popticker

In die Ferne zurück schweifen

Ein paar Gedanken zum Mittelalter-Rock anlässlich einer neuen Platte von „dArtagnan“

Wo wir es ja gerade einen Post weiter oben von Subsubgenres auf Spotify hatten, die mehr auf algorithmischen Prinzipien fussen, bekommen wir es heute bei mit einem durchaus musikalischen Subsubgenre zu tun (oder Subsubsub?). Hinter dem zudem, laut Eigenaussage der betreffenden Band, eine philosophisch-ideologische Grundhaltung steckt - die  Rede ist hier vom Musketier-Rock. Erfunden hat diesen die Band „dArtagnan“, und die erwähnt philosophisch-ideologische Grundhaltung ist, ihr ahnt es, der Schlachtruf der Musketiere: Alle für einen, einer für Alle. Was immer das nun musikalisch bedeuten mag. Grundsätzlich ist der Musketier-Rock natürlich eine Spielart des Mittelalter-Rock, um nicht zu sagen: Gleicher Met in alten Schläuchen - die meisten Mitglieder der Band spielen denn auch in anderen Mittelalter-Kombos, zum Beispiel bei „Feuerschwanz“, mit denen ich mich hier im Blog auch schon beschäftigt habe - < hier >. Im Klangbild von „dArtagnan“ hört man zwar nicht so viele mittelalterliche Instrumente wie bei anderen Vertreter:innen dieses überaus erfolgreichen Subsubsubgenres, aber die mummenschanzische Verankerung in der Ritterzeit funktioniert im Sound des reinen Rock klassisch über die Scharniere mittelalterlicher Melodien und einen entsprechenden Wortschatz, aus dem sich die typischen Songtexte eines Mittelalter-Songs bauen lassen: Wetter, Feuer, Gelage, Zusammenhalt, Blut und Durchhalteparolen. Daraus ergeben sich dann hübsch doppeldeutige Singalongs: „Heho, denn wir sind Glücksritter!“ oder „Wer nicht kämpft hat schon verloren, wer nicht fällt, steht nicht mehr auf.“ 

Erstaunlich an dieser Musik ist, dass sie ihr eigenes Regelbuch mitliefert - die Formel aus den genannten Zutaten eine Musik zu brauen, ist weitest gehend immer dieselbe, und diese Musik ist in diesem Sinne wie meistens im Pop im Grunde bewahrend, konservativ. Verblüffend ist, mit welchem Feuereifer diese Formel in Musik umgesetzt wird, und wie musikalisch versiert man in diesem Subsubsubgenre also zu Werke geht - auch bei „dArtagnan“. Im Mittelalter-Rock ergibt sich daraus im Allgemeinen ein augenzwinkernder Bierernst, der sich, wie schon öfter über andere Mittelalterbands in diesem Blog beschrieben, trefflich ironisch deklinieren lässt. Im Fall von „dArtagnan“ und ihrer neuen Platte „Feuer & Flamme“ ist verblüffend, mit welchem Ernst sie ihren Musketier-Rock zelebrieren. (Ich habe schon überlegt, auch eine Musketier-Rock-Band zu gründen. Arbeitstitel: porThos. Das wäre der zweite Vertreter in diesem Segment, auf dem also noch Platz ist.) Jedenfalls verschwimmt durch die ironische Distanz zum überzeugtem Ernst der Eskapismus, der dieser Musik natürlich trotzdem innewohnt. Man wird gleichzeitig woanders hin mitgenommen und zurück geschickt. Oder anders gesagt: Die Refrains mit Mitgröhl-Charakter holen die entrückten Hörer:innen dann auf den Boden der heutigen Tatsachen zurück. Mithin ist diese Musik also keinesfalls so unterkomplex, wie man im ersten Moment denken mag.

Trotzdem ist es schwierig, ein Anliegen der Band zu erspüren, das über die ja letzten Endes abstruse Idee, Musketiere Rock spielen zu lassen, hinaus geht. Vermutlich ist aber genau das Zurückholen in die Jetztzeit mit erwähnten Singalongs, die mithin oft Durchhalteparolen sind, Grund genug, sich für diese dadurch weniger abstruse Musik zu ereifern - musizierender wie hörender Weise. Und das ist ja auch durchaus ein erstaunlicher Popeffekt, vielleicht sogar ein konstatierender im Allgemeinen, wenn das Ferne, in die Popmusik entführen kann, nicht das Mittelalter sein muss. Vielleicht also ist Musketier-Rock letzten Endes genauso wenig abwegig wie Gangster-Rap.

Zuckerreduziert

Die Liebäugeln mit Schlager ist als Kriterium auf der Suche nach Pop-Newcomer:innen angekommen

„Konstanze“, sagt Gordon Kämmerer zu seiner Schwester: „Lass uns doch mal n’ Schlagerhit machen, der dann viral geht.“ - ob er viral gehen wird, wissen wir nicht, aber was wir wissen, ist dass Konstanze Kämmerer sich von „Verhaltenstherapie“, wie sich ihr Bruder nennt, wenn er Popmusik macht, zu dem Schlagerhit hat überreden lassen: Der Song „Rote Rosen“ erscheint heute am 10. Juni, und sein Popentwurf siedelt irgendwo zwischen Catan, Andreas Dorau und Christian Steiffen - das sehr hübsche Promostichwort hierzu lautet: „New Wave Schlager“.

Ein zuverlässiges Trendbarometer ist nicht nur, wenn ein Untergrund-Phänomen in den Maistream wächst, sondern vor allem auch, wenn im Nachwuchs die Schnittstelle zwischen Indie-Whatever in den Mainstream gezielt gesucht und promoted wird. Und da nimmt es nicht Wunder, wenn auf einmal verschiedentliche Newcomer an den Schlagerrändern fischen, und es dort nicht immer trüb zu geht. „Geschwister“ jedenfalls, wie sich die Geschwister mit ihrem Lied „Rote Rosen“ nennen, unterwandern Euphorie und überbordende Emotionen mit einer gehörigen Portion Understatement. Ihr Schlager-Entwurf, wenn man ihn denn überhaupt so nennen will, findet zu allegorischen Zeilen: „Ist wie ein Strauch roter Rosen, Du stichst mich nieder.“ - nicht nur wechselt das angesungene Individuum von einer Sache zu einem Du, überhaupt spielen sich die Lyrics dieses versucht viralen Schlagerhits im Vagen ab (überhaupt ein Konzept im Pop von „Verhaltenstherapie“). Wenn der Song vorbei ist, bleibt ebenso vage, wohin Konstanze und Gordon damit wollen, und wie man es finden soll, aber in der Summe überwiegen bei mir die Sympathien für diese Fusion aus Nerdismus und Schlager.

