popticker

Es blubbert und chort

Das schöne Debüt-Album von Marley Wildthing

Die aus Niederösterreich stammende und in Prag lebende Sängerin „Marley Wildthing“ veröffentlicht heute ihr Debüt-Album, aus dem uns hier im Popticker schon die Single „Flow Wild“ beschäftigt hat - nachzulesen < hier >. Die Musikerin selbst nennt ihren Popentwurf „organic Indiepop“, und das trifft es auch irgendwie - aus akustischen und elektrischen Instrumenten, aus sehr warmer, naher Stimmaufnahme schichtet sich ein Folkpop, der immer wieder Eingängigkeit an den Tag legt, die man der Musik Momente zuvor noch nicht zugetraut hätte. Hinzu kommen percussive Elemente, die manchmal an das Schlagzeugspiel vom Thom Green von alt-j erinnern, von denen auch der ein oder andere chorische Effekt inspiriert sein könnte - in dem für mich schönsten Song „Hard To Find“ zum Beispiel; da ziehen sich auf einmal auch wunderschöne Streicher ein, blubbert und chort es eben, während die „Hauptstimme“ unaufgeregt präsent nach vorne gemisch bleibt - großartig. Nicht alle Songs auf diesem Album „Glasshouse“ heißt es, sind so toll wie dieser, aber Obgleich es sich aus so vielen verschiedenen Richtungen speist, wirkt die Platte in der Tat organisch, indie und abwechslungsreich - ein famoses Debüt. 

Link: Marley Wildthings  < YouTube-Kanal >

Subschublade mit Bass als Bett

Der Songwriter Davidson, der für einen Band-Trend steht

In der Corona-Krise wurden sehr viel Instrumente verkauft, und wenn man sich derzeit so durch Tik Tok oder Instragram klickt, bekommt man den Eindruck, dass die Menschen auch geübt haben: Allerorten spielen sie Pink-Floyd- oder Dire-Straits-Gitarrensolos nach, Mandoline scheint im Kommen, Drum-Tutorials hier und dort, und auf Tik Tok ergänzen sich Menschen zu Funk-Bands im virtuellen Raum, sie remixen, überblenden und ergänzen sich, und ein sehr kompakt trockener Funk-Soul-Sound scheint total in. Ich bekomme zudem zunehmend den Eindruck, dass auch aller-offline-orten Bands aus dem Boden spriessen - diese präsentieren sich in online-Medien, in Clubs und Probenkellern, und auch beim Reeperbahnfestival in diesem Jahr schien mir der Trend angekommen, wo deutlich mehr Bands die Clubs fluteten als in den Jahren während und vor Corona.

Womit wir bei beim Sänger, Gitarristen und Songschreiber Davidson wären, der zwar den Namen eines Solo-Künstlers trägt, aber dennoch für den Sound einer, seiner Band steht - deutschsprachigen Songwriting-Funk könnte man das Schubladenfach nennen, wenn man es denn benennen will: Versierte Musiker:innen spielen Popsongs mit E-Piano und staubtrockener Snare, bettigem Bass und prima Texten aus un-songigen Zeilen: „Selbstironie will ich nicht mehr verstehen / Dürfte ich dich nicht mehr sehen / Es ist Utopie, dass du Nichts von dir erzählst / Nur deinen Namen, Josephine.“, hier formuliert jemand Unsicherheiten einer Generation, von denen ich als 50-Jähriger nicht viel weiß. Popmusik erzählt nun davon.

