn das Lied bestimmte Codes bricht. Denn das Ereignis „Eurovision Songcontest“ ist in vielerlei Sinne wertvoll und identitätsstiftend.

 

 

Heute neu - die Freitagskolumne 100524

/// Die Zeit ist natürlich immer ein Poptopos, und da Pop immer auch etwas Ungefähres bleiben möchte, eignet sich ein irgendwann immer für Poplyrics - im Niemandsland der Koordinaten sang Nena einst: „Irgendwie, irgendwo, irgendwann“. Pascal Blenke genügt ein Irgendwann, und es ist auch nur das letzte Wort in seinem Song, der dennoch „irgendwann“ heißt, und dort singt er zuvor über die langsame Zeit der Liebe: „Zeit steht oft still, wenn wir sie gemeinsam verbringen.“ - dieser Song schleppt sich an sich ein wenig höhepunktslos durch die Zeit, aber wenn man da mit geht, strahlt diese leise Folk auch Ruhe und Gelassenheit heraus. /// Video-Premiere 10.05.24 um 18 Uhr < Hier >. /// Yvonne Catterfelds Stimme höre ich eigentlich immer gerne, und dass ihr neuer Song soundmässig den Pop im Quadrat von Dua Lipa zitiert, ist auch ein netter „Move“, wie das Ganze auch heißt, aber die Lyrics dieses Liedes scheinen direkt aus der Improvisation auf das Instrumental übernommen zu sein - so setzkastenmässig sollte man Pop nicht dichten: „Put the music on and feel right, see me dancing in the streets, I’m not waiting for tomorrow, just gotta go.“ - aber ach was soll's, geht schon. /// Video < Hier > ///

Heute neu - die Kolumne am Freitag

Hätten Jacob Fortyhands in ihrer Kurzbio stehen, dass sie einen Songwriting-Kurs bei Coldplay belegt hatten - man würde es sofort glauben: Alternative-Pop, der immer nach Stadionbreite schielt, sich dabei selber aber nicht zu ernst nimmt - letztlich aber doch in tiefe Emotionen mitnehmen will. Das ist natürlich ein Rezept, das immer auch schief gehen kann - wie ein Soufflé, das nicht aufgehen will oder wieder in sich zusammen sackt, wenn man es aus dem Ofen nimmt - ein Popentwurf mit hohem Risiko also, wenn man so will. Aber Jacob Fortyhands haben meistens die Melodien und Refrains im Gepäck, mit denen der Laden läuft - so auch bei der neuen Single „Can I call you up tonight?“: Easy Riff, fluffige Bridge, charmante Hook. Sie machen also alles richtig, so sehr, dass man sich bei dieser Band wünscht: Macht ruhig auch mal was falsch. /// < YouTube-Kanal > /// Nicola Rost ist als Solokünstlerin kaum bekannt, obgleich sie eine der cleversten Autor:innen deutscher Songtexte ist, die wir haben, und zudem eine fantastische Sängerin: Bekannt ist sie eben als Mitglied von Laing, die ihre großartigen Chansons über Liebe und Nicht-Liebe im Großstadt-Dschungel als Elektropop umsetzen. Da Rost aber so sehr Laing ist und die anderen Sängerinnen auch ein ums andere Mal schon gewechselt haben, fragt man sich ein wenig, warum sie nunmehr auch solo veröffentlicht: „Paare, die nie streiten“ heißt ihre zweite Single, und ein Album kommt auch demnächst. Der Song ist an sich klassischer Laing-Pop, aber so ganz kommt das Ding nicht aus dem Quark: Die Synthies knarzen nicht ganz so präsent, der Beat bleibt ein klein wenig im Hintergrund, und was auch fehlt, sind eben die einzigartigen dreistimmigen Kurz-Chöre, die den lakonischen Rost-Gesang so gekonnt aus dem Pop in den Chanson heben. Kurzum: Nicola Rost klingt ohne Laing ein wenig wie ein Sängerin, die gerne wie Laing klingen würde. Ich kann mir aber gut vorstellen, dass ein Album von Rost doch toll ist - bzw. ich glaube, dass Nicola Rost nicht in der Lage ist, ein schlechtes Album zu machen. /// < Video > ///

