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Schaltstellen zwischen Traum und Realität

/// Songs zum Sonntag 200322 /// Arcade Fire, diese wunderbaren Musiker:innen, sind eigentlich gar nicht sonderlich originell im Songwriting, im musikalischem Sinne - großartige Texte haben sie. Aber sie sind nicht dafür bekannt geworden, Riffs und Melodien zu finden, die man noch nie gehört hat. Ihre Stärken liegen seit je her in den Schaltstellen, in den plötzlichen Umschwüngen, in Dramaturgien. Gerade bei ihren letzten beiden Alben „Reflektor“ und „Everything now, auf denen sie sich in Disco-Richtungen tummelten, hörte man euphorische Shifts, in denen man beim Tanzen seine Arme wegschleudert, in gehörte Räumlichkeiten hinein, wodurch man sich allein beim Hören (man muss dazu nicht einmal tanzen, aber es hilft) irgendwo anders hinfühlen kann. Was soll Pop mehr erreichen? Da nimmt es jedenfalls nicht wunder, dass die neue Single des kommenden Albums aus zwei Liedern besteht: Während „The Lightning I“ mit seicht verstimmten Klavier und den beiden Stimmen von Régine Chassagne und Win Butler an den Space-Folk ihres ersten Albums „Funeral“ erinnert, ist „The Lightning II“ dann eine the-who-artige Rock-Nummer, der man anhört, dass Arcade Fire zuletzt auf Tanzflächen schielten - und wer schielt denn nicht auf Tanzflächen. Das Geheimnis liegt in der Schaltstelle zwischen den Songs, < das Video > hier beinhaltet beide. Große Vorfreude also auf das Album „WE“, das im Mai erscheint. /// Im Juni dann kommt auch eine neue Platte von „M“, der in Frankreich nach wie vor eine der größten Nummern ist. Sein Chanson-Funk mit Rock-Gitarre ist aber auch unwiderstehlich - jetzt eben wieder: Titelsong seines nächsten Albums „Rêvalité“ ist soeben erschienen. Hier bringt er das Kunststück fertig, unter erwähnten Funkrock noch kitschige Streichersätze zu mischen. Das kann so auch nur er. Und seine Schwester übrigens. „Rêvalité“ ist eine Wortschöpfung aus den französischen Begriffen für Traum und Realität, und so braust das Lied fort: < VROMMM! > ///

Viele As

Camila Cabello und ihr neues Lied „Bam Bam“

Der Refrain des ersten Solohits der Kubanerin Camila Cabello ging so: „Havana, ouh nana“. Der Chorus ihres neuen Songs lautet nun: „Ba-da, bam-bam-bam-bam, bam-bam.“ - man könnte also leicht konstatieren: Latino-Riff und -beats und ein Refrain mit vielen „A“s - fertig ist die Laube - respektive ein Camila Cabello-Song. Und natürlich stehen diese Lieder für bestürzende Banalität und sind gleichzeitig Zeugnis einer postdepressiven Musikindustrie, die im Streaming endlich die Antwort auf die Raubkopie als solche gefunden hat. Aber man darf es sich auch nicht zu einfach machen. Wenn in dem Song „Bam Bam“ in der zweiten Strophe plötzlich Ed Sheeran seinen Popentwurf über den Latinosong stülpt, kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass wir es hier mit einem globalisierten Naivitätskonzept zu tun haben, eigentlich dem besten Pop der Welt, eine Ablenkung von allem, die Einbildung, wir könnten es letztlich mit einer Welt zu tun haben, die ohne nennenswerte Probleme dahin grooved. Das ist dann in der Tat auch die Botschaft des Songtextes: Lass dich nicht von Kleinigkeiten unterkriegen, „Lebbe geht weider“ - würde der Hesse sagen, und Camila Cabello sagt halt: „Ba-da, bam-bam-bam-bam, bam-bam“. Das mag in Zeiten von Corona und Krieg auch eine Ohrfeige sein, aber die Unverfrorenheit, mit der die nass gewordene Cabello dann halbnackt durch einen Waschsalon tanzt und „Ba-da, bam-bam-bam-bam, bam-bam“ singt, hat auch etwas Tröstendes. Wie man es dreht und wendet: Beknackter und besser kann Popmusik kaum sein.