Mit gänzlich anderer Gewichtung aber auch mit der letztlich irrigen Annahme, Schlager nachzubauen, geht der Sänger FALK seine Suche nach einem Popentwurf an. Er kommt allerdings auch mit einem Bein aus der NDW, wenn er Herbert Grönemeyers ersten Hit „Männer“ zitiert und im Songtitel die Frage stellt: „Wann ist der Mann ein Mann?“ - die Frage ist natürlich gestattet. Seine Idee, Schlager mit Rock zu unterwandern, ist zwar keineswegs neu und mit einem Vertreter wie Ben Zucker auch äusserst erfolgreich, dennoch merkt man der Musik von FALK an, dass er nicht von aussen konzeptioniert wurde, um an Gatekeeper wie Silbereisen vorbei zu kommen, aber dennoch reicht die mit Rock einher gehende Ironisierung von Gefühligkeit nicht aus, um Zeilen wie „Du bist die schönste Frau hier im Pub, lange Bein, Rock viel zu knapp“ eine Pop-Absolution zu erteilen. Wenn man also seine von Herbert übernommene Frage, wann ein Mann ein Mann ist, stellt, so lautet bei dieser Single zumindest meine Antwort: 2022 sollte man als Mann sensibler dichten.

Ein im unterwanderten Schlager alter Hase ist Dagobert - man schaue sich nur noch mal seinen Auftritt im ZDF-Fernsehgarten mit seiner ersten Single überhaupt „zu jung“ an. Das war damals ultra-weird und nimmt sich heute völlig alltäglich aus - man merkt schon, wie aus Poprichtung nach der Schlagerwelt geschielt wird, während Helene Fischer und ihr Fahrwasser den dortigen Mainstream in Richtung Pop entgrenzt haben. Nun hat der schweizer Anzugträger auch schon wieder eine neue Langspielplatte im Rucksack, „Bonn Park“ wird sie heißen, und unabhängig davon, dass so auch ein Kollege von mir heißt, und Dagobert sein Album in diesem Sinne auch „David Gieselmann“ hätte nennen können, ist die erste Single „Ich will ne Frau, die mich will“ so etwas wie eine Rückkehr zum Sound von „zu jung“, nachdem die letzte Platte recht darker Synthwave war. Gut, aber im Falle von Dagobert bin ich nicht neutral da Fan.

Der junge Osnabrücker Moritz Ley verortet sich und seinen Popentwurf, dem man freilich schon kaum mehr Schlager unterstellen möchte, dennoch im selben Spannungsfeld des Dabobert, irgendwo zwischen gefühligem Deutsch- und wavigem Synthiepop. Der Song „Bei mir“, letzte Woche erschienen, zeigt dann doch, wie filigran die Trennungslinien zwischen Popmusik und der einst hermetischen Volksmusik, um einmal dieses nicht ganz stimmige Synonym zu bemühen, inzwischen sind: Da muss man ganz schön hinterher musizieren, um die Sache noch in deutschen Soul oder so zu biegen. Dennoch ein ganz interessanter Newcomer - erwähnte Single „Bei mir“ ist die Dritte des Osnabrückers, und der Popticker bleibt dran, wenn Weiteres erscheint ...

/// Links zu den Musikvideos /// Geschwister "Rote Rosen" /// FALK "wann ist ein Mann ein Mann?"  /// Dagobert "ich will ne Frau, die mich will" /// Moritz Ley "bei mir" ///

Zeitgeistige Verhaltenstherapie in Eierkarton-gedämmten Probenkellern

Drei Bands mit deutschen Texten in den Pop-Startblöcken

Bei der Band „Verhaltenstherapie“ weiß man erst mal nicht so recht, wozu man geladen ist. Bei dem Namen erwartet man eine Indie-Band mit Postpunk, wenn nicht gar ohne die Vorsilbe Post, aber das stimmt dann so gar nicht. „Verhaltenstherapie“ machen elektrischen Indiepop, und dahinter steckt ganz offensichtlich auch keine Band - sondern eine Einzelperson, der Schauspieler, Regisseur und eben Musiker Gordon Kämmerer. Sein Popentwurf schwirrt irgendwo in der Nähe von NDW mit absichtlich billigen Hip-Hop-Beats, spleenigen Texten und in seinen Videos auch einigen visuellen 80er-Remiszenzen - wenngleich mir Kämmerer, kaum 30 Jahre alt, jetzt natürlich hinterher rufen könnte: „He? Achtziger? Ok Boomer.“ Sein neuer, erst zweiter Song jedenfalls heißt „alte Liebe“ und wirft mal wieder die gute alte Frage auf, die Pop an sich immer gut tut: Wie zur Hölle ist das gemeint? „Wo mein Herz mal war, ist nun ein schwarzes Loch. Alles zieht hinein, Leere herrscht im Kopf. Still liegt die Luft und eisern dröhnt die Zeit. Kein Licht mehr da. Für gar nichts mehr bereit.“  - diesen Refrain könnte man fast in Duktus eines Schlagers singen, aber das Soundbett und die Art und Weise, wie das bei „Verhaltenstherapie“ gesungen wird, hat so gar nichts Inbrünstiges - eher schon eine provokative Beiläufigkeit, mit der die milleniale psychische Rückbesinnung konterkariert wird. Man weiß also nicht, wohin man geladen ist, aber freut sich durchaus, zur „Verhaltenstherapie“ eingeladen zu sein. 

„Florian Paul & Die Kapelle der letzten Hoffnung“ ist Deutschpop mit  bratzigen Bläsern - diese Band ist wunderbar und klingt nach „Element Of Crime“, aber jünger, nach Max Raabe vielleicht, nur rockiger, nach „Faber“ nur ohne Wien - die kürzlich erschienene Single „Zeitgeist“ mit der Eröffnungszeile „Warum bauen die ihr scheiss Parkhaus direkt vor meinem Fenster“, dem Refrain „Mach’s gut lieber Zeitgeist, du hast mich enttäuscht“ und einem mitreissendem Trompeten-Solo ist herrlich - die würde man gerne mal live sehen. Aber auch zum Kochen taugt das gut. Und meine Tochter kann es auch schon mitsingen - was will man mehr?