Davidson hat soeben zwei live aber mit Studiobedingungen eingespielte EPs zu einem Vinyl-Album zusammen gefasst, und der sessionhafte Bandsound passt großartig zu den suchenden Lyrics und zeigt gleichzeitig eine Band, die sich schon gefunden hat - trocken schnuppert sie in zig Genres hinein, verbleibt nirgendwo länger und ist gerade dadurch ziemlich da. Gute Texte, toller Sound - einzig in den Kompositionen ist noch Luft nach oben: Die Melodien gehen oft den nächst gelegenen Weg und folgen den Pfaden der Lyrics, wie man sie spräche, Überraschungen bleiben da ein wenig selten, obgleich wie erwähnt Zeilen nicht klassischen Song-Paradigmen folgen. Ach naja, wenn alles perfekt wäre, wäre es ja aber vielleicht auch wieder öde. Diese „Utopie“ ist wirklich tolle Popmusik, hört doch mal rein - auf dem YouTube-Kanal  von Davidson findet man sehr schöne Videos zu dem Doppel-EP-Album:

https://www.youtube.com/channel/UCTgQNH6W20HotWBgoX-nEew

Pop-Dienst nach Vorschrift

Der Mainstream-Deutschpop ist einfach wirklich gähnend langweilig

Bertolt Brecht war es, der in seinem „Lied von der Unzulänglichkeit“ zwar dazu aufrief, zwei Pläne zu machen, gehen täten sie jedoch beide nicht. Nun wollen wir sicherlich nicht Brecht mit Johannes Oerding vergleichen, da zöge jenseits von Äpfel und Birnen der heutige Popsänger sicherlich den Kürzeren, aber dennoch musste ich an die beiden Pläne aus der „Dreigroschenoper“ denken, als ich mir nun den Titelsong von Johannes Oerdings neuem Album „Plan A“ anhörte, denn was Pläne anbelangt zeigt sich Oerding deutlich weniger skeptisch: „Vielleicht ′n andrer Plan, ey / Was, wenn wir keinen hab’n? / Denn die Idee von Plan B Ist, dass Plan A funktioniert.“ - so erklärt sich also quasi, warum die Platte nicht „Plan B“ heißt, und ergänzt wird noch: „Wenn man nur einen Versuch hat, ist Plan B halt gar nichts wert.“ Okay, so weit so gut, aber diese Theorie des Plan A wird in eben diesem Lied so breit durch dekliniert, dass die ganze Geschichte sich irgendwann in die Tautologie mäandert. Nach 3 Minuten und 23 Sekunden will man laut rufen: Ja Johannes, ich hab’s kapiert.

Aber Deutschpop-Songs sind oft tautologische Mantras. Schon der Opener „Kaleidoskop“ nutzt DEN lyrischen Topos des Deutschpop schlechthin: Irgendwann. (Max Giesinger macht das noch penetranter, gefühlt jedes zweite Lied handelt von einem Irgendwo oder eben einem Irgendwann.) Und bei Oerding klingt das dann so: „Doch irgendwann, irgendwann / Fängt es an, sich zu verändern / Sommer im Dezember / Ja, dann, irgendwann.“  (Das dann auch noch gesungen auf die Melodie von „You’re my heart, you’re my soul“) Mit dem Irgendwann lässt sich eben sehr gut operieren, weil es noch nahe des Jetzt, nahe der Realität ist, aber Veränderung verheisst, Ausbruch aus dem Jetzt, aus der Realität, zu einem Zeitpunkt, den man nicht benennen muss - eben irgendwann. „Ha“, denkt man, „Und Kaleidoskop steht dann bestimmt allegorisch für DIE Veränderung, es ist die visuelle Übersetzung des Irgendwanns“, und wir ahnen dies, sehen es kommen, bevor Oerding es uns dann trotzdem noch mal erklärt: „Aus kalt und weiß wird heiß und rot / Und nichts bleibt gleich, Kaleidoskop“. Das ist alles so unfassbar eindeutig, dass man sich fragt, warum Oerding für solche Binsenweisheiten nicht mal seinen Steputat aufschlägt und stattdessen „Plan“ auf „hab’n“ oder eben „rot“ auf „Kaleidoskop“ reimt. Möglicherweise sind diese Stilblüten ja sogar Absicht - wenn es auch noch eindeutig gereimt wäre, würde uns die gähnende Abwesenheit jeglicher Doppeldeutigkeit noch beflissentlicher einlullen. Diese Lieder geben sich noch nicht einmal Mühe, so zu tun, als hätten sie interessante sprachlichen Bilder, alles verliert sich in der ersten Bedeutung, im Plan A einer Formulierung, im Plan A einer Melodie, im Plan A eines Arrangements.