Kein Rauhbein, kein Riff

Bryan Adams behauptet, ein Album gemacht zu haben

Die neue Platte von Bryan Adams ist mutmasslich als post-corona-Veröffentlichung geplant und gemeint gewesen - sie heißt jedenfalls „So Happy It Hurts“. Irgendwie passt der Titel jetzt nicht mehr so richtig in die europäische Popkulturlandschaft, aber das nur nebenbei - der happy Poprock jedenfalls, den der notorisch heisere Fotograf auf diesem neuen Album zelebriert, ist im Grunde genommen wirklich so happy, dass es wehtut. Aber auch so überraschungslos, dass nichts wehtut. Im Grunde genommen ist das ein Rock-Album ohne Rock, es behauptet Riffs, Rauhbeinigkeit und Rebellion, aber zu keiner Sekunde kommen Riffs, Rauhbeinigkeit und Rebellion irgendwo an. Adams, mittlerweile auch ein veritabler Fotograf, macht Rock wie für ein Fashionmagazin, aber nun  gut: Seit je her gibt es für diese Art Musik durchaus einen Markt. Man fragt sich nur, wie irgendein:e Musiker:in damit zufrieden sein kann, wenn auf einer Platte von immerhin 45 Minuten Länge wirklich nichts in irgendeiner Form originell klingt. Und ich frage mich, warum ich mich damit überhaupt beschäftige.

Zeitgeistige Verhaltenstherapie in Eierkarton-gedämmten Probenkellern

Drei Bands mit deutschen Texten in den Pop-Startblöcken

Bei der Band „Verhaltenstherapie“ weiß man erst mal nicht so recht, wozu man geladen ist. Bei dem Namen erwartet man eine Indie-Band mit Postpunk, wenn nicht gar ohne die Vorsilbe Post, aber das stimmt dann so gar nicht. „Verhaltenstherapie“ machen elektrischen Indiepop, und dahinter steckt ganz offensichtlich auch keine Band - sondern eine Einzelperson, der Schauspieler, Regisseur und eben Musiker Gordon Kämmerer. Sein Popentwurf schwirrt irgendwo in der Nähe von NDW mit absichtlich billigen Hip-Hop-Beats, spleenigen Texten und in seinen Videos auch einigen visuellen 80er-Remiszenzen - wenngleich mir Kämmerer, kaum 30 Jahre alt, jetzt natürlich hinterher rufen könnte: „He? Achtziger? Ok Boomer.“ Sein neuer, erst zweiter Song jedenfalls heißt „alte Liebe“ und wirft mal wieder die gute alte Frage auf, die Pop an sich immer gut tut: Wie zur Hölle ist das gemeint? „Wo mein Herz mal war, ist nun ein schwarzes Loch. Alles zieht hinein, Leere herrscht im Kopf. Still liegt die Luft und eisern dröhnt die Zeit. Kein Licht mehr da. Für gar nichts mehr bereit.“  - diesen Refrain könnte man fast in Duktus eines Schlagers singen, aber das Soundbett und die Art und Weise, wie das bei „Verhaltenstherapie“ gesungen wird, hat so gar nichts Inbrünstiges - eher schon eine provokative Beiläufigkeit, mit der die milleniale psychische Rückbesinnung konterkariert wird. Man weiß also nicht, wohin man geladen ist, aber freut sich durchaus, zur „Verhaltenstherapie“ eingeladen zu sein. 

„Florian Paul & Die Kapelle der letzten Hoffnung“ ist Deutschpop mit  bratzigen Bläsern - diese Band ist wunderbar und klingt nach „Element Of Crime“, aber jünger, nach Max Raabe vielleicht, nur rockiger, nach „Faber“ nur ohne Wien - die kürzlich erschienene Single „Zeitgeist“ mit der Eröffnungszeile „Warum bauen die ihr scheiss Parkhaus direkt vor meinem Fenster“, dem Refrain „Mach’s gut lieber Zeitgeist, du hast mich enttäuscht“ und einem mitreissendem Trompeten-Solo ist herrlich - die würde man gerne mal live sehen. Aber auch zum Kochen taugt das gut. Und meine Tochter kann es auch schon mitsingen - was will man mehr?