Die Formation „4 Stock“ ist ein wenig klassischer in ihrem Popentwurf - aber nicht minder sympathisch. In den drei Liedern ihrer aktuellen EP „höhere Gewalt“ verquirlen sich Gitarrenpop, Reggae-Rhytmen, fluffiger Rock, Ska-Bläser aus der Ferne, WahWah-Riffs, Funk-Prisen und zeitlos sozialkritische Texte alter Schule zu einem OK-boomigen, sorry Wortspiel, Rocktail - oh Gott, noch eines. Wobei hier eine Band am Werk zu sein scheint, die diesen Namen noch verdient: "4. Stock" klingen, als hätten sie den klassischen Band-Keller mit Bierkästen und Eierkartons in den Knochen, als hätten sie sich in unzähligen Kneipen, Sälen und Festivals die Finger wund gespielt, wie immer man das nach zwei Jahren Pandemie hinbekommt - um so schöner also, dass es noch solche Bands gibt: „Die Propheten haben gelogen, und jetzt irren wir durch Zeit und Raum. Die Propheten haben gelogen, der Trip ist aus, aus ist der Traum.“ 

Links:

< bandcamp Verhaltenstherapie > / < Website Florian Paul > / < Website 4. Stock >

Wenn die Kälte kommt

Über die Tautologie als lyrische Stilfigur im Pop

In dem Video zum Titelsong ihres neuen Albums „wenn die Kälte kommt“ befindet sich die Band Santiano in einer Eiswüste mit Eiszapfen an ihren Bärten, Schnee auf ihren Instrumenten und Dampf aus ihren Mündern. Der ohnehin identitätsstiftende Eskapismus der Formation, der sich aus der Huldigung der mittelalterlichen Seefahrt speist, erfährt in Zeiten, in denen der Klimawandel omnipräsent ist, eine antizyklische Steigerung durch das Heraufbeschwören einer Eiszeit. Unklar bleibt unterdessen, warum diese Eiszeit eintritt, oder für was sie steht, denn Antworten auf die Frage, was denn geschieht, wenn die Kälte kommt, bekommen wir nur sehr spärlich: „Wenn die Kälte kommt / Mit eisiger Hand / Wenn die Kälte kommt / Und dein Herz übermannt / Wenn die Seele friert / Der Atem dir brennt / Dann bin ich bei dir“. Man könnte das Ganze auch so zusammen fassen: Wenn die Kälte kommt, wird es kalt. Diese bestürzend banale Tautologie ist aber im Grunde die wesentliche allegorische Stilfigur, mit denen Santiano ihre Songtexte gestalten und ihre mittelalterliche Seefahrer-Romantik konstruieren: Wenn es auf den Recken regnet, wird er nass, wenn der Met fliesst, trinkt man Alkohol, wenn es stürmt, türmen sich Wellen. Ein anderes Lied auf dem neuen Album heißt „wer kann segeln ohne Wind?“ - Antwort, Spoiler Alert: Niemand. Und in dem Song „solang die Fiddle spielt“, gibt es konsequenter Weise gar keinen Gesang: So lange nämlich die Fiddle spielt, spielt die Fiddle - klar.

Das also etwas unterkomplexe Konstrukt zum Beschreiben einer an sich entrückten, anderen Wirklichkeit mit den Mitteln von Popmusik scheint massgeblich und gewollt - immerhin hat man als Co-Writer für einige der neuen Santiano-Songs Frank Ramond engagiert, der an sich als gewitzt doppelbödiger Songtexter für zum Beispiel Annett Louisan, Yvonne Catterfeld oder den ja leider verstorbenen Roger Cicero bekannt ist. Mit dessen Hilfe hätte man sicherlich auch scharfsinnigere Narrative von Rittern, Seefahrt und Wildschweinen erfinden können, als die Erkenntnis, dass man draussen auf dem Meer in der Ferne vor allem Horizonte sieht - ein weiteres Lied auf der Platte. So weit hergeholt die Welten sein sollen, die hier besungen werden, so überschaubar müssen sie offenbar bleiben, um als Singalongs im Jahre 2021 zugänglich zu bleiben. Letztlich ist das tautologische Rezept für einen Liedtext vielleicht sogar präsenter in der Poplandschaft, als man denken mag. Die neue Platte von Coldplay handelt zum Beispiel von der Raumfahrt, und wenn man sich deren Texte durchliest, erlangt man diese Erkenntnis: Wenn man ins Weltall fliegt, ist man in anderen Sphären. Und Helene Fischer singt zum Beispiel auf ihrem derzeitigen Album das Lied „wenn alles durchdreht“ - einen Nebensatz, den sie für den Refrain gar nicht mehr grammatisch und somit inhaltlich ergänzt: Wenn alles durchdreht … ja was denn jetzt? Naja, dreht eben alles durch.

Man könnte mir nun vorwerfen, dass ich mich durch die Albumcharts klicke und wie jemand, der Schuhe kauft, nur auf Schuhe achtet, jede Liedzeile als tautologische Allegorie im Sinne von Santiano interpretiere, aber für Santiano gilt meiner Meinung nach wie gesagt durchaus, dass die bestürzenden Banalitäten, die hier gesungen werden, so auch gewollt sind - musikalisch ist das nämlich auch souverän so ausgestaltet, wie man klingen möchte: Maskulin-mittelalterlicher Shanty-Poprock. Der eben, das sei noch mal erwähnt, irre erfolgreich ist - vor ihnen in den Charts sind derzeit nur Helene Fischer und Coldplay.

Blödsinnige Platten

Fake News in den Charts: Der iTunes-Store von Apple wurde offenbar Opfer eines Hacks

Am Donnerstag den 19.08.21 wurde der Musik-Download-Shop der Firma Apple, besser bekannt unter dem Namen iTunes-Store, Opfer eines Hacker-Angriffs: Über den Tag verteilt tauchten in den Album-Charts unsinnige Veröffentlichungen auf und verstopften die Top-Ten. Es handelte sich um angebliche Alben von über Suchmaschinen unauffindbaren Interpret:innen mit Namen wie Else Engel, Claudine Blanc oder Christian Darcangelo. Zwei dieser Fake-Alben wurden unter dem Titel „fatal mistakes“ geführt, Andere hiessen „living on mercy“ oder „now only“. Sämtliche dieser Platten enthielten durchaus Musik - oder um genauer zu sein: abspielbare Audiospuren, denn Musik kann man dazu fast nicht sagen. Die Tracks mit Allerweltstiteln bestanden ausnahmslos aus zwei bis drei Spuren: Billiger Beat und Zwei- bis Dreitonfolgen vom Synthesizer. Bei den Covern handelte es sich wohl um Stockfotos: Tatsächliche und computergenerierte Naturaufnahmen oder ein Foto, welches Venedig zeigte. Am Vormittag habe ich drei dieser Alben auf den Plätzen 1,2 und 9 entdeckt, am Abend wurden dann gar die ersten sechs Chart-Plätze mit diesen blödsinnigen Platten belegt. Am nächsten Morgen, heute am 20.08., sind all diese Alben verschwunden, aber es finden sich andere ähnliche Veröffentlichungen nach den gleichen Prinzipien, die aber nicht mehr in den Top 100 sind.