Lediglich das dreisprachige Duett mit Zeynep Avci, „the Voice“-Teinehmerin aus Oerdings Team im Jahr 2021, zeigt, dass es auch anders ginge: „Stärker“ ist eine kitschig-triefende Synthieballade über den Schmerz einer zerbrochenen Beziehung; mit einem Text, der Pathos und Zweideutigkeiten zulässt und sich eben nicht in diesen lakonischen Null-Probleme-Texten suhlt, wo man immer denkt: Irgendwann ist dieses Album vorbei, und ich werde mich an nichts erinnern.

Schimmernde Hoffnung

Schöne Songs auf dem ersten Album von Wilhelmine

Die Popsängerin Wilhelmine hat sich mit einigen Singles, EPs sowie einem Patreon-Account eine treue Fanbase aufgebaut und dieser und natürlich allen anderen interessierten Hörer:innen nun ein Album geschenkt - "Wind" heißt es. Ihr Autorinnenpop strotzt derart vor Empowerment und Diversität, vor woker Klarheit und wirklich tollen Texten, dass die Lieder in der Geballtheit eines Albums einen höchst ungewöhnlichen, wundervollen Kitsch ausstrahlen. Da ist es fast schon schade, dass ihr Signature-Song „Meine Liebe“ fehlt. (Aber das macht ja eigentlich auch nichts, denn den kann man ja trotzdem mal wieder hören.)

Die Stärke der Songtexte von Wilhelmine ist eine eher beiläufige Art, von sich und mithin vom Miteinander zu erzählen, eine relaxte Lakonie, durch die sie einerseits viel von sich aber dann eben auch viel von Anderen erzählt, und durch die so plötzliche, wunderbare Zeilen erklingen wie: „Die Wohnung hier wird auch mit neuen Möbeln nie nur meine.“ oder „Ich sollte jeden meiner Wege mit dem Herz gehen, hat mir mein Yogitee gesagt, dann versuch' ich das jetzt mal.“ - eine solche Art, Song zu texten, mag ich sehr - es echot Wut darin, aber die scheint überwunden, und diese Musik ist daher weise und auf schöne Weise versöhnlich.

Das einzige, das man dieser Platte vorwerfen kann, ist, dass die lyrische und melodische Schönheit und Schärfe der Lieder manchmal deren Arrangements übertüncht, und irgendwann merkt man dort dann eine gewissen Gleichförmigkeit: Akustische Gitarren und sanfte Beats, dann Chöre und Synthies mit viel Echo, die andere Soundräume aufstossen, Sequenzer, die Refrains beschleunigen - das wirkt auf Albumlänge als duschdekliniertes Rezept. Aber ach, es ist dennoch eine tolle Platte.

Als ich vor etwas einem halben Jahr mal meine Tochter von den Pfadfinderinnen abholte, und Zuschauer:innen vor dem "übel & gefährlich" warteten, und diese auf die Frage, wer denn heute dort spielte, in einer derart euphorischen Vorfreude antworteten: "WILHELMINE! WILHELMINE!", strömte Liebe zu dieser Musik aus den Wartenden, und tatsächlich hat auch mir die Musik von „Wilhelmine“ einmal durch eine Krise geholfen - mitten in der Corona-Zeit schimmerte mir Hoffnung in Liedern. Wenn man das über Musik sagen kann, dann kann man sich Arrangement-Gemäkel auch grad mal sparen.

Kochen mit Mondwasser

Taylor Swift und ihre Poprettung um Mitternacht

Taylor Swift hat mit den Alben „Reputation“ (2017) und „Lover“ (2019) den Postpop entworfen: Freie, radikale Hooks, die wie Trabanten auf Umlaufbahnen um eine zentrale Soundidee kreisen. Das klang dann wie hysterischer Minimalpop. Mit zwei Folk-Alben ("Folklore" und "Evermore", beide 2020) hat sich Swift dann auf Lyrics als den Kern von Songs zurück besonnen, und ihr neues Album nun, „Midnights“ fusioniert Postpop und Rückbesinnung in ein lupenrein blubberndes Synthiepop-Album.