Die Formation „4 Stock“ ist ein wenig klassischer in ihrem Popentwurf - aber nicht minder sympathisch. In den drei Liedern ihrer aktuellen EP „höhere Gewalt“ verquirlen sich Gitarrenpop, Reggae-Rhytmen, fluffiger Rock, Ska-Bläser aus der Ferne, WahWah-Riffs, Funk-Prisen und zeitlos sozialkritische Texte alter Schule zu einem OK-boomigen, sorry Wortspiel, Rocktail - oh Gott, noch eines. Wobei hier eine Band am Werk zu sein scheint, die diesen Namen noch verdient: "4. Stock" klingen, als hätten sie den klassischen Band-Keller mit Bierkästen und Eierkartons in den Knochen, als hätten sie sich in unzähligen Kneipen, Sälen und Festivals die Finger wund gespielt, wie immer man das nach zwei Jahren Pandemie hinbekommt - um so schöner also, dass es noch solche Bands gibt: „Die Propheten haben gelogen, und jetzt irren wir durch Zeit und Raum. Die Propheten haben gelogen, der Trip ist aus, aus ist der Traum.“ 

Links:

< bandcamp Verhaltenstherapie > / < Website Florian Paul > / < Website 4. Stock >

Autorinnenpop aus dem Flur

Die famose EP „side effects of being human“ der slowakischen Sängerin Karin Ann

Als ich heute den Promoter von Karin Ann eine Mail schrieb, ich hätte heute doch meine Gedanken woanders als bei Popmusik, musste ich fest stellen, dass das so gar nicht stimmt. Ich finde im Gegenteil: In der Flut der Überinformation, in der man immer auch das Hirn darauf einstellen muss, dass möglicher Weise die Hälfte von dem, was man liest, falsch ist oder auf Falschem beruht, kann es in nahezu kathartischem Sinne befreiend sein, über etwas nachzudenken, über das wir Überblick haben - Popmusik zum Beispiel. Vielleicht ist das gar ein Grund, warum man sich überhaupt damit beschäftigt: Hier zählt der behauptete Überblick, die Schönheit von Thesen.

Schöne These also: Von Karin Ann werden wir noch mehr hören. Von allem, was mir, seit mir Promoter:innen Musik zu schicken, über die ich bloggen könnte, zugespielt wurde, sind diese Songs das Beste: Karin Anns Popentwurf ist trockener Trap-Rock direkt aus dem Flur zwischen Tonstudio und Schlafzimmer, ein herrlicher Mix aus der Grenzenlosigkeit jugendlichem let’s-go-Geist und der Unsicherheit der ausgehenden Pubertät. Als fast 50-jähriger Mann bin ich mutmasslich nicht der wichtigste Adressat dieser herrlichen Popmusik, aber ich erkenne darin mich zu Beginn der 90er wieder, einige Monate, einhalb Jahre, in denen ich kurzzeitig nicht so recht wußte, was ich hören soll, und gleichzeitig, soviel ist ebenfalls sicher, kann ich Karin Ann meiner 14-jährigen Tochter empfehlen: Sie wird das mögen.