Unklar bleibt, was hinter der Sache steckt, und ich habe schon überlegt, ob ich ein Bekennerschreiben zu der Aktion veröffentlichen soll, weil sie aufzeigt, was ich als These schon lange in den Popraum zu stellen versuche: Die Charts sind zur Makulatur verkommen. An zwei Punkten kann man das anhand des gestrigen Hacking-Angriffs ablesen. Zum einen sollen die Charts ja an für sich abbilden, was angesagt ist, und wenn etwas in den Charts ist und Mark Forster und Billie Eilish auf die Plätze verweist, Musik, die offenkundig nicht angesagt sein kann, die keiner kennt, und die sich auch in Suchmaschinen nicht finden lässt, dann ist die Chart-Idee eben obsolet. Zum Anderen kann man an der Bewegung innerhalb des gestrigen Tages, an dem sich verschiedene Fake-Alben auf Platz eins ablösten und sich im Laufe des Tages fröhlich durch die Top-Ten bewegten, ablesen, dass Charts ohne Zeiteinheit schon überhaupt Schwachsinn sind - welche Zeiträume bildet ein Platz in den Charts ab, wenn es sich dabei um eine Livetabelle handelt?

Chartmanipulationen hat es schon immer gegeben. In den USA gibt es sogar einen Begriff für Bestechungsgelder, welche Plattenfirmen DJs oder Radiostationen zahlen, damit diese bestimmte Songs öfter spielen: Payola. Höheres Airplay, also eben öfter im Radio gespielt zu werden, führt zu höheren Chartpositionen, und da im Radio öfter gespielt wird, was in den Charts ist, wirkte das Bestechungsgeld Payola oftmals exponentiell. (Das Wort Payola setzt sich aus „pay“ und dem Herstellernamen der in der Mitte des 20. Jahrhunderts in den Radiostationen verwendeten Grammophone „Victrola“ zusammen. Erstmals dokumentiert wurde der Begriff laut Wikipedia 1959, aber man muss davon ausgehen, dass die beschriebene Bestechungs-Strategie bis weit in die 80er praktiziert wurde.) Einen anderen Fall von Manipulation der deutschen Charts deckte im Jahre 2005 die Sendung „Akte“ des Senders Sat 1 auf. Der Musikproduzent David Brandes hatte CDs seiner Künstlerinnen (darunter Vanilla Ninja und Gracia) gekauft und kaufen lassen, um diese Künstlerinnen in die Charts bringen und danach von der Rückkopplung des durch die Chartposition generierten Interesses zu profitieren. Beide beschriebenen Manipulationen machen sich natürlich ein konstituierendes Element von Pop an sich zu Nutze - die Behauptung nämlich, angesagt zu sein als potentiell selbst erfüllende Prophezeiung.

Screenshot der Top 14 in den iTunes-Charts am 19.08. um ca. 18 Uhr

Was wir aber gestern in den iTunes-Charts beobachten konnten, hat nichts mit diesem Mechanismus zu tun, denn die Musik, die hier mit welchen technischen Mitteln auch immer, in die Charts gehievt wurde, ist gar keine Popmusik - sie behauptet nicht unmittelbar und durch sich hip zu sein. Die Behauptung, diese Alben hätten sich in den Charts befunden, war als sich selbst erfüllende Prophezeiung ungeeignet, da es keinen Grund gab, diese Alben zu kaufen. Es bleibt also die Frage, warum irgendwer diese Fake-Veröffentlichungen in die Charts bekommen hat, wie das gemacht wurde, und welches Statement dadurch gemacht werden sollte. Von Apple selber gibt es keinerlei Statement dazu, auch meine Anfrage, nun bin ich natürlich auch eine Privatperson, bleibt unbeantwortet, aber irgendwas, so glaube ich jedenfalls, muss dahinter stecken, und ich möchte zu gern wissen, was es ist - wenn das hier also irgendwer liest, der mehr Followerpower hat, der einen Weg sieht, herauszufinden, was es mit den unsinnigen Alben auf sich hat, der sage mir gerne bescheid.

Coming-Of-Age-Trap-Pop

Das Ohr auf Pop mit deutschen Texten werfen - Folge 15 mit "Bruni die Band", "Lostboi Loni" und "Charlotte Brandi"

/// Wenn Bands einen Popentwurf suchen, ist diese Suche ja meistens schön. Das Feld von Pop ist eben inzwischen so weitläufig bestellt, dass man viel suchen kann, ohne dass es frustrierend wird, wenn man nichts findet, und der Weg das Ungezielte bleiben darf. Die Band „Brudi die Band“ sucht zudem in pandemischen Zeiten (was bleibt auch Anderes übrig?) und verarbeitet im gewissen Sinne ihre Befürchtung, sie könnten mit dem inzwischen durchaus eigenem Genre des Corona-Songs gleichgesetzt werden; als ob den drei jungen Saarbrückern schwant, dass Corona ihren Popentwurf zu sehr prägen könnte: „Ich will leben und draussen Zeit mit Freunden verbringen, nicht meine besten Jahre Lieder über Einsamkeit singen.“, so heißt es in der kurz nach Weihnachten erschienenen, zweiten Single „1,5 Meter“ - hier das < Video >. Die Musik der Brudi-Band ist eine Art Coming-Of-Age-Trap-Pop mit fluffigen Wohnzimmerbeats und melodisch-flüssigem Autotune, Musik, über die man mit Fug und Recht und im Guten wie im Schlechten sagen kann, dass sie jeder hinbekommen könnte, mit dem feinen Unterschied, dass diese Drei sie nicht nur hinbekommen können sondern eben hinbekommen haben. Zudem schreiben sie grundehrliche Texte jenseits von deutschpoppigen Lyrikbaukästen - summa summarum übrigens Songs, die sich tendenziell eher an meine Kinder wenden, als an mich als über 40-Jährigem (meinem Sohne gefällt’s jedenfalls) Wohin das Ganze gehen könnte, weiß man noch nicht, vielleicht könnte man in dem manchmal etwas einlullend wirkenden, Spotify-kompatiblen Sound hin und wieder das ein oder andere Instrument betonen. Bei momentan zwei Singles reicht wie gesagt allemal das schöne Suchen. Lockere Band auf jeden Fall, von der man bestimmt noch hören wird. /// Kurioser Weise klingt der Grundsound von „Lostboi Lino“ irgendwie ähnlich, firmieren tut das Ganze auf iTunes aber freilich als HipHop und Rap, was es eigentlich ebenso wenig ist, wie die Musik von „Brudi die Band“. (Das ist man auf Spotify schon ein wenig weiter - auf der Streamingplattform kreiert der Playlistenwahn inzwischen Subsubsubgenres, die oft nur darin bestehen, dass einige Lieder sich zusammen in einer Liste finden. Um für diese algorithmischen Parallelen dann die Behauptung zu kreieren, sie seien sorgsam herbei kuratiert und dadurch sichtbar, erfindet Spotify neuerdings Genre-Namen für diese sich in Playlisten spiegelnden Klang-Ähnlichkeiten. Dieses Phänomen spülte zum Jahreswechsel plötzliches Rätselraten in die sozialen Medien, weil selbstbewusste Hörer*innen plötzlich erfuhren, dass sie von ihren meist gehörten Popgenres noch nie gehört hatten - beispielsweise „escape-room-pop“ - what the hell ist das?) Wo war jetzt der Faden? War er rot? Ach ja: „Lostboi Loni“ und „Brudi die Band“ - die könnte man locker in eine Liste packen, und der Sound würde sich dann als Genre „Coming of Autotune“ nennen: Flächig, melancholisch, suchend. Das blubbert, fluffert so durch, von dem verlorenen Loni gibt es eine EP („ich bin da“), die aber auch ein wenig amplitudenfrei dahin plätschert: „Man kann immer irgendwie alles besser machen, und ich glaub sogar, dass man sich auch ändern kann.“ /// Die EP ist ja urplötzlich die Pop-Darreichungsform der Corona-Stunde - eine Sammlung Lieder, die nicht genug sind, eine LP zu sein, aber mehr als nur ein paar Singles; die Playlist quasi, die sich selber nicht als Album überfordert. Was jetzt wiederum nicht zu Charlotte Brandi und ihrer EP „an das Angstland“ passt, Überleitung missglückt, denn der Popentwurf, der hier zugrunde liegt, ist eine Zumutung für Popmusik, eine bewusste Überforderung, die doch ein Album sein könnte. Wohin will das? Echokammerfolkpop mit reigenartigen Gitarrenlinien und naiven Melodien, die mit Kinderliedern flirten, Indiepop, der mit diesen ganzen Effekten ein lyrisches Dystopia heraufbeschwört. Hier bricht sich auch die Sehnsucht nach Naturlyrik Bahn: „Oh dass ich doch nur eine Pflanze werde und dass mir dieser enge Stängel verholzt. Kein teckerndes Lachen, keine Gebärde, kein Bein mehr, kein Stolz. Meine Finger wären Blätter aus Leder Richtung Fensterscheibe gestreckt.“, dichtet Brandi in „WIND“, ein Song, in dem plötzlich auch Dirk von Lowtzow auftaucht. Die vier Lieder, die sich „an das Angstland“ richten, oder aber dieses beschreiben bis überwinden, heißen in Großbuchstaben „WIND“, „FRIEDEN“, „FRIST“ und „WUT“, sie fühlen sich an wie Theatermusik, wie Eisler zu schiefer Lyrik und entfalten in ihrer Sonderbarheit einen geigenartigen Sog. ///