Die der Veröffentlichung nur einige Stunden voraus geeilte Single „Anti-Hero“ setzt den Tonfall: „I have this thing where I get older, but just never wiser / Midnights become my afternoons / When my depression works the graveyard shift / All of the people I've ghosted stand there in the room“ singt Taylor zum Sequenzer, und die anti-heroische Hymne wird flankiert von Hashtags des Unperfekten: Fans des Liedes posten in den sozialen Medien Videos von ihren Schwächen und wählen als Soundtrack den Refrain „It's me / Hi / I’m the problem, it's me.“ Das hat in der ja doch recht perfekt durchgestylten Welt der Taylor Swift schon ein Understatement, welches Fallhöhe generiert: In den mitternächtlichen Stunden mit unseren Rotweingläsern sehen wir alle gleich aus, selbst der Überstar erträumt sich zur einsamen Geisterstunde,  Taylor Swift zu sein: Wir kochen alle nur mit Mondwasser.

Die eigentliche Botschaft von Taylor aber ist: Man kann auch Spotify-Kompatiblen Pop und trotzdem Alben machen - „Midnights“ ist keine Playlist. Hier wird also die Idee des Albums und des Pops gerettet - Postpostpop quasi, der dem Pop ohne Postpost irre nahe kommt. Schon toll.

Wer entern will, muss auch B sagen

Ohren auf beim Deutschpopkauf - Folge 23 (ca)

Nicht sehr beackert wird das Feld des Blödel-Metals. Komisch eigentlich: Baby-Metal, Mittelalter-Metal, Death-Metal - viele Metalle gibt es Poperiodensystem, aber metallen geblödelt wird relativ wenig. Deutschlands meiste Band Knorkator sind also allein auf weitem Subgenre-Flur. Die satirischen Hardrocker haben die NDW in den Rock geschweisst, und ihr neues Album „Sieg der Vernunft“ ist wider jeder Vernunft vorne in den deutschen Charts: Brettharte Riffs, herrlich bekloppte Texte und Deutschpop-Zitate für die Referenz-Jäger - ein gutes Rezept, und Spass macht es auch irgendwie - im Opener singen sie von einem Asteroiden, der auf die Erde zujagt, fast schon „Look Up“ als Metal-Song: „Schicken wir Atomraketen, um das Ding zu sprengen / Oder müssen wir uns alle in Bunkern zusammendrängen? / Was auch passiert, eine Sache ist klar: /Die Welt wird nie wieder so, wie sie vorher war.“

Konzepte aber sind für die Demarkationslinien der Alleinstellungsmerkmale im Deutschpop schon elementar; jedenfalls beweisen dies ein ums andere Mal die Shantydeutschrocker von Santiano, die nun erstmals Bilanz ziehen mit ihrer Compilation „Die Sehnsucht ist der Steuermann - das Beste aus 10 Jahren“, und besser hätten sie eine solche Zusammenstellung ja nicht betiteln können, denn in dem Singen von Semannsweisheiten als Allegorien auf das urbane Leben besteht das Konzept dieser Band, deren Steuermann also in diesem Sinne tatsächlich die Sehnsucht ist. Denn einem echten Seemannsmann muss immer der Wind um die Nase wehen, und wenn er hinfällt setzt er allemal ein anderes Segel, da er weiß: Wellen sind nur die Spitze des Eisbergs, wenn die Ruhe vor dem Sturm ebendiesem gewichen ist, und die Kälte kann nun mal auch mit der Ebbe kommen - stille Wasser tief, und wer entern will, muss auch B sagen.