Karin Ann hat sich bereits in ihrem Heimatland, der Slowakei, und in der dortigen LGBTQ+-Community einen Namen gemacht und hat gerade eine neue EP veröffentlicht - diese heißt „side effects of being human“ und nicht nur angesichts dieses tollen Titels und der Anzahl der acht (!) Songs, vor allem aber aufgrund der Stilvielfalt der hier versammelten Musik ist der Name EP eigentlich schon eine Untertreibung, ein Understatement: Ich empfinde das als Album. Opener „almost 20“ setzt mit seiner gradlinigen Popmelodie, seinen verzerrten Gitarren und dem braffeligen Beat im Sound schon mal die wesentlichen Duftmarken, bevor dann der zweite Titel „i’m a loser“ an Benees Hit „supalonely“ von vor zwei Jahren erinnert. Wir surfen auf „side effects of being human“ dann noch durch Punk, bekommen eine Pianoballade mit Billie-Eilish-artigen ASMR-Voice-Recording geschenkt und streifen Postpunk und Indiefolk. Und, speaking of Billie und Benee, das ist schon die geistige Heimat dieser Musik: Coming-Of-Age-Pop von nachdenklichen und unfassbar talentierten Musikerinnen, eine Art Autorinnenpop 2.0 - und ich gendere hier bewusst nicht, denn mir fallen hier als Referenzen keine Männer ein.

Promo-Texte sind natürlich ein uns andere Mal übertrieben, und das wissen deren Autor:innen sicher auch, aber die Formulierung „Wir sehen hier absolut Potential, dass sie ein nächster „Superstar“ wird“ halte ich für absolut angemessen und realistisch.

< Linktree Karin Ann >

In der großen Tradition der kleinen Haushaltswaren

Ohren auf Deutschpop werfen - Folge 22

Mangelnde Motivation und Freude daran, sich irgendwie neu zu erfinden, kann man Alexa Feser nicht vorwerfen. Nachdem sie mit Pianopop bekannt wurde und ihren Sound dann in Richtung eines deutschsprachigen Folks aufaddierte, klang sie zuletzt eher nach klassischem Deutschpop mit Band. Nun aber hat sie Trap-Beats unter elektrische Flächen gelegt und singt darauf ihre skeptischen Songtexte. Zwar benutzt sie nicht das trappige Autotune, mit dem man die Stimme umstandslos in das Soundbett einebnet, dennoch wirkt die ganze neue Platte „Liebe 404“ angesichts hoch-eomotionaler Texte, auf verstörende Weise eintönig. Um so merkwürdiger, dass Fesers Themen Optimierungswahn, Konformismus und mangelnder Individualismus sind: „Wir wollen höher, schneller, weiter / Wir wollen immer mehr / Mehr Geld, mehr Zeit, mehr Klicks, mehr Likes / Dem großen Traum hinterher / Wollen höher auf der Leiter / Bis wir den Himmel berühr’n / Das Gewicht unsrer Körper / Zwischen den Sternen verlier’n.“, heißt es im Titelsong. Aber gleichzeitig wirkt die Musik kon- und uniform. Ich bin mir nicht sicher, wie das zusammen passen soll. 

Jemand anders ist sich sicher: Seven. Sein neues Album heißt jedenfalls „ICH BIN MIR SICHER“ - und zwar in Großbuchstaben. Überhaupt ist das Album eine Art Durchhalteparole, als wären alle Lyrics in Großbuchstaben und mit vier Ausrufezeichen nach jeder Zeile gedichtet: „Das geht an jeden hier, ich will, dass ihr's alle wisst / Ich bin hier und du wo immer du auch bist / Verlier den Glauben nicht, ich vertrau auf dich / Ich bin hier und du wo immer du auch bist.“ - stilistisch befinden wir uns, zumindest nominell, auf dem Gebiet des Soul. Aber auch der Popentwurf von dem schweizer Sänger hat beim Umschwenken auf die deutsche Sprache ein wenig Schaden genommen, und aus dem zwar etwas seichten aber doch recht smoothen R & B ist ein etwas indifferenter Empowerment-Popsoul geworden. Aber ach, es ist auch völlig okay, das kann man schon machen.