Metlife-Crisis

Ohr auf Deutschpop werfen - Folge 14: Neue Alben von Ina Müller, Klan, Ansa Sauermann, Feuerschwanz, Clueso und Saltatio Mortis

„Die Hörner hoch - auf gute Tage, wenn Thor den Hammer schwingt/ ruft all die Götter zum Gelage, wo der wahre Met entspringt!“ - so beginnt das neue Album der Band „Feuerschwanz“, die innerhalb des ohnehin schon seltsamen Genres „Mittelalter-Rock“ eine noch mal seltsamere Stellung einnimmt. Mann kann diesen randseitig erscheinenden, aber überaus erfolgreichen Popentwurf, Mittelalter und Rock zu fusionieren, grob in zwei Spielarten unterteilen: Die Bands, die das, was sie tun, mit heiligem Ernst betreiben, und diejenigen, die augenzwinkernde Ironie an den Tag legen - Feuerschwanz sitzen zwischen diesen beiden Stühlen: Sie betreiben heiligen Ernst mit vulgärer Ironie. Gegründet ist die Band eigentlich als Antwort auf die Humorfreiheit der Mittelalter-Szene, aber wenn man sich die Videos des neuen Albums „Das Elfte Gebot“ anschaut, ist man nicht mehr ganz sicher, auf was für eine Veranstaltung man hier eingeladen ist - ein wenig wirken Musik, Outfits und Storylines der Kurzfilme, als sei dieser Formation die ironische Überzeichnung des Mittelalterkonzepts hinten rum wieder in einen apoditktisch ernsten Eskapismus gekippt. So als sei das titelgebende elfte Gebot der Leitfaden zum Anschluss an eine Szene, die nicht verspottet werden möchte. Was wiederum schwierig ist, wenn sich die Drehleierspielerin der Band „Johanna von der Vögelweide“ und der Flötist „Prinz Hodenherz“ nennt. Diese Band übt in ihrer vollkommen rätselhaften Beklopptheit einen eigenartigen Reiz aus.

Die Kapitäne der Mittelalter-Rock-Szene sind „Saltatio Mortis“. Sie sind vielleicht ein wenig weniger seltsam als „Feuerschwanz“ und gehören auch eher zum „ernsten“ Lager des ritterlichen Rocks. Weitgehend ironiefrei versucht diese Band ihre Musik auch in der Jetztzeit zu verankern, indem sie gesellschaftliche bis politische Themen aufgreifen „Im Fernsehen läuft nur noch Weltuntergang / Hunger, Krieg, Korruption und Super-GAU / Was ich als Armageddon kenn', bringt mir heut wieder die Tagesschau / Was ist hier los, wo führt das hin? / Die ganze Welt dreht sich nur noch um Moneten/ Und ein Haufen irrer Clowns, völlig skrupellos, spielt mit Atomraketen“ - so hört sich das textlich an, und musikalisch zudem heben sie eine Punk-Attitüde unter. Wie darin klassisch mittelalterliche Melodielinien der Dudelsäcke, Drehleiern und Fiddeln von den metallischen Power-Riffs ablenken, hat ein Mass an Professionalität erreicht, die angesichts des Sub-Genres, wenn man es nicht gut kennt, relativ verblüffend wirkt. Im Fahrwasser dieser Virtuosität hat es der Sänger dieser Band, Jörg Roth, fast schon zu einem Popstar gebracht - seine Live-Gesten umarmen die Welt, und wer glaubt, diese Musik sei ein randseitiges Phänomen, dem sei nur rasch gesagt: Die letzten vier Platten von „Saltatio Mortis“ haben die Spitze der deutschen Charts erklommen. Das aktuelle Album „für immer frei“ kommt besonders komprimiert auf den Punkt - die Produktion katapultiert ein einheitliches rockistisches Klangbild ohne viel Details, in dem die angesprochene Virtuosität zu wenig zur Geltung kommt. Ihr vorletztes Album, „Brot und Spiel“, kam filigraner daher. Aber das wird der Hingebung der Fans keinen Abbruch tun - diese Band wird sehr geliebt. Und auch wenn ich nicht sehr viel damit anfangen kann: Durchaus zurecht.