Wer dabei schlechte Laune bekommt, der muss sich von Max Raabe fragen lassen, warum, denn dessen neues Album heißt „Wer hat hier schlechte Laune?“: „Brauchst du 'ne Umarmung, ein Kuss oder 'n Kicks?/ Oder dicke Socken für unterwegs? / Willst du Schokolade oder Teddybär? / Hast du 'ne Blockade? / Komm, setz dich mal her:“ Raabe, der irgendwann seine Komfort-Zone der 20er des letzten Jahrhunderts verlassen hat und dann mit Anette Humpe anfing, Popsongs zu schreiben, in deren DNA eben diese seine Komfort-Zone nur mehr ein fernes Zitat war, dieser Raabe also hat sich nun das Feld des Pop mit Allzweckwaffe Peter Plate wieder komfortabel einrichten lassen: Im breiten Orchesterklang der Echokammer des Deutschpop wirkt die Beiläufigkeit des Raabeschen Gesangs fast schon ein wenig verloren - man vermisst die Stacheln von kleinen grünen Kakteen. Peter Plate, den ich hier Allzweckwaffe nannte, ist Teil von Rosenstolz, Komponist und Texter für Michelle, Sarah Connor, Bibi und Tina und viele Andere, und ein Meister der Leichtigkeit, der aber immer auch ein wenig die Frechheit fehlt. Was für Sarah Connor funktioniert hat, der sie für ein queeres Publikum anschlussfähig machte, scheint Max Raabe eher auszubremsen.

Jadu befindet sich im Modus Operandi - so jedenfalls heißt ihr neues Album. Die Multi-Intrumentalistin hat sich einen vielschichtigen Pop entworfen, ein breit orchestralen Klangteppich aus Hiphop-, Singer-Songwriting- und Jazz-Elementen, auf dem sie Gesang, Chöre, Spoken-Words und Raps schichtet. Erstaunlicher Weise wirkt das Ganze aber zu keiner Zeit überladen, sondern in sich stimmig und homogen. Ihre merkwürdig düsteren Lyrics, die anmuten als seien sie ein Tagebuch in Songtexten, ziehen sogar noch eine weitere Ebene in dieses filigrane Pop-Konstrukt. („Ich bin im Modus Operandi / I know that It 's toxic / Doch Fuck, ich bin Junkie/ Luzifer erwischt mich Inflagranti/ Ab in den Fahrstuhl / Avanti Avanti. „ Ich muss zugeben, dass dies alles in allem überhaupt nicht meine Wiese ist, aber „Modus Operandi“ ist zweifelsohne in dem, was es sein möchte, ein Meisterwerk.

Von der Erbschaftssteuer absetzen

80er-Erfolg verwalten mit Eros, Billy und Marian

„Wer sich an die 80er erinnern kann, hat sie nicht erlebt.“, hat Falco einst gesagt, und wir hatten hier im Popticker erst kürzlich wieder fest gestellt, dass, diejenigen, die sich heute auf die 80er berufen, nicht unbedingt Menschen sein müssen, die in den 80er schon auf der Welt waren; aber dennoch gibt es natürlich Musiker:innen, die sich zwar vielleicht nicht an die 80er erinnern, die sie aber erlebt haben und auch heute noch leben - schauen wir also heute auf drei solcher Interpreten, ja, es sind alles Männer, die in den 80ern bekannt wurden und alle drei soeben neue Veröffentlichungen auf den Markt geworfen haben: Alphaville, Billy Idol und Eros Ramazzotti.

Billy Idol ist auch 2022 und mit bald schon 70 Jahren auf dem Buckel Billy Idol; oder vielmehr ist William Michael Albert Broad mit der von ihm erschaffenen Kunstfigur Billy Idol immer identischer geworden, und jetzt leben zwei Seelen, ach, in seinem nach unten gezogenen Mundwinkel. Merkwürdiger Weise funktioniert seine Musik auch immer noch gut: Seine soeben erschienen EP „The Cage“ mit vier Songs jedenfalls zeigt das altbewährte Idol-Rezept: Harte Gitarren-Kaskaden von Steve Stevens werden mit den Mitteln des Pop gebändigt zu einem, klar, Poprock, der jederzeit von Messers Schneide in Hardrock oder fluffigen Pop kippen kann. Zwar sind die vier neuen Songs keine Hits wie „Flesh For Fantasy“ oder „Eyes Without A Face“, aber Hits hat er ja schon, und eine solche EP wie diese Neue jetzt ist auch eher da, um nicht einzurosten und an alte Hits zu erinnern statt neue zu liefern.