Was man nicht machen kann oder zumindest nicht sollte, ist „Hotel California“ ins Deutsche übersetzen. Das Schlagerduo „Fantasy“ hat es doch gemacht, für ihre CD „Die Lieder unseres Lebens“, und ich bitte hiermit darum, diese Version unverzüglich zu verbieten: „Willkommen im Hotel California / Hier werden Träume wahr / Die Welt ist wunderbar / Die Sonne scheint immer im Hotel California / Und wer hier einmal war / Der kommt jedes Jahr“ - das ist nun wirklich der letzte Widersinn, das exakte Gegenteil dessen, was eigentlich in dem Lied gesungen wird. Strophe drei dann aber verstösst wirklich gegen alle Sitten - wenn man ein Bild im Museum bekritzelt, wird das doch auch bestraft: „Wir bestellten zwei Cola und blieben noch etwas da / Und dann sahen wir uns den Laden an, wie er wirklich war / Die Tapeten so billig, wie die Mädchen an der Bar / Und wir sagten zu dem Ober mit dem geschniegelten Haar / Dass ihr unter euch seid, ist ja eigentlich gut / Stecken Sie sich ihr Hotel doch heute einfach mal an den Hut / Dieser graue Betonklotz, verschandelt nur diesen Strand / Wir brauchen doch zum Schlafen nur ein Bett weißem Sand.“ - das singen die wirklich. Mir fehlen die Worte.

„Besuchen Sie Europa, so lange es noch steht“, ist vielleicht etwas für NDW-Nerds, aber „Bruttosozialprodukt“  kennen vermutlich die meisten. Nun wird seitens der Band, die dieses Lied spielt, wieder in die Hände gespuckt: „Geier Sturzflug“ sind wieder da. Und zwar mit Cannabis-positivem, deutschsprachigem Ska - tja warum auch nicht: „Jede Generation hat ihren eignen Mist und glaubt, dass ihrer der Bessere ist / aber wir brauchen uns nicht zu verstecken: Die alte Bürste kennt die Ecken.“ - was immer das bedeuten mag. Jedenfalls feierte die Band auch gerade erst ihr 40-jähriges Bühnenjubiläum, und wer schon immer wissen wollte, wie IXI, Fräulein Menke oder Paso Doble heute aussehen, der schaue sich die Sturzflug-Webseite an, wo diese und andere NDW-Stars gratulieren. Das neue Album heißt „in der großem Tradition der kleinen Haushaltswaren“, und gegen ein Album, das so heißt, kann man schwerlich was sagen.

Links: < Website Alexa Feser > /// https://sevenmusic.de /// < Website Fantasy > /// 40 Jahre Geier Sturzflug

Der Weg streift viele Ziele

Die tolle EP „VOID!“ von Ann Sophie aus dem Jahre 2019

Der Song "Tornado" der Sängerin Ann Sophie hat eine merkwürdige Struktur: Die Strophe hat das melodisch-euphorische Momentum eines Refrains, die Bridge das Lakonische einer Strophe, und der Refrain dann plötzlich die die Atmosphäre einer Bridge. Wir haben es hier also mit einer gewissen Unterwanderung von Erwartungen zu tun, und das ist schon mal toll. Hinzu kommt die Tatsache, dass Ann Sophie in der Lage ist, jedem der genannten Teile eine andere Stimmfigur zuzuordnen, und diese natürlich auch zu singen: Während die ersten Zeilen in souligem Timbre erklingen, fährt sie die Stimme für die Bridge zurück in einen jazzigen Trotz, bevor der Refrain nach 80s-Synthpop klingt. Die Modulierung ihrer Stimme ist ohnehin die Stärke dieser Sängerin - man höre sich nur einmal ihren Auftritt mit „Creep“ bei „The Voice Of Germany“ an, bei dem sie in zwei Minuten, den Radiohead-Song zu einem verschleppt-verschobenen Jazz-Beat mit merkürdigen Gitarrenlicks in verschiedene Stimmfärbungen hinein singt - famos; zumal bei einem Song, der seinerseits quasi ein Cover von Hollies’ „the air that I breathe“ und inzwischen eben auch ein wenig über-covert ist.