Schichten und Lagerfeuer

Fast könnte man denken, Folk habe Hip Hop als das wesentliche Genre im Pop abgelöst. - vielleicht übertriueben aber, in Zeiten, in denen Beyoncé ein Country-Album heraus bringt, kann ein neues Bon Iver Album eben auch aus Berlin kommen. Mutmasslich kann der Sänger und Songwriter „Sorin“ den Bon-Iver-Vergleich auch nicht mehr hören, aber die Art und Weise, wie hier Songs, die man als Folk verortet in spacig-elektronische Synthiebreiten gezogen werden, ist sicherlich eine Vorgehensweise, um den Popentwurf des ursprünglich rumänischen Musikers „Sorin“ zu beschreiben. Auch die zurück gehaltene und dennoch präsente Stimme Sorins trägt dazu bei; manchmal weiß man nicht genau, ob sie chorisch geschichtet wurde oder natürlich vielschichtig klingt - Spoiler: beides kommt vor. Und immer wenn man auf diesem Album „While The Tides Turn“ denkt, man sei doch bei Synthpop gelandet, kommt schon wieder eine Akustikgitarre um die Ecke; und umgekehrt. Irgendwann aber gibt man das Schubladen-Denken auf und sich der Platte hin.

Dazu passt, dass das Album auch lyrisch von Veränderungen handelt, und der Tatsache, dass der Effekt der Veränderung irgendwann zur Konstante wird, oder dass es immer auch Sinn machen kann, der Eintönigkeit des Alltags etwas Einzigartiges, Verändertes abzuringen. Die Art und Weise, wie sich Musik und Texte die Hand geben, macht „While The Tides Turn“ fast zu einem Konzeptalbum, das dazu einlädt es mehrfach im Ganzen zu hören.

Dennoch gibt es natürlich auch Songs, die als Einzelwerke Bestand haben: Der Opener, das nur zwei Minuten kurze „Circles“ ist in seiner Einfachheit, in seinem Skizzenhaften wie ein Lagerfeuerglücksgriff, während sich das deutlich produziertere „Rivers To The Sea“ als eine Art minimalistisches Bestandteilschichten ausnimmt, das wie im Titel die der Platte die Gezeiten zu wechseln scheint. Somit ist „While The Tides Turn“ ein Meisterwerk aus dem Nichts.

https://linktr.ee/intusorin ///

Du hast den Pop schön ///

/// Neue Songs vom Freitag den 05.04.2024 /// Das Genre Pop als solches ist nicht nur in seinen Melodien und Rhythmen im Grunde ausbuchstabiert - auch in seinen Verheissungen, Effekten und Ironie-Patterns. Und in seinen Einflüssen. Wer was auf sich hält, packt mindestens 5 Sub-Genres in einen Song, und Popmusik heute, sei sie Indie oder Mainstream,  entsteht immer auf dem Bett der potentiellen Verfügbarkeit allen Pops, und immer hören wir also andere Lieder, Stile, Einflüsse. Das ist auch bei der Band „Varley“ nicht anders, auch nicht bei ihrem leicht unterspanntem, neuem Song „same old kid“ - Folk-Pop mit charmanten Dahbap-Chören, trockenem Bassdruck von unten und stimmlicher Lakonik der Sängerin Claire-Anne von oben - fertig ist die Laube. Und diese Laube des deutsch-irischen Trios erzählt von einer eingegangen Freundschaft, so dass sich der Laubensong von innen heraus auch mir Melancholie auflädt: Eine keineswegs pessimistische Poptraurigkeit spricht aus dieser Musik, die also alles hat, was guter Pop braucht, aber all dies Alles vielleicht noch nicht zu 110 Prozent zusammen hält. Aber echt schön! /// „Wenn ein Song mit „Du hast Deine Morgenroutine, ich habe meine Kaffeemaschine“ anfängt, finde ich das erstmal schon mal wahnsinnig sympathisch, und wenn dann in Zeile 5 und 6 der Reim mit den Worten „Termine“ und „Aubergine“ noch mal aufgegriffen wird, dann hat mich das Lied eigentlich - auch wenn es zurückhaltend daher hopst wie eine Ed-Sheeran-Coverband, nein nein, diese Sängerin, die „weesby“ heißt, hat mit „Selbstopti“ einen prima Deutschpopsong über das Gegenteil des Titels gemacht: Es geht mehr um die Weigerung der Optimierung; und dass diese auch wieder anstrengend sein kann. /// Im gewissen Sinne hat die neue Single von Alenna Rose dasselbe Thema, denn das titelgebendes „Gutes Mädchen“ möchte die Sängerin natürlich nicht sein. Während weesby besagte Optimierungsverweigerung mit den Mitteln der Melancholie sichtbar macht, geht  Alenna Rose den Weg der Ironie und holt sich eine Prise NDW ins Boot. Da muss man schon fast wieder ein wenig aufpassen, denn die neue neue deutsche Welle ist kurz davor, wieder zu nerven und abzuebben, bevor sie richtig in Schwung kam. Dennoch ist „Gutes Mädchen“ nicht nur retro sondern auch und irgendwie heutig und vor allem irgendwie lässig und da Pop also auch primstens. /// Wie man der Falle vomn zuviel NDW-Referenz entgehen kann, indem man kurzer Hand einen eigenen Stil für sich findet, kann man nach wie vor bei „ok.danke.tschüss“ lernen: Ihre neue Utopie in Songform „Das neue Normal“ ist fröhliches Schwelgen in Ideen, wie schön es wäre, wenn es schön wäre - das ist eben das schöne an Pop: Kurze Zeit kann plötzlich alles gut sein - Eva Sauter kann Texte schreiben, die das auslösen. ///