Selbiges könnte man über Eros Ramazzotti sagen, aber sein neues Album „Battito Infinito“ ist schon um einiges aufwendiger als eine EP auf Rezept. Ramazzotti bindet hier in seinen klassischen Italo-Rock-Sound Latin- und Afro-Beats, dotzenden Pop und symphonische Breite ein. Natürlich ist das alles gefällig und als Restaurant-Hintergrund tauglich, dennoch kann man nicht den Vorwurf erheben, hier ruhe sich jemand auf seinen Lorbeeren aus - mit "Madonna De Guadalupe" ist eine veritable Weltpop-Perle gelungen, und "Filgli Della Terra" ist ein Italo-Ohrwurm im Duett mit Jovanotti, dass man gleich noch einen Wein bestellen möchte: Das Album ist interessant und abwechslungsreich.

Keine wirkliche Idee, wie man 2022 mit dem Erbe einiger Hits in den 80ern umgehen könnte, haben Alphaville bislang gehabt - zunächst hat sich die Idee Alphaville durchaus verkürzt auf deren Sänger Marian Gold, der es auch schon im Popmusik-Fernsehen versucht hat und nun als einziges Bandmitglied auf dem neuem Album zu sehen ist - als weiß getünchte Steinfigur, als wäre er ein Denkmal. Man fragt sich schon bei dem Cover, was man sich dabei gedacht hat. Und die Musik auf der Platte sind Orchester-Versionen der Alphavillschen Synthiepophits, und diese ganzen Orchester-Projekte von Pophits haben fast noch nie funktioniert. Nicht mal Sting hat das hinbekommen. Aber bei Alphaville ist das Ganze wirklich vollkommen überflüssig: Das Filmorchester Babelsberg ist so komprimiert zusammen produziert, dass sie wieder wie Synthies klingen, und die Akzentuierungen in den teils ja doch recht filigranen Originalversionen sind daher so abgeschliffen und eingedampft, dass diese Neuaufnahmen flach und langweilig daher kommen. Nirgendwo ist eine Idee zu spüren, worin der Mehrwert dieses Albums sein könnte, ausser eben mehr Wert zu suggerieren.

Britische Prise Poesie

Bess Atwell zoomt mit ihrer Musik aus sich heraus

Zwar könnte, wenn es nach mir ginge, Bess Atwell, auch das Telefonbuch von Brighton singen, und ich würde es mir anhören, weil mir ihre warm-füllende und gleichzeitig zurückhaltende Stimme einfach gefällt, aber die alte Telefonbuch-Metapher würde ja nichts darüber erzählen, was für großartige Songs die britische Folksängerin schreibt. Über das britische Songwriting wird ja oft gesagt, es bestehe in der Kunst, in privaten, subjektiven Beobachtungen, größere, gar gesellschaftliche oder politische Zusammenhänge mithören zu lassen, ohne diese plump in die Welt zu schreien. Bei Bess Atwell kommt noch eine Prise Poesie dazu, die sie nutzt, um innere Zustände zu beschreiben - „time comes in roses“ heißt zum Beispiel einer der schönsten Songs auf ihrem aktuellen Album „Already, Always“: „But time comes in roses, I really love ya / I’m tired of being like my mother / I get excited, I get depressed / I’m never happy with how I'm dressed“ - und ehe man sich in das singende Ich einhört, hat man das Lied bereits auf sich bezogen. 