Aber Entschuldigung - hier soll es ja um Ann Sophies bereits vor zweieinhalb Jahren erschienene EP „VOID!“ gehen, auf der sich neben erwähntem „Tornado“ vier weitere Songs befinden. Die Stärken dieses Kurzalbums sind im ersten Absatz schon angeklungen: Obgleich der Sound hier an sich klassischer Pop mit Prisen von Soul ist, singt Ann Sophie als Interpretin ihrer eigenen Songs sie als Jazz-Lieder, und auf diesem Weg streift sie Stimmfiguren aus anderen Genres. Das leicht sphärische „Bye Boy“ fliegt so in Elektropop, die klassische Klavierballade „Like You II“ tropft in Tears-For-Fears-artigen Artpop, „Puzzle Pieces“ dann verbleibt im Synthiewave; wenn man bei dieser Stimme überhaupt vom Verbleiben sprechen mag: Diese Frau singt einfach, als gäbe es mehr Gesangsregister als Brust- und Kopf-Stimme, und sie wechselt ihre Modulationen aus dem Nichts und zu den Schaltstellen ihrer Songs. Das ist wirklich faszinierend. Wenn ich mir irgendwas von diesem Popjahr 2022 wünschen kann, (ausser natürlich: endlich wieder Konzerte) dann sind es mehr Songs von dieser aussergewöhnlichen Popsängerin. 

Kräuter der Provence

Sound und Parolen sind heute narrativer: Die neue Platte von Tocotronic

Drei Menschen wünschen sich „nie wieder Krieg“ in dem Lied „nie wieder Krieg“ von Tocotronic: Ein Mann auf einer Raststätte, eine Frau auf einem Balkon und ein vom Mond und von Dir beobachtetes Kind. Wie diese spezifischen Skizzen von Situationen, in denen die geschrieene, auf behauchtes Fenster und an eine Wand geschriebene, jeweils sehr subjektive Sehnsucht, es möge nie wieder Krieg geben, eine klassische Tocotronic-Parole in eine Geschichte dreht, steht ein wenig für die Dramaturgie der Band Tocotronic im Allgemeinen: Ihre Anti-Floskeln sind heute Narrative.

Daran kann man wiederum auch, noch allgemeiner dann eigentlich, ablesen, wie schwer es ist, den Kern von so etwas wie einer Band, immer wieder funkeln zu lassen: Popmusik ist so sehr in der Zeit verwurzelt und somit auch in der Alters-DNA der Mitglieder einer Band eingeschrieben, dass der Weg dahin, so zu klingen, wie man eben klingt, immer völlig anders sein kann, auch wenn man dann im Ergebnis hört: Ah, klassisches Tocotronic-Album. Bei „nie wieder Krieg“ wird dennoch deutlich, dass sich nicht nur die Floskeln zu Narrativen gemausert haben, auch der Klang der Band ist sozusagen in den Lücken fülliger geworden, der Sound ist auch narrativer, wenn man so will: Streicher, Gitarren-Arpeggi oder die Sängerin Soap & Sink ziehen die klassischen Toco-Riffs in die Breite, in dem sie sich in die Lücken setzen. Einmal singt Dirk, der noch immer nicht in Seattle ist, fas t schon über diese Vorgehensweise, wenn er eine Pizza aufpeppen will: „Mit Kräutern der Provence / hab’ ich keine Chance“.

Gleichzeitig wird auch die alte Technik, mit einer Zeile der Lyrics die vorangehende in einen anderen Bedeutungszusammenhang zu drehen, perfektioniert: „Ich geh unter / ferner liefen / in die Geschichte ein /das muss dir klar sein / wenn du dich mit mir triffst / die Welt verändert sich / ohne mich“, singt Dirk von Lowtzow in dem Lied „Ich geh unter“, und damit nicht genug, treiben Tocotronic die Sinndrehung über das Zeilenende hinaus auch über Liedergrenzen hinweg, wenn auf der Platte diesem Song „Ich geh unter“ das Stück „Ich tauche auf“ folgt, obgleich, wie wir eben gehört haben, das Untertauchen gar nicht vom Wasser handelt. Und auch der schon erwähnte Titelsong „nie wieder Krieg“ dreht die Parole auf der Rückseite seines Narrativs wieder in die Parole, indem Song und Album mit dem Refrain beginnen.