Dass eine Musik derart amplitudenfrei zusammen gestaucht wird, das hat auch Clueso auf seinen neuen EP „aber ohne dich“ geschehen lassen. Leider aber sind ihm auch musikalisch die Feinheiten abhanden gekommen: Die vier Lieder auf dieser Veröffentlichung sind Allerwelts-Deutschpop fern der cluesoisch ironischen Melancholie, einfallslos daher musiziert und einer EP irgendwie nicht wert. Und wer nach „Menschen Leben Tanzen Welt“ ein Lied noch „tanzen“ nennt, da weiß man auch nicht. „Nein, es ist gar nichts okay (okay) / Für mich ist es sitzen bis spät (spät) / Für dich Disko-Realität / Ich warte, dass du ma' was sagst, doch / Du musst tanzen Du musst tanzen.“ - in der Ferne ein Sinn. So ein guter Musiker, aber was hat ihn da geritten?

Das Popduo „KLAN“ hat offensichtlich eine produktive Phase - gerade erschienen ihre beiden EPs „Winterseite“ und „Sommerseite“, die mit je acht Songs schon fast LPs sind, da haben sie für Mitte Dezember deren Bündelung zu einem Doppelalbum mit ingesamt 21 Songs angekündigt. Da soll noch mal einer sagen, junge Pop-Formationen dächten nicht in Alben. KLAN verfolgen einen recht abwechslungsreichen Popentwurf mit Folk-, Soul- und Synthie-Elementen, der durch lässige Beats gebunden und mit stoffeliger Lofi-Attitüde dargeboten wird. Man wird das Gefühl aber nicht los, dass Ideen und Know-How der beiden jungen Männer noch nicht ganz ausreichen, um diesen reichhaltig skizzierten Pop auszuformulieren. Dennoch hege ich Sympathien für diese Musik, weil die sehr hohen Ansprüche auch immer wieder mit merkwürdig ehrlicher Ironie abgefedert werden („Mein Label hat gesagt, ich sollte mal zu TikTok gehen:“) Zudem gelingen Balladen wie Dance-taugliche Gassenhauer. Ein bisschen Zeit braucht das Duo noch, aber in Zeiten, in denen die „Musikindustrie“ anfängt sich Bands zu leisten, die Zeit brauchen, ist das ja sogar beruhigend.

Blues mit orchestralem Pathos und deutschen Texten, der hin und wieder nach einer brauchbaren Rio-Reise-Cover-Band klingt, diesen merkwürdigen Spagat bekommt der Dresdner Ansa Sauermann hin, und damit nicht genug hat der Wahlwiener auch ein wenig Austropop in seinen Popentwurf integriert. Das Ganze klingt auf dem neuen, zweiten Album „Trümmerlotte“ trotz oder gerade wegen der Vielzahl hörbarer Einflüsse angenehm homogen und bierfreudig. Die dazugehörigen Texte sind hin und wieder ein wenig wie die Überwindung von Teenage-Angst eines Midtwenties, aber irgendwie funktionieren sie auch: „Ich steh' so da und mache mir Gedanken / Gedanken, die mich langsam isolieren / Vom zu viel Denken, kann der Schädel leicht erkranken / Das lass' ich besser sein.“ - ein Album, das Freude macht und immer bei sich bleibt und gerade deswegen auch über sich hinauswächst. Nice.

Drei Lieder gibt es bislang vom kommenden Album von Hamburgs Nachteule Ina Müller, und alle diese drei Lieder wirken ein wenig wie eine Brigitte-Kolumne. Was ja nicht falsch ist. Wenn man versucht, das nicht all zu theoretisch midlifig zu hören, bekommt man es mit einem sehr zielgruppen-fokussierten Gebrauchspop zu tun. Das Album heißt dann auch „55“ und somit gleich auch eine Alterseignung angegeben, und das Thema ist so in etwa: Eine 55-Jährige hadert mit der modernen Welt: „Jemand twittert irgendwas / Und am nächsten Tag ist alles nichts mehr wert / Einer sprengt was in die Luft / Weil ihn meine Art zu leben so sehr stört / Grenzenlos / Fluten mich die Bilder übergroß / Ganz egal, was auch passiert / Passiert ab jetzt auch immer hier“ - das ist schon alles ein wenig unsubtil aber man ja auch sagen: Auf den Punkt. Man wird nicht so richtig schlau draus, obwohl es recht schlau daher kommt. Und genau das gefällt mir irgendwie schon, auch wenn ich nicht so sehr mit dieser Musik gemeint bin. Vielleicht ist das ja Teeniepop für Menschen in der Midlife-Crisis.

Wer fragt denn das?

(ein Text aus dem Jahre 2019) Eine vergleichende Analyse der Songtexte von „Wer sagt denn das?“ und „Wer sagt das?“ 

Wie es der Zufall will, sind im letzten Monat zwei Platten erschienen, die fast identisch betitelt sind: „Wer sagt das?“ und „Wer sagt denn das?“. Die beiden Alben stammen von zwei deutschsprachigen Pop-Acts, wie sie unterschiedlicher nicht sein könnten: Deichkind und Ben Zucker. Dem geneigten Leser dieses Blogs mag eher bekannt sein, wer Deichkind ist, aber Ben Zucker?

Den Namen muss man sich erst einmal auf der Zunge zergehen lassen. Aus ihm spricht die Konzeptionskunst des deutschen Schlagerbooms, ein Erfolgsretorten-Baby im Helene-Fischer-Fahrwasser, der Achim Reichel unserer Zeit: Raue Stimme, weicher Kern. Ben Zucker könnte man in diesem Sinne als Vorgruppe sowohl von Boss Hoss als auch von Helene Fischer im Stadion spielen lassen, inzwischen aber mit dem zweiten Album „Wer sagt das?“ füllt er Stadien auch ohne Helene Hoss.

Stadien füllen auch Deichkind, deren Wurzeln im Hip Hop liegen mögen, die aber inzwischen im Grunde genommen Musik für Stadien machen, nämlich ironischen Slogan-Dancefloor. Dennoch kommen Zucker wie Deichkind eben bei nahezu demselben Albumtitel an. Während Zucker noch traditionelle Texte dichtet und Sätze ausschreibt, damit sie im grammatischen wie auch erzählerischen Zusammenhang Sinn produzieren, haben Deichkind ein Copy-&-Paste-Songschreibkonzept entwickelt, bei dem aktuelle On- wie Offline-Sprache rhythmisiert und damit eben ironisch tanzbar gemacht wird. Um so gegenläufiger, dass der um ein „denn“ kürzere Album-Titel nicht von ihnen - sondern eben von Ben Zucker stammt: „Wer sagt das?“.