„Silver Fir“ hat die visuelle Kraft von Filmeinstellungen, als wäre der Song auch ein Drehbuch: „Pink house with the circular / Windows and a silver fir / Peanuts in my sandwiches / On the white bread / In your basement“ - wenig Worte und doch wird viel erzählt, faszinierend. In „How Do You Leave“ fragt sie dann auf einmal, wie man sich trennt - auch dieses Lied scheint nahezu unverschämt privat und gleichzeitig sezierend objektiv.

Für diese großartigen Lieder, und als Bett für ihre Stimme hat Atwell einen Folkentwurf mit Mitteln von Rock-Klängen ersonnen, einen flächigen, geraden Sound mit E-Piano, E-Gitarren und fluffigen Beats, der sanft durch das Ohr trägt. Aber diese Musik ergeht sich nicht in Harmonie, hinter den tragenden Riffs lauern eben Verwerfungen, weil die Themen, über die Atwell singt, keinen Anschluss mit den Mitteln der Harmonie finden. Wer sich je gefragt hat, was britischer Folk eigentlich sein soll, der findet auf diesem Album die Antwort.

Link:

https://www.bessatwell.com/

Vaudeville-Chanson der Liebe und Hoffnung

Die neue Single von Florian Paul und seiner Kapelle

Von „Florian Paul & der Kapelle der letzten Hoffnung“ haben wir hier im Popticker schon öfter geschrieben, auch dem Album „Auf Sand gebaut“ wurde < HIER > schon gehuldigt, aber wenn heute die neue Single „Bar Kalypso“ erscheint, ist es Grund genug, um erneut zu erwähnen, dass es derzeit keine bessere deutschsprachige Popmusik gibt als diese. Erwähnte „Bar Kalypso“ beginnt mit tiefer Saxofonmelodie und getupften Klaviersprenkeln, Forian Paul singt ebenfalls eher tief und zurück gehalten, aber der ganze Anfang, Intro und Strophe tragen die Atmosphäre der Eskalation, der Ruhe vor dem Sturm mit sich, und so ist es dann auch: Vor dem Refrain tankt der Song noch einmal Ruhe, um sich dann in einem Cresendo aufzubauschen und in einen siwngenden B-Teil mit scharfen Bläsersätzen und Einladung zum Lilly-Hop zu eskalieren - spätestens mit dieser Single wird deutlich, dass nicht nur Florian Paul mitreissende Songs schreibt und singt, sondern auch, dass die Kapelle der letzen Hoffnung eine famose Band mit exzellenten Musiker:innen ist.

Und Paul hat sich für die „Bar Kalypso“ auch noch Verstärkung ans Mikrofon geholt, MOLA, eine junge Sängerin aus München, deren eigenen Veröffentlichungen zwischen ironischem Schlager und Indie-Songwriting pendeln - zu Zweit schaukeln sich die beiden in eine hedonistische Eloge ans Leben, in deren Tunneln immer auch irgendeine Hoffnung schimmert: „Trink noch ein letztes Glas auf die Liebe / nimm einen letzten Schluck auf die Lust / ach wenn doch alles für immer so bliebe / Wie schmeckt ein wirklich unsterblicher Kuss? // Erst wenn die letzte Schlacht endlich verloren ist, dann macht das Leben wieder Spass / für einen Augenblick oder die Ewigkeit / wo ist der Anfang, wo der Schluss?“

Das Video zur „Bar Kalypso“ ist dem Film zum Album entnommen, das in voller Länge im Oktober erscheint. Der Film, soweit man ihn nun schon gesehen hat, ist fast die Milieu-Studie einer bizarren, fiktiven Gesellschaft in einem unentrinnbaren Haus. Das ritualisierte Tun und Lassen der dort lebenden Menschen ist ähnlich defätistisch und gleichzeitig hinreissend hoffnungsvoll wie die Musik von Florian Paul und seiner Kapelle der, sie heißen eben nicht zufällig so, letzten Hoffnung. Die Bar Kalypso ist in diesem Haus die Hausbar, und die Menschen dort trinken blaue Drinks - einmal mehr zeigt sich die Musik von Paul und Kapelle, als wäre sie einer bunten Brecht-Inszenierung entnommen. Wunderbar!