Vielleicht ist diese Sprachkunst auch überwundener Naivitätsverlust von von Lowtzow, der früher Zeilen schrieb, die partout in kein Lied passten und gerade dadurch ihre Reize entfalteten. Will sagen: Die Nerdigkeit und Weigerung ist dem Formwillen gewichen, und dies stellt sich als sehr würdevolle Art der Alterung einer Band heraus. Ich habe allerdings nie viel Tocotronic gehört, aber dieses Album ist wirklich großartig.

Breitwandpop und Kleinkunstrap

Ohren auf Deutschpop werfen, Folge 21: Madeline Juno, Maeckes und Nico Suave

Madeline Juno will nie wieder nach Neukölln. Warum eigentlich nicht? Dort zu sein, erinnert sie an Gefühle, die sie nicht mehr fühlen will, lieber würde sie sich „ihr Herz mit Teer auffüllen“ lassen, „denn wenn es kalt wird, ist es endlich still“. Man kann es nicht anders sagen: Als Opener eines Albums ist der Song „Neukölln“ ein wenig depressiv und insofern dramaturgisch ungewöhnlich. Anders gesagt: Dass die Popmusik tiefgründiger wird und nicht nur sporadisch an der Oberfläche blinken möchte, ist ein Trend, der sich mittlerweile auf die verschiedensten Sub-Genres ausweitet. Da bleibt eben auch der Deutschpop nicht aussen vor, und schon gar nicht im Falle von Madeline Juno, deren Hinwendung zur deutschen Sprache, früher sang sie Englisch, mutmasslich schon auf der Suche nach tolleren, tieferen, näher gehenden Popsongs erfolgte. Gleich im zweiten Lied auf ihrer neuen Platte „Besser kann ich es nicht erklären“ erzählt sie von einer Beziehung, die nicht zuletzt im Gespräch mit ihrem Therapeuten inzwischen „obsolet“ geworden ist. Die Texte, die Juno schreibt, operieren nicht mit den typisch deutschpop-lyrischen Versatzstücken. Zumal sie es zum Beispiel in besagtem Song „obsolet“ hinbekommt, die Zeilen im Sinn immer hängen zu lassen, über das Ende der Sätze bestehen zu lassen, so dass der Inhalt sich im natürlichen Sprachrhythmus nicht dem Versschema des Liedes unterordnet. Das ist eine große Kunst, die beim Song-Schreiben wenige beherrschen: „Noch immer find ich in Jackentaschen / Ein paar deiner Sachen / Hast du sie dagelassen / Damit sie mich kaputtmachen? / Mein Therapeut sagt, ich soll mich glücklich schätzen.“ Ich finde nur leider die Musik hält nicht mit den Texten mit. Die Melodien, der Sing-Duktus, die Refrain-Verschiebungen, alles das kennt man aus dem ABC des Deutschpops, und auch die Arrangements folgen klassischen Schemata mit räumlich aufgeputschtem, aber an sich klassischem Akkustikpop mit der ein oder anderen Synthie-Prise - alles recht hübsch gemacht, aber nirgends so aufregend, wie Madeline Juno Lieder schreiben kann. Ändert trotzdem nichts daran, dass dieses Album aus dem Deutschpopeinerlei heraus ragt - in der Summe äusserst hörenswert.