Sein Schlager-Rock stellt im Titel-Lied nicht nur dieselbe Frage, sie hat auch die gleiche Perspektive: Frei schwebende Konsens-Aussagen heutiger Diskurse werden hinterfragt, indem man sich erkundigt, wer sie eigentlich zu Sprache gebracht hat: „Wer sagt, es ist falsch, auf sein Glück zu vertrauen? Wer sagt, man kann nicht auf Hoffnung bauen? Wer sagt, was gut und richtig ist?“ - während Zucker freilich nur von diesen drei Konsensen den Urheber wissen will, ist der Songtext von Deichkind eine schier endlose Aneinanderreihung von insgesamt fast 30 Urhebererkundigungen: „Wer sagt denn, dass dieses Graffiti hier von Banksy ist? Wer sagt denn, dass nicht Oma dich betrügt beim Enkeltrick? Wer sagt denn, dass Jugendliche keine Zeitung lesen? Und das mit dem Kontrabass wären drei Chinesen?". Der Unterschied liegt aber nicht nur in der Verzehnfachung und damit Inflationierung der Frage, er liegt auch darin, dass Deichkind ihr „Wer sagt denn das?“ sowohl jeder Strophenzeile voran stellen als auch den Refrain sein lassen, da bleibt der Satz dann alleine. Zudem geben sie der Frage, wer das wohl sagt, eine Antwort oder machen vielmehr im Prechorus einige Vorschläge, wer es gewesen sein könnte: „Die Schilder, die Regeln, die Presse, der Blog / Die Päpste, die Jedi, der Hater, der Bot / Wetter.de und die Neue vom Chef / Sie hat's von Lena und die aus'm Netz.“ Aus diesen Antwortoptionen schält sich das Thema von Fake-News oder zumindest News-Hypes und Blitzwissen.

Ben Zucker hingegen konstruiert aus der unbeantworteten Frage, wer das gesagt hat, die klassische Grenze zwischen Aussenwelt und Liebespaar, wie sie ein Poptopoi seit Jahrzehnten ist: Wir beiden in Liebe vereint gegen den Rest der Welt stellen die Dogmen eben dieser Außen-Welt in Zweifel, indem man hinterfragt, wer sie denn gesagt hat. Damit verankert sich die strukturell gleiche Frage in einem klassischen Schlagertext-Zusammenhang, und um der ganzen Sache jetzt mal den Zynismus zu nehmen: Ben Zucker macht das durchaus geschickt und mit entsprechendem Engagement. Das ist in keiner Weise meine Musik, aber doch Musik, die in dem, was sie will, ihre Berechtigung hat.

Deichkind und Ben Zucker stellen dieselbe Frage, und so fern sind sich ihre Lieder auch gar nicht. Sie machen nur Zugeständnisse an die Nutzbarkeit innerhalb ihres Genres. Es wäre interessant, wenn die beiden ihre Songs einmal tauschen würden. Es würde sich die Frage stellen: Wer singt denn das?

Mit Du und Nyckelharpa

Das Ohr auf Deutschpop werfen - Folge 11

Von englischen zu deutschen Poplyrics, diesen Wandel hat die Sängerin und Songschreiberin Ami Warning vollzogen, und sie ist in diesen Popzeiten nicht die Erste, die diesen Schritt wagt. Das letzten Monat erschienene Album heisst nun also „Momentan“, und die Musik darauf ist ein angenehm weitläufiger Lofisoul mit leichten Verzierungen aus Welt, Jazz und Reggae - so hat sie das auch schon mit den ersten beiden Platten gemacht. Es gibt auch keinen besonderen Grund, daran Wesentliches zu verschieben, denn der Popentwurf, der hier zugrunde liegt, egal mit welcher Sprache er besungen wird, hat eine sehr warme und nahe Wirkung. Hinzu kommt das Kunststück des Gesangs, gesprochen und gesungen gleichzeitig zu wirken, beiläufig und voller Soul in einem Timbre. Die Lyrics, denen man ihr Dasein als Songtexte im ersten Ohr gar nicht anhört, da sie auch wie gesprochen und durch Zufall gereimt wirken, spielen Ami Warning da in die Karten, ein Beispiel: „Lieber länger geträumt, ich liebe das Chaos aufgeräumt. Weiter. Noch zwei Schluck mehr, lass los, ich liebe dich sehr. Ich halte noch kurz daran fest, dann kommt der Rest.“ - schöne Texte, schöne Musik, dieser sympathischen und bescheiden virtuosen Platte wünscht man jedes Glück der Welt.

Madeline Juno sang früher auch englisch, und sie hat uns in dieser Kolumne über Deutschpop nicht zuletzt deswegen schon einmal beschäftigt. „Was bleibt“ heisst das neue Album, und es enthält 12 Lieder glasklaren Pops, versiert und einigem Gespür produziert, heutig und zeitlos zu klingen. Zu diesem Zweck hat sich Madeline Juno musikalisch merklich in einige neue Richtungen umgesehen. So ist der Opener „zu zweit allein“ nur mit Ukulele begleitet, während „anfangen aufzuhören“ und „Borderline“ nahezu unterkühlt elektronisch sind, und „gib doch nach“ klassisch flächiger „Ouh-Oh“-Pop aus dem wie-werde-ich-auf-spotify-nicht-weiter-geskippt-Handbuch ist; der Titelsong wiederum versucht mit den Mitteln des Tonstudios klassisches Band-Arrangement in ein Blues-Rhythmus zu stauchen - alles dies ist musikalisch aller Ehren wert. Wenn nur das Songwriting mithielte. Fast alle Lieder nehmen den einfachsten Weg, um einen Songtext in Fahrt zu bringen: Sie singen ein wie auch immer geartetes „Du“ an: „Ich bin mit dir zu zweit allein. Und wenn ich könnte, würde ich dir erzählen, wie sehr wir mir fehlen. Es ist vorbei, ich bin hier und ich kann den Weg zu dir nicht mehr gehen.“ - das ist nur ein Beispiel. Wenn sich Lieder immer nur zwischen „Ich“ und „Du“ abspielen, auch die, die nicht vom Verhältnis zwischen zwei Menschen handeln, weiß man irgendwann nicht mehr, wo man als Hörer*in steht. So ist dies in der Summe eine Platte, die offenbart, wie sehr man nach Wegen suchen muss, musikalisch wie textlich verschiedene Perspektiven einzunehmen, damit Popmusik Spielraum hat. Wenn sie es nicht hat, bekommen wir es mit jener unentschlossenen Zufriedenheit zu tun, die ständig Probleme beschreibt, die nicht lösbar sind, weil sie gar nicht zugelassen werden. So ist dies trotz toller Ansätze und Ideen ein Album, das mittendrin steht in der Post-Menschen-Leben-Tanzen-Welt-Ära des deutschen Songschreibens.