Links:

/// Varley < Website> /// weesby < YouTube-Channel > /// Alenna Rose "gutes Mädchen"  < Video > /// ok.danke.tschüss < website > ///

Auch vier Arten Pferde legen sich auf den Broadway

Das Warten hat ein Ende: Ein neues Album von Peter Gabriel

Ha, natürlich kann Peter Gabriel machen, was er will -  völlige künstlerische Freiheit hat er eh, und sollte ihm seine Plattenfirma reinreden wollen, was er tun oder lassen soll, dann ist das auch er: Real World, wo  „i/ o“sein erstes Studioalbum nach 21 Jahren erscheint, gehört ihm. Man könnte sich aber durchaus vorstellen, dass Gabriel den Humor hat, als Label-Betreiber sich selber anzusprechen, auf seiner neuen Platte brauche es aber wieder einen funky Hit, einen „Sledgehammer“ eben. Dann hat er sich hingesetzt und „Road To Joy“ gemacht, das funky Brett auf „i/o“ mit sattem Beat, Disco-Streichern und fluffigen Synthietupfern - großartig.

Natürlich ist das Album „i/o“ brilliant -  gleichermassen höchst privat, handelt von Liebe, Alter und Spaziergängen (der Titelsong), und dennoch ist dieses Album hochpolitisch und utopisch („the court“ und „panopticum“) -und der für mich bislang tollste Song, das herrlich verschleppte „Four Kind OF Horses“, in der Gabriel ein Land, eine Welt skizziert, in dem weder ein gut- noch ein bösartiger Superheroe Fuss fassen könnte, und man steigt nie ganz durch, ob hier von inneren Kämpfen oder politischen Symbolen gesungen wird, von Pferden oder von Menschen und ihrer begrenzten Zeit auf dem Planeten Erde - seit je her ein zentrales Thema von Gabriels Liedern. Die Lyrics von "Four Kind Of Horses" sind ein stetes allegorisches Parallelogramm, wie Gabriel es erstmalig mit „The Lamb Lies Down On Broadway“ geschrieben hat. Dieser Song ist ein Kunstwerk an sich, auf einem Album, dass viele Perlen zu einem Ganzen sammelt.

Der Popsound von „i/o“ ist stets komplex, symphonisch breit, jazzig verspielt, elektronisch hübsch und niemals abgehoben, staubrocken beatig, und man hört wiederum jedem Lied an, dass es am Piano entstanden ist. Die Detailverliebtheit, mit der hier jeder der 12 Songs ausproduziert wurde, wie sich Intros, B-Teile, Bridges und Strophen einerseits klaren Songstrukturen andienen und sie gleichzeitig verschachteln und aushebeln ist von hoher virtuoser Kunst, und gleichzeitig ist eben diese Virtuosität niemals nur Selbstzweck.