Nico Suave hat sich auf dem Deutschpop aus Richtung des Raps zugewandt - es scheint, dass adäquat, zum Schlager, welcher Deutschsingenden verlockende Identitätsangebote macht, der Deutschpop seinerseits Interpret:innen, die sich in ihrem angestammten Genre unsicher fühlen, Versprechen macht: Wenn sie sich im Deutschpop heimatlich einrichten, bekommen sie eine Art Karriere-Franchise-Vertrag. Suave jedenfalls hat nicht die Sprache seiner Musik gewechselt, sondern er hat dem Rappen entsagt und singt auf seinem neuen Album "Gute Neuigkeiten" also nun. Naturgemäss finden sich in seinem Popentwurf nun Spuren aus ohnehin schon übersetzten Partikeln von amerikanischem RnB, HipHop-Beats und Deutschrap. Daraus mischt sich ein merkwürdig indifferenter Breitwandpop mit viel Hall, Aaaahs, Ooooohs und Uuuuuhs und merkwürdig alltags- und alters-skeptischen Texten: „Wir tauchen ab und gehn auf Road über Felder und Schleichwege, keine Business-Calls keine Zeitpläne, kein GPS, keiner kann uns orten und findet uns hier, angenommen verbotene Dinge passieren, we disappear“ - naja, das sind schon, wie er es singt und dichtet, noch Ideen des Rappens drin, aber es wird nichts recht Neues draus, die Umorientierung bleibt diffus, was manches Mal auch ganz sympathisch ist.

Ebenso irgendwo zwischen Deutschpop- und -rap tummelt sich Maeckes, der zuweilen auch schauspielert und Hip Hop in einen intellektuell konsumkritischen Kleinkunstpop übersetzt. Wenn man seine neue Platte „POOL refill“ anhört, bekommt man eins ums andere Mal das Gefühl, man hört einem jungen Stadttheaterschauspieler zu, der bei einem Liederabend rappen soll, und der hippe Theatermusiker probiert auch einmal Autotune fürs Abonnement aus: „Alle Menschen sind gleich / EASY / aber Amazon prime gehört halt Jezz Bezos allein / GANZ EINFACH / wir alle haben die gleich Chance / EASY / wie dumm, dass da einige die scheiss Jobs freiwillig machen / der Wohnungsmakrt wird geregelt vom kapitalistischen Prinzip / EASY / und mit bestimmten Nachnamen gibt’s halt kein Besichtigungstermin“ - mehr Wokeness bekommt man wohl nicht in vier, fünf Zeilen. Dieser Art Rap ist so antiseptisch aufgeweckt, dass man erschreckt einschläft.

Da sind wir nun, unwissend

Die zweite Platte der wundervollen Lou-Adriane Cassidy

Im siebten Song erst kommen die hinreissenden Streicher, die das erste Album von Lou-Adriane Cassidy so dramatisch und schön gemacht haben. Das soeben erschienene Zweite ist in jeder Hinsicht rauher, ungeschliffener und sucht seinen Chanson-Entwurf nicht im Drama sondern gewissermassen im Indierock. Schon die Vorabsingle „J’espère encore que quelque part l’attente s’arrête“ war ein kurzer Wutschrei, ein Riff, eine Melodie, die Hoffnung, dass ein nicht näher erklärtes Warten ein Ende hat, und nach nicht einmal zwei Minuten ist das auch schon wieder vorbei. „Lou-Adriane Cassidy vous dit: Bonsoir“ heißt diese Platte, und sie sagt hier nicht nur guten Abend sondern singt natürlich auch  - von diffusen Ängsten, merkwürdigen Zeiten, besagten Hoffnungen und von Sex. Und natürlich Liebe. In 10 Songs von ingesamt gerade einmal 23 Minuten zieht sie unter ihren jazzigen Pop eine Prise Rock, nimmt einen kurzen Beatlesremiszenz-Umweg, zitiert Plastic Bertrand, findet zu einer zynischen Pianoballade und mixt das ganze zu einem diffusen Chansonschaum auf. Zum Schluss teil sie mit: „L’album est finit, nous voici arrivé á la sortie, vas meme decouder, mais ce n’est pas qu’un au revoir: Bonsoir, Bonsoir, Bonsoir.“ - wunderbar. („Das Album ist zu Ende, da sind wir nun unwissend am Ausgang, aber es ist nicht nur ein Abschied: Guten Abend. Guten Abend. Guten Abend.“) Vielleicht sind diese 23 Minuten was für Fans, ich bin einer, aber wer diese unfassbar großartige Sängerin aus Kanada für sich entdecken will, dem sei hier vielleicht eher ihr Debüt-Album „C’est la fin du monde à tous les jours“ ans Herz gelegt - < HIER > meine Huldigung dazu.