Selbiges könnte man über die Band „Berge“ sagen, auch wenn es die bereits seit 2007 gibt. Das Duo macht also offenbar seit her Musik, die jetzt erst seit ein paar Jahren so populär ist: Leicht fluffige Popsongs mit simpler bis ungenauer Symbolik, Synthie-Tupfern und wenig Amplitude - das ist weder gut noch schlecht, harmlos dahin gefolkt: „Komm wir ziehen heut einfach los in Richtung Freiheit, wo uns keiner kennt, und vor uns liegt das Glück auf dem Asphalt, und der Blick ist weit hier im Sonnenschein.“ - das ist Befreiungslyrik von Menschen, die sich noch nie befreien mussten, auch wenn „Berge“ das blosse Du-Ansingen überwunden haben.

Trap-Beats und Autotune sortiert man eher in komischer Rap-Musik ein; aber der Leipziger Songwriter und Popmusiker Lothar Robert Hansen, dessen Künstlername LOT ist, hat diese Sound-Effekte als Verfremdungs-Effekte in sein Folk-Pop eingebaut. Das ist um so merkwürdiger, als dass die Texte, die LOT schreibt und singt, jenseits von jeder Verfremdung eine Ehrlichkeit suchen: „Fleischwarenverkäuferin“ ist die Geschichte einer alleinerziehenden Mutter, mutmasslich des Sängers: „Dieses Haus ist älter, als ich selbst bin. Drei Etagen aus Ausdauer und Starrsinn, und sie sagen, das kriegt sie nie hin - gar nicht mal so schlecht für eine Fleischwarenverkäuferin.“ - vielleicht hält er die Nähe seiner Texte nur mit Popmusik-Verfremdungen aus. Man weiss es nicht. Aber Lieder, die Geschichten erzählen, gibt es im Deutschpop wenig, und LOT kann das wirklich toll, und auch wenn er nicht der begnadetste Sänger ist, ist das vor einer Woche erschienene Album „Nasenbluten“ ein Kleinod der Songschreiberkunst - diesen Menschen sollte man hören und sich merken- ein großes, tolles Album.

Last but not least christman: Mittelalter-Rock haben wir heute auch wieder im Gepäck; die Band Versengold hat soeben ihr nunmehr achtes Studio-Album „Nordlicht“ veröffentlicht. Wir haben über den Mittelalter-Rock in diesem Blog schon viel gelernt, unter anderem dass dieses Sub-Genre ein eigenes Koordinaten-System der Binnen-Ironie hervor gebracht hat. Es gibt Bands, die den Mittelaltermummenschanz mit doppeltem Augenzwinkern absolvieren, und solche, die in dem ultra-retro Popentwurf mit Bezügen zu Rock vor 20 und Musik vor 900 Jahren eine steinerne Ernsthaftigkeit suchen. „Versengold“ gehören eher zu den durch und durch unironischen Bands, und da fangen bei mir zumindest schon die Probleme an. Da es aber nichts nützt, sich über Genres lustig zu machen, mit denen man nichts anfangen kann, will ich nun um Himmels Willen nichts bashen, sondern lieber versuchen mit staunendem Ohr zu beschreiben, was man hört, wenn man „Versengold“ hört: Es gibt die für das Genre (egal wie ironisch) typischen Trinklieder („Thekenmädchen“, „Der Tag, an dem die Götter sich betranken“), es gibt viel Wettersymbolik („wacht auf, der Winter dreht Nordwest, nehmt Eure Lieben an der Hand, steigt auf die Dächer … nehmt Euer Hab und Gut, was ihr unten lasst, holt sich die Flut.“). Zudem finden viele Lieder einen Bezug zur norddeutschen Herkunft der Band, die gleichermassen heutig seemännisch wie über Bausteine nordischer Göttersagen Einfluss auf die Liedtexte nimmt. Die Melodien, die „Versengold“ für ihre Lyrik finden sind irgendwo in der Schnittmenge zwischen „Die Toten Hosen“ und klassischen Mittelalter-Harmonien zu finden. Arrangiert ist das das Ganze mit normaler Band-Besetzung plus den für den Mittelaltersound unerlässlichen Instrumenten wie Geige, Fidel, Nyckelharpa oder Mandoline. Wer einen Eindruck von dieser Band bekommen möchte, sollte sich Live-Videos von ihnen anschauen: Nichts spricht so sehr für Musik wie Menschen, die sie lieben, und live sind „Versengold“ ziemlich toll.

90er-Boygroup-Namen ins Deutsche übersetzt

In heutigen Zeiten von Deutschpop hätten die Boybands der 90er (und ein paar aus anderen Dekaden) anders geheissen. Der Popticker hat übersetzt - einer musste das ja mal machen.

Bett und Frühstück            Neue Kinder auf dem Block

Seitengassenjungs             Nimm dies

Welten auseinander            Die Jungz

Erwischt beim Akt             MNKLANG

5 Sekunden des Sommers        Eine Richtung

Jungszone                     Ost 17

Westleben                     Uns Fünf               

Blau                          Jungs zwei Männer

Noch eine schlechte Kreation  Küsten Stadt Roller

O-Stadt                       Brüde

O-Zone                        Alle vier einen

Um Ergänzungen und Rückübersetzungen wird gebeten.

Konzeptpop aus der Brainstormhölle

dArtganan sind die Erfinder des Musketierrocks

Beziehungsweise: Ich kann mir nicht vorstellen, dass die drei schnieken Herren, die „dArtganan“ repräsentieren, die tatsächlichen Erfinder dieses Mummenschanzpops sind. Denn Mittelalter-Rock als Schlager in Musketier-Kostümen der vorletzten DJ-Bobo-Tour, das kann nicht das Konzept derjenigen sein, die diesen Quatsch jetzt machen müssen. Das haben sich irgendwelche findigen Musik-Manager in einer Art von Filterkaffee-Flipchart-Wahnzustand erfunden, nicht wirklich damit rechnend, dass das irgendeiner mal in die Tat umsetzen und das Ergebnis jemand hören wollen würde. Denn man fragt sich: Wer kann Lieder wie „Einer für Alle für Einen“ oder „Entfache mein Feuer“ oder „Drei Nymphen“ ironiefrei hören? (Es sind dies drei Beispieler der soeben erschienen, dritten Platte ("in jener Nacht") des Trios. Einzig mit der Erkenntnis, dass Pop-Musik interessant wirkt, wenn sie die Frage aufwirft: Wie zum Teufel ist das gemeint?, lässt sich der Erfolg dieses Popkonzeptes erklären. Aber ich fürchte eben, dass das alles sehr wohl ernst gemeint ist. Und davor muss auch schon wieder fast das Schwert ziehen. Pardon: Den Hut. Wenn man freilich bedenkt, dass zwei der drei Musketier-Rocker auch bei der Formation "Feuerschwanz" zusammen musizieren, deren Mitglieder Namen wie "Johanna von der Vögelweide" oder "Prinz Hodenherz der III." haben, muss man aber doch umgekehrt davon ausgehen, dass das Ganze doch nicht zu 100% frei von Ironie ist. Darauf einen Meth.