A walk out of my masterpiece

Robbie Williams leidet unter seinem Bedeutungsverlust

Moment mal, ein Best-Of-Album von Robbie Williams? Gibt es das nicht längst? Doch schon. Aber zum 25-jährigem Jubiläum des Beginns seiner Solo-Karriere hat er alle seine Hits noch mal mit Orchester eingespielt. He? Gab es das nicht auch schon längst? Eines seiner gefühlt 7 Swingalben wird doch sicher mit seinen Hits gewesen sein. Nein, nein - nichts da Swing: Mit breitwandigen Streichern und Poporchesterpathos, mit wehenden Fahnen und fast schon riefenstahlschem Cover-Foto verkauft Robbie Williams nun seinen Song-Katalog. Der Aufwand, der dabei für dieses „Best-Of“ betrieben wurde, die Art und Weise, wie hier mit den Mitteln der Klang-Komprimierung das Orchester in die Breite gezogen wird, so dass das Ganze auf jeder Boombox noch nach Waldbühne klingt, ist enorm. Die ohnehin schon effekthascherischen Songs, die meisten aus der Feder von Williams’ Haus- und Hofkomponist Guy-Chambers klingen nun noch triefiger, pathetischer und bombastischer. Da waren wirklich Spezialisten am Werk, irgendwelche Soundingenieure, die für Williams diese Breitwand-Klangbetten ausproduziert haben, - und sie dann ihrem Kunden vorgespielt.

Aber leider scheint Robbie das Interesse an seinen eigenen Hits verloren zu haben. Mit stoischer Gleichgültigkeit singt er zum soundsovielten Male „Free“, „No Regrets“ und das unkaputtbare „Angels“ sowie noch weitere 26 Lieder. So betreibt die Williams die Selbstmusealisierung als trotziges Kind einer vergangenen Pop-Ära, in der noch CD-Verkäufe und MTV massgebende Kriterien waren, und beim dritten Lied will man dem guten Robbie zurufen: Wenn du so wenig Bock hast auf diese Platte, dann lass es doch vielleicht einfach sein. Aber er hat es natürlich nicht sein lassen, und als würde er sich selber rückversichern, dass er es doch noch kann, so beginnt diese Platte mit dem Queen-Wiedergänger „Let Me Entertain You“. Jaja. Darfst mich ja entertainen, Robbie. Aber man wird das Gefühl nicht los, dass Williams zum ultimativ letzten Mal diese Bitte äussert, man möge sich von ihm unterhalten lassen; und danach begräbt er dann seinen Song-Katalog in Schmalz und Zucker. Wobei Pathos und Selbstmitleid ausreichen, um gleich die gesamte Popmusik als solche mit in den Abgrund zu reissen - dieses merkwürdige Album mit dem Titel „XXV“ ist ein Requiem auf alles Populäre in der den 90ern vollkommen fremden Ära der Postcharts. Getreu dem Motto: Wenn ich, Robbie fucking Williams, schon kein Popstar mehr bin, soll es auch gar kein Pop mehr geben - nach mir die Sintflut.

Der einzig neue Song auf diesem Abgesang von Album heißt bezeichnender Weise „Lost“, und hier klagt er dann auch, dass er mit diesem Jahrzehnt von Tik Tok, Hyperpop und Viralität statt Chartstauglichkeit so gar nichts anfangen kann: „I lost my place in life / I lost my point of view / I lost what it is to love / When I lost my faith in you / A walk out of my masterpiece / To the nothingness greeting me / Everything smells like sympathy.“ - ach naja. Irgendwo hat er ja auch Recht: Was ist uns denn vom Pop geblieben? Nichts. Aber eben auch alles. Denn von irgendwoher kommt dann auch wieder eine Billie Eilish oder eine Olivia Rodrigo und weist auf, dass Pop ebenso kurzlebig wie ewig ist, und mit ein bisschen Augenzwinkern kann man auch ohne Selbstmitleid noch mitreissende Popmusik machen, wenn man fast 50 